O avanço da tecnologia e seus efeitos sobre os relacionamentos humanos estão no centro de “O Extermínio da Cegonha”, espetáculo que chega ao Espaço Municipal Cultural Sérgio Porto, no Rio de Janeiro, nesta sexta-feira (23), às 20h. Escrita e dirigida por Pedro Uchoa, a peça combina humor, drama e reflexão para explorar como as transformações digitais influenciam os afetos, as escolhas e a maneira como as pessoas constroem suas memórias.

Pedro também integra o elenco, ao lado de Higor Campagnaro, Julia Limp, Nara Parolini e Ricardo Lopes. A montagem propõe um encontro entre diferentes gerações e seus modos de compreender o mundo, colocando em evidência os conflitos entre a experiência analógica e a realidade marcada por smartphones, aplicativos e redes sociais.

Na história, Isabel decide passar o feriado de Finados em sua cidade natal acompanhada do namorado, do cunhado e da irmã mais nova. O reencontro inesperado com Samuel, um amigo de infância, desencadeia acontecimentos que recuperam lembranças do passado e revelam conflitos que não podem ser desfeitos.

A narrativa acompanha personagens que cresceram em contextos distintos. Enquanto uma geração viveu a infância compartilhando o telefone fixo da família, outra se formou em meio à comunicação instantânea e à exposição constante nas redes. Madá, irmã mais nova de Isabel, representa esse olhar da geração Z, em uma sociedade na qual experiências cotidianas são registradas em publicações digitais e a repercussão das emoções pode ser medida pelo engajamento.

Tecnologia, silenciamento feminino e responsabilidade emocional

Além das diferenças geracionais, o espetáculo aborda temas como responsabilidade emocional, silenciamento feminino e consciência de privilégios. A proposta é mostrar como as mudanças tecnológicas também interferem na maneira de estabelecer vínculos, lidar com conflitos e assumir as consequências das próprias decisões.

O texto começou a ser desenvolvido há mais de dez anos e passou por diferentes adaptações ao longo desse período. Com a evolução das ferramentas digitais e a transformação dos hábitos sociais, a tecnologia deixou de funcionar apenas como cenário e passou a ocupar uma posição central na construção dos conflitos dramáticos.

Pedro Uchoa explica que o tempo de desenvolvimento da obra permitiu incorporar mudanças históricas e pessoais à dramaturgia.

“A cada gaveta, eu percebia que o mundo tinha avançado alguns passos e o texto precisava acompanhar esse deslocamento. Ele nasceu em outro momento histórico, quando muitas das questões digitais que hoje parecem centrais ainda estavam em formação. Ao longo desse tempo, o texto não ficou parado. Ele foi atravessado pelas transformações do mundo e pelas minhas próprias. O tempo trouxe um diálogo vivo com aquilo que eu ia escrevendo e funcionou como um coautor silencioso, tensionando ideias, aprofundando personagens e deixando que as imagens amadurecessem, até encontrarem a forma que têm hoje”, afirma o autor e diretor.

Para Uchoa, a velocidade dessas transformações também amplia o papel provocador do teatro, que pode criar um espaço de reflexão sobre comportamentos que se modificam rapidamente.

“As renovações tecnológicas alteraram profundamente o comportamento humano, em uma velocidade tão vertiginosa que se tornou urgente registrar em cena este nosso tempo. Diante dessa aceleração, o teatro tem que assumir quase uma função provocativa, criando uma experiência que nos permita reconhecer o impacto dessas transformações em nossas escolhas, afetos e conflitos. Uma experiência que não compete com a tecnologia, mas contracena com ela”, aponta.

O diretor também destaca a responsabilidade de abordar questões contemporâneas sem simplificar os dilemas apresentados. “A tecnologia hoje não é uma ferramenta, é um território. Então, quando usamos dramaturgicamente este território para criarmos uma dramaturgia que dialoga com o hoje, com nosso novo letramento, após criação de palavras que nem existiam no nosso dicionário, isso é também uma responsabilidade ética. Existe o desafio de tratar de assuntos tão atuais sem cair em respostas fáceis. A peça nasce desse desejo de pensar o presente com complexidade poética, mas sem simplificar de forma leviana os conflitos que nos atravessam”, pondera.

Espetáculo aproxima plateia e palco com interação digital

A encenação combina realismo e poesia, alternando momentos cômicos e trágicos em uma narrativa fragmentada e conectada à experiência contemporânea. A interação com o público começa antes mesmo do desenvolvimento da história, com um karaokê no qual os espectadores podem sugerir músicas por meio de um QR Code.

A participação continua no ambiente digital: a plateia também pode interagir em tempo real com o perfil do espetáculo no Instagram para escolher as canções. Dessa forma, a montagem propõe uma experiência que ultrapassa a divisão tradicional entre palco e público, incorporando recursos tecnológicos à própria dinâmica teatral.

Segundo Pedro Uchoa, a intenção é criar uma relação direta com os espectadores e estimular o reconhecimento de situações e dilemas presentes na vida cotidiana.

“Desde a primeira cena o público deixa de ser apenas espectador e passa a compartilhar a experiência. Canta junto, ri, se reconhece e, aos poucos, percebe que é testemunha nas questões que a peça aborda. É um trabalho que mistura humor e vertigem, vulnerabilidade e tecnologia. Me interessa fazer um teatro que afete a plateia, que provoque uma reflexão nos mais profundos paradigmas e use o teatro para pensar a própria vida. Criamos toda noite uma espécie de pacto silencioso que se estabelece cada vez que toca o terceiro sinal, cada vez que um elenco invoca merda. Quando faço teatro, faço para o outro”, conclui.

Ao unir recursos digitais, participação da plateia e conflitos familiares, “O Extermínio da Cegonha” leva ao palco questões sobre como a tecnologia redefine as relações humanas e influencia a forma como cada geração percebe o mundo.

Sinopse

Na trama, Isabel decide passar o feriado de finados em sua cidade natal com seu namorado, seu cunhado e sua irmã mais nova. Porém, um reencontro a princípio casual com Samuel, seu amigo da infância, desencadeia acontecimentos que trazem à tona fantasmas do passado, revelando conflitos e memórias irrebobináveis. Um olhar sensível sobre o que resta de nós quando nossas escolhas são atravessadas por algoritmos e as consequências de um clique. ‘O Extermínio da Cegonha’ mistura realismo brutal e poesia para investigar o colapso do encontro sinestésico entre o que fomos e o que nos tornamos atravessados pela tecnologia.

Sobre  Sérgio Porto

Fundado em 1983 no bairro do Humaitá, o espaço foi batizado em homenagem ao cronista e escritor Sérgio Porto (Stanislaw Ponte Preta). Ao longo de sua trajetória, consolidou-se como um polo de vanguarda e resistência cultural na Zona Sul do Rio de Janeiro, sendo reconhecido como ponto de partida para novos talentos da música, do teatro, da dança e das artes visuais, promovendo a integração entre diferentes linguagens artísticas.

Serviço

“O extermínio da Cegonha”

Temporada: 23 de outubro a 15 de novembro de 2026

Horário: Sexta-feira e Sábado, às 20h; Domingo, às 19h
Local: Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto
Endereço: Rua Visconde de Silva, s/nº (ao lado do prédio 292) – Humaitá

Ingressos: R$ 30 (meia-entrada) / R$ 60 (inteira)
Link de Compra do Ingresso:  https://bileto.sympla.com.br/event/126895/d/413814/s/2693094

Contatos: (21) 3085-3549 | teatrosergioporto.cultura@prefeitura.rio

Informações sobre programação, acessibilidade, estacionamento e outros serviços: https://cultura.prefeitura.rio/espacos-culturais/teatros/espaco-cultural-municipal-sergio-porto/

Funcionamento: quarta a sexta-feira, de 14h às 22h; sábado e domingo, de 15h às 22h

Classificação Indicativa: 14 anos
Duração: 80 minutos
Instagram: @exterminiocegonha

Whindersson Nunes se apresenta neste domingo, 18 de outubro, no Qualistage, na Barra da Tijuca, Zona Oeste do Rio de Janeiro. O humorista leva ao palco a turnê “Isso Definitivamente Não É Um Culto”, espetáculo que percorre o Brasil e o exterior e marca uma fase de destaque em sua trajetória artística.

Produzida pela Non Stop, a apresentação transforma experiências pessoais e reflexões sobre o mundo contemporâneo em humor. Entre os temas abordados estão saúde mental, comportamento, redes sociais e espiritualidade, em uma proposta que combina observações do cotidiano com a linguagem característica do comediante.

A turnê já passou por 65 cidades, distribuídas em 23 estados brasileiros e seis países, incluindo apresentações em palcos europeus. Ao longo do projeto, foram registrados mais de 230 mil espectadores, em 94 sessões principais, das quais 63 tiveram ingressos esgotados, além de 47 sessões extras abertas em razão da procura do público.

Em 2026, Whindersson continua percorrendo diferentes regiões do país, com apresentações previstas em estados como São Paulo, Pará, Ceará, Paraná, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Goiás e Rio Grande do Sul, entre outros.

O espetáculo consolida a conexão do humorista com o público ao explorar assuntos pessoais e questões presentes na vida contemporânea, mantendo o humor como fio condutor da apresentação.

Serviço

Whindersson Nunes — “Isso Definitivamente Não É Um Culto”

Data: domingo, 18 de outubro de 2026.
Horário do espetáculo: 20h30.
Abertura da casa: 18h30.

Local: Qualistage.
Endereço: Avenida Ayrton Senna, 3.000, Via Parque Shopping, Barra da Tijuca, Rio de Janeiro.

Ingressos: a partir de R$ 70.
Vendas online: qualistage.com.br/whindersson-nunes.

Bilheteria oficial: Via Parque Shopping, Avenida Ayrton Senna, 3.000. Atendimento de segunda a sábado, das 11h às 20h; domingos e feriados, das 13h às 20h. Em dias de shows, os horários podem sofrer alterações.

Classificação etária: 16 anos. Menores de idade somente acompanhados pelo responsável.
Acessibilidade: disponível no local.

Os valores e a disponibilidade dos ingressos estão sujeitos a alterações pela organização do evento.

Além da apresentação da cena, Fabiano ministrou uma oficina baseada nos processos de criação de Axé, compartilhando metodologias desenvolvidas durante a pesquisa do espetáculo e propondo reflexões sobre a presença da cultura afro-brasileira nas artes cênicas contemporâneas. O artista também participou de mesas de debate sobre arte, cultura e políticas públicas ao lado de representantes de diversos países da América Latina. Também em dupla jornada, a atriz Taty Aleixo além de atuar no espetáculo, assina a direção vocal da peça.

“Retorno ao Brasil com a “mala”cheia de conhecimento. Foi uma troca maravilhosa e ter participado do Festival Internacional ‘Voces y Visiones de Las Artes Escénicas’, é uma experiência que jamais irei esquecer. Este foi o meu primeiro Festival de Teatro Internacional. Espero que seja o primeiro de muitos”, ressalta Taty.

Espetáculo inspirado em histórias reais

Inspirado em um caso ocorrido em Araçatuba (São Paulo), Axé acompanha Patrícia, uma mãe que enfrenta uma batalha judicial após iniciar sua filha no candomblé. O espetáculo utiliza essa narrativa para discutir intolerância religiosa, racismo estrutural e maternidade, colocando mulheres negras no centro da cena.

Com passagens pelas cidades do Rio de Janeiro e Belo Horizonte, “Axé” participou de diversos festivais, sendo premiado ‘As Lucianans’ e ‘Ajodun – Artes Negras’. Em 2025 . No ano anterior integrou o elenco do 14º FESTU, sendo premiado na categoria “melhor texto original”.

“Quando escrevi este texto, eu lembrei muito da minha mãe. Uma vez, em uma das brigas dela com meu pai, ouvi ele dizendo que ‘se um dia ela levasse a gente pra macumba, ele levaria a gente para morar com ele’. Na época aquilo não surtiu efeito, porém no processo de construção da dramaturgia, essa fala voltou com tudo e me ajudou a colocar esta inquietação para a cena. Todo esforço que minha mãe fez pra criar a gente de forma digna, está presente no texto, na direção e na interpretação do elenco. Eu ainda não sei se este texto é para ela, mas se por exemplo ela fosse cristã, e eu nunca tivesse ouvido esta frase, talvez este texto nem existisse”, conclui Fabiano.

Taty Aleixo

Atriz, cantora e compositora, nascida no Rio de Janeiro e cria do Jacarezinho. Formada em Artes Cênicas pela UNIRIO, iniciou sua trajetória profissional em 2012 no grupo Manguinhos em Cena.

No teatro, integrou montagens de destaque como Furacão, indicada ao Prêmio APTR 2023, Incondicionais,Vozes Negras: A força do Canto Feminino, Os Griôs e As Comadres, além de participar de festivais nacionais e de uma turnê internacional pela Europa. Na televisão, atuou na novela Um Lugar ao Sol (TV Globo). Também desenvolve carreira na música, com participações em álbuns da Sony Music e da Amok Teatro, transitando por gêneros como MPB, samba, rap, blues e funk. Atualmente integra o coletivo Agô.

Fabiano de Paula

Ator, diretor, dramaturgo, produtor cultural e artista visual, nascido no Rio de Janeiro, cria da comunidade Asa Branca.. É formado pela Escola Técnica Estadual de Teatro Martins Penna e estudante de Artes Visuais da UERJ.

Ao longo de 14 anos de carreira recebeu 11 prêmios e mais de 20 indicações em festivais. É fundador do Coletivo Agô e integra a Ao Quadrado Produções, ao lado de Ândrea Cordeiro e Alex Martins.

A Cidade das Artes recebe nos próximos finais de semana (25 e 26/07 e 01 e 02/08) o espetáculo “Nossos Espaços Vazios”, que marca o retorno do Núcleo de Dança para Atores ao complexo cultural. A intervenção artística ocupa o paredão da Esplanada, transformando um dos principais pontos de convivência do local em um território de encontro, escuta e contemplação.

A obra propõe uma reflexão profunda sobre as ausências que atravessam a experiência humana — sejam elas afetivas, simbólicas ou cotidianas. Em diálogo direto com a arquitetura imponente e o fluxo da cidade, os intérpretes utilizam a dramaturgia construída pelo corpo para investigar os silêncios que estruturam as relações humanas.

Na contramão da correria urbana, a apresentação convida o público a experimentar novas temporalidades. O vazio é tratado como potência de comunicação e não como mera ausência, criando uma suspensão sensorial que interrompe o ritmo acelerado do dia a dia de quem transita pelo espaço.

A produção traz a direção de Roberto Lima, coreografia assinada por Roberto Lima e Rodrigo Gondim, e figurinos desenvolvidos por Nívea Faso. O trabalho reafirma a pesquisa artística contínua do grupo, centrada na fisicalidade e na expressividade, onde cada gesto carrega uma dimensão poética e política.

Serviço

“Nossos Espaços Vazios”

Data: 25 e 26/07 e 01 e 02/08 (sábado e domingo)
Horário: 17h30
Local: Esplanada da Cidade das Artes (Avenida das Américas, 5.300 – Barra da Tijuca)

Entrada: gratuita
Classificação: livre

A banda fluminense Hover está oficialmente de volta à cena e já tem data marcada para reencontrar o público carioca em uma noite memorável de celebração. Nesta quinta-feira, 23 de julho de 2026, o grupo sobe ao palco do Teatro Municipal Domingos Oliveira, no Rio de Janeiro, como atração principal da edição da Heartbreak Sessions. O show marca o retorno dos integrantes aos palcos com novidades do ambicioso projeto audiovisual Desentristecer e uma homenagem especial aos 10 anos de seu aclamado álbum de estreia, Never Trust the Weather. A noite contará ainda com a abertura da banda Montanee.

O retorno da Hover consolida o encerramento de um hiato iniciado em 2018 e abre uma das fases mais criativas de sua trajetória. Formada em Petrópolis (RJ) por Saulo von Seehausen, Felipe Duriez, Leandro Bronze e Álvaro Cardozo, a banda acaba de lançar de forma simultânea o novo álbum e o filme-sessão ao vivo Desentristecer. O registro audiovisual apresenta uma importante virada artística: com composições integralmente escritas em português e vocais divididos por todos os integrantes, o grupo expandiu os limites do rock alternativo ao incorporar arranjos orquestrais criados por Maycon Ananias e gravados em São Petersburgo, na Rússia.

Para a apresentação no Rio de Janeiro, o público pode esperar um repertório que conecta esse novo momento épico — representado por faixas do projeto recente e pelo single “Dissolvi” — à energia crua que consagrou o quarteto na cena independente. O setlist celebrará uma década do álbum Never Trust the Weather (2016), disco com influências de stoner rock, post-hardcore e grunge que figurou nas principais listas de melhores do ano no país e impulsionou a Hover a grandes marcos, como a vitória no concurso “Voz Para Todos” (que os levou a abrir para o Linkin Park em Brasília) e ao palco do Circo Voador.

A noite de celebração do rock alternativo tem início a partir das 19h com o show da banda Montanee, que apresenta ao vivo o repertório do EP Recalling Dreams, trazendo uma performance enérgica carregada de timbres pesados e melodias marcantes.

Os ingressos para o evento já estão à venda com valores entre R$ 25,00 (meia-entrada) e R$ 50,00 (inteira).

Desentristecer pode ser visto no canal do YouTube do grupo. O Teatro Municipal Domingos Oliveira fica localizado na Avenida Padre Leonel Franca, 240, dentro da área do Planetário da Gávea.

Serviço

Heartbreak Sessions apresenta: Hover + Montanee

Data: 23 de julho de 2026 (Quinta-feira)
Horário: 19h00
Local: Teatro Municipal Domingos Oliveira
Endereço: Rua Padre Leonel Franca, 240 – Gávea – Rio de Janeiro (RJ)
Ingressos: R$ 25,00 (Meia-entrada) | R$ 50,00 (Inteira)

Classificação Etária: Livre

Comemorando os 80 anos de Alceu Valença, estreia, nesta quinta-feira dia 23 julho, o musical “Anunciação”, no Teatro Carlos Gomes, equipamento da Secretaria Municipal de Cultura do Rio de Janeiro. O espetáculo acontecerá às quintas e sextas, às 19h, e sábados e domingos, às 17h, com ingressos variando entre R$ 40 e 80 R$, e Classificação Livre, ficando em cartaz até o dia 16 de agosto.

O espetáculo propõe uma imersão no universo criativo de um dos maiores nomes da música brasileira, e é viabilizado pelo apoio da Secretaria Municipal de Cultura via Lei ISS. Idealizado por Miguel Colker, o musical se afasta do formato tradicional das biografias teatrais para mergulhar na chamada “mitologia valenciana” — o imaginário construído por Alceu Valença ao longo de décadas de carreira.

No palco, oito intérpretes, a maioria nordestinos, conduzem a narrativa sem personagens fixos — Foto: Any Duarte/DivulgaçãoA dramaturgia é guiada pelo universo simbólico presente em suas canções, personagens e referências culturais, revelando a força criativa de uma obra que atravessa gerações e permanece profundamente conectada à cultura brasileira.

No palco, canções icônicas como “Anunciação”, “La Belle de Jour”, “Tropicana” e “Como Dois Animais” vão conduzir o público a uma experiência sensorial que mistura teatro, música e poesia, revelando diferentes camadas da obra de Alceu, do lirismo urbano às raízes nordestinas. O elenco conta com nomes como Luiza Loroza, Maria Pérola, Juzé, Jef Lyrio, Natasha Falcão, Vitor Novello, Beto Lemos e Rafael Lorga, artistas com trajetórias marcadas pela interseção entre teatro e música.

Serviço

Anunciação – O Musical de Alceu Valença

Período: 23 de julho a 16 de agosto
Dias e horários: Quintas e sextas, às 19h; sábados e domingos, às 17h
Local: Teatro Carlos Gomes
Endereço: Praça Tiradentes, 19 – Centro – Rio de Janeiro – RJ
Ingressos: Entre R$ 40 e R$ 80
Classificação: Livre

Depois de anos de expectativa dos fãs cariocas, Wicked – A História Não Contada das Bruxas de Oz finalmente estreia no Rio de Janeiro. O musical inicia temporada nesta quarta-feira (15), na Cidade das Artes Bibi Ferreira, na Barra da Tijuca, marcando a primeira passagem da produção pela capital fluminense após três temporadas de sucesso em São Paulo.

Produzido pelo Instituto Artium de Cultura, em coprodução com o Atelier de Cultura, o espetáculo já ultrapassou a marca de um milhão de espectadores nos palcos brasileiros e chega ao Rio em uma montagem reformulada, com novos elementos cênicos, mudanças em figurinos, cenários e recursos visuais.

Baseado no romance de Gregory Maguire, o musical apresenta os acontecimentos que antecedem a chegada de Dorothy ao universo de Oz e acompanha a trajetória de amizade entre Elphaba e Glinda, personagens que mais tarde seriam conhecidas como as Bruxas Má e Boa do clássico.

A montagem é estrelada por Myra Ruiz, no papel de Elphaba, e Fabi Bang, interpretando Glinda. O elenco principal reúne ainda Baccic como o Mágico de Oz, Karin Hils vivendo Madame Morrible, Hipólyto como Fiyero, Luisa Bresser no papel de Nessarose, Pedro Balu interpretando Boq e Arízio Magalhães como Dr. Dillamond.

Chegada ao Rio encerra longa espera dos fãs

Durante a coletiva de imprensa realizada na Cidade das Artes, o presidente do Instituto Artium de Cultura, Carlos Cavalcanti, lembrou que trazer Wicked ao Rio se tornou um objetivo perseguido por quase uma década.

Segundo ele, o musical chegou a ser anunciado para a cidade em 2016 e voltou a ser planejado em 2024, mas, em ambas as ocasiões, a produção não conseguiu reunir os recursos necessários para viabilizar a temporada.

O cenário mudou após o enorme sucesso da versão apresentada em São Paulo entre 2025 e 2026, que permaneceu dez meses em cartaz com sessões praticamente esgotadas.

“Levar Wicked para o Rio é um presente para os fãs que sempre acreditaram e mantiveram essa chama acesa. É um presente viabilizado pelos patrocinadores que se reuniram para isso. Chegamos com tudo o que essa história merece: força, magia e um espetáculo que continua a emocionar gerações”, afirmou Carlos Cavalcanti.

Nova montagem traz mudanças em relação à temporada paulista

Embora preserve a essência da produção apresentada em São Paulo, a versão que chega ao Rio recebeu diversas atualizações.

Segundo Cavalcanti, a equipe aproveitou a experiência acumulada ao longo dos dez meses de temporada para aperfeiçoar detalhes de cenografia, figurinos, efeitos visuais e da narrativa apresentada ao público.

Ele explicou que as alterações não foram motivadas apenas por questões estéticas, mas também pela evolução dramática dos personagens.

O produtor destacou ainda que esta montagem aposta em cenários físicos mais elaborados, diferentemente da versão de 2023, que utilizava grandes projeções digitais e acabou licenciada para temporadas em diversos países da Ásia e do Oriente Médio.

Cidade das Artes recebe elogios pela estrutura

A escolha da Cidade das Artes também foi destacada durante a apresentação à imprensa.

Carlos Cavalcanti afirmou que o teatro possui uma das melhores infraestruturas do país para receber grandes musicais, ressaltando o tamanho do palco, das coxias, dos camarins e dos equipamentos de automação cênica.

Segundo ele, a estrutura permite acomodar todos os elementos da produção sem as limitações enfrentadas em outros teatros brasileiros.

A presidente da Fundação Cidade das Artes Bibi Ferreira, Marizabel Wernicke, também destacou que o espaço possui características comparáveis às grandes casas de espetáculos dedicadas ao teatro musical em cidades como Nova York e Londres.

Ela ressaltou que a chegada de Wicked reforça o papel do complexo cultural como um dos principais equipamentos culturais do país e amplia a oferta de grandes produções internacionais e nacionais na cidade.

Espetáculo terá sessões gratuitas para estudantes da rede pública

Além da temporada comercial, a produção manterá um amplo programa de formação de plateia.

Durante todas as oito semanas de apresentações, haverá uma sessão semanal gratuita destinada exclusivamente a estudantes das redes públicas estadual e municipal de ensino.

A iniciativa prevê o transporte dos alunos até a Cidade das Artes e faz parte das contrapartidas sociais do projeto viabilizado por meio da Lei Rouanet.

Carlos Cavalcanti também destacou a importância dessas apresentações para democratizar o acesso ao teatro musical.

Segundo o produtor, é especialmente gratificante ver crianças, adolescentes, indígenas e estudantes de escolas públicas assistindo ao espetáculo e aplaudindo a montagem, tornando o acesso à cultura uma experiência transformadora.

Produção brasileira ganha reconhecimento internacional

O sucesso de Wicked no Brasil também abriu portas para o mercado internacional.

A versão produzida pelo Instituto Artium foi licenciada para apresentações em nove países, principalmente no Oriente Médio e na Ásia, passando por cidades da Índia, China e Arábia Saudita.

As adaptações seguem um formato diferente do praticado no Brasil, com temporadas mais curtas, mas mantêm a concepção artística desenvolvida pela equipe brasileira.

Fenômeno do teatro musical

Desde sua estreia mundial, Wicked tornou-se um dos maiores sucessos da história da Broadway, conquistando milhões de espectadores em diversos países e ampliando ainda mais sua popularidade após a adaptação cinematográfica lançada recentemente.

No Brasil, o espetáculo teve duas montagens autorizadas: uma réplica da produção original e outra concebida especialmente pela equipe brasileira, desenvolvendo identidade própria e incorporando soluções cênicas inéditas.

Com uma história que aborda amizade, preconceito, escolhas e aceitação, o musical consolidou uma legião de admiradores ao longo dos anos e chega ao Rio cercado pela expectativa de repetir o sucesso alcançado em São Paulo.

Os ingressos para a temporada estão disponíveis pela plataforma Sympla e na bilheteria oficial da Cidade das Artes Bibi Ferreira.

FICHA TÉCNICA

Apresentado por Ministério da Cultura

Patrocínio: Bradesco Seguros, Volkswagen, PRIO, Alelo e Sem Parar
Apoio: Eurofarma e Unisys
Plataforma Oficial de Vendas: Sympla
Hotelaria Oficial: Radisson Barra da Tijuca
Maquiagem Oficial: Linha Bruna Tavares
Coprodução: Atelier de Cultura
Realização: Instituto Artium de Cultura, Ministério da Cultura e Governo Federal

Serviço

WICKED – O MUSICAL

Estreia hoje 15 de julho, às 20h

Local: Cidade das Artes Bibi Ferreira – Av. das Américas, 5300 – Barra da Tijuca

Sessões:

Quartas, quintas e sextas, às 20h
Sábados, às 15h e 19h
Domingos, às 14h e 18h30

Ingressos: de R$50,00 a R$400,00

Vendas

-Bilheteria Online: https://bileto.sympla.com.br/event/114663/d/356563
-Bilheteria Oficial | Sem taxa de conveniência

Cidade das Artes Bibi Ferreira – Av. das Américas, 5300 – Barra da Tijuca, Rio de Janeiro – RJ, 22793-080. Horário de funcionamento: Terça-feira a domingo das 13h às 19h. Em dias de espetáculo das 13h até 30 min após o início da sessão.

Classificação Indicativa Etária: Livre. Menores de 12 anos devem estar acompanhados dos pais e/ou responsáveis legais.

Duração: 180 minutos com 15 minutos de intervalo

Na montagem do Grupo Cacareco, João dá vida a uma das três versões de Amor, personagem que representa um antigo relacionamento da protagonista Helena. Ao reencontrar um ex em um museu, ela revisita lembranças, fantasias e emoções que atravessam o fim da relação, enquanto passado e presente se misturam em uma reflexão sobre identidade, memória e recomeços. Com humor, melodrama e elementos surreais, a peça propõe um olhar sensível sobre a permanência do amor mesmo após o término.

A participação no espetáculo marca mais um passo na trajetória de João, cuja relação com a arte começou ainda na infância. Filho da rede pública de ensino, ele encontrou no Núcleo de Artes Grécia, projeto gratuito da Prefeitura do Rio de Janeiro, a oportunidade de estudar teatro, dança, música e artes visuais. Foi ali, aos 11 anos, que descobriu sua vocação.

“Eu não seria artista se não tivesse conhecido o Núcleo de Artes Grécia. Eu não tinha dinheiro para pagar um curso, e foi lá que tudo começou. Aquele espaço me deu formação artística, disciplina e mudou completamente a minha vida”, afirma.

Mesmo formado em um curso técnico de Automação Industrial, João nunca abandonou os palcos. Utilizou a bolsa estudantil para custear aulas particulares de teatro e dança, conciliando a rotina intensa de estudos com a formação artística. Durante a pandemia, transformou as redes sociais em uma vitrine para seu trabalho como ator, publicando vídeos diariamente até conquistar espaço como criador de conteúdo. A estratégia deu resultado: além de construir uma carreira de sucesso na internet, estreou no cinema e passou a atuar em grandes produções.

Agora, recém-formado pela Casa das Artes de Laranjeiras (CAL), João celebra um sonho antigo: integrar uma montagem profissional de teatro. “Estar em uma peça profissional era uma meta que eu tinha há muitos anos. Agora que consegui realizar esse sonho, o próximo é fazer um musical”, conta o ator.

O convite para integrar Manual dos bons modos do término surgiu inicialmente como ator convidado do Grupo Cacareco. A parceria, no entanto, foi além do esperado. Após o sucesso da primeira temporada, que lotou todas as sessões de forma independente, João passou a integrar oficialmente o coletivo.

“O grupo me chamou para essa montagem e, no meio do processo, eu virei integrante do Cacareco. É muito especial fazer parte de um projeto em que todo mundo acredita tanto. A primeira temporada lotou todas as sessões e agora voltar em um teatro municipal mostra que o trabalho encontrou seu público.”, conta João.

Com dramaturgia de Luiza Porto e direção de Vic Faccin, Manual dos bons modos do término acompanha diferentes versões de uma mesma história de amor para discutir as transformações provocadas pelos afetos, mostrando que seguir em frente não significa apagar aquilo que foi vivido. Em cena, João Vítor Mello empresta ao personagem Amor sensibilidade, leveza e humanidade, reforçando a ideia de que algumas relações terminam, mas continuam habitando quem somos.

SOBRE JOÃO VÍTOR

João Vítor Mello é ator, criador de conteúdo e dançarino carioca. Revelado no TikTok, conquistou milhões de seguidores ao transformar situações do cotidiano em esquetes de humor que rapidamente viralizam nas redes sociais.Sua carreira na internet começou em 2020, durante a pandemia, mas sua trajetória artística teve início ainda na infância, quando descobriu o teatro em um projeto gratuito da rede pública de ensino. Recém-formado pela Casa das Artes de Laranjeiras (CAL), João concilia a produção de conteúdo com a atuação no teatro e no audiovisual, consolidando-se como um dos talentos da nova geração.

A peça investiga o esgotamento e as forças que moldam o humano atualmente. Há uma experiência sensorial sobre a pressa, o controle e aquilo que permanece em nós apesar da passagem do tempo.

Em Hiato, um homem percebe que a correria do cotidiano o afastou da capacidade de respirar e observar as coisas simples.

Em Biotério, um homem-rato vive submetido a regras e estímulos que o transformam em uma criatura que discute sua identidade.

A partir de uma Infiltração em sua casa, uma mulher mergulha em lembranças da infância que julgava esquecidas.

O palco torna-se um espaço de encontro, memória e escuta, onde os corpos-artistas tentam expurgar aquilo que os inquieta.

Com dramaturgia inédita e direção de Klever Schneider, a peça tem no elenco com Camilo Ricardo, Ducco Baggio, Henrique Lott e Tchella Queiroz.

“Expurgar não é apenas eliminar. É tornar visível o que nunca deixou de existir.”

Serviço

Espaço Rogério Cardoso | Casa de Cultura Laura Alvim

De 3 a 26 de julho
Sexta e sábado 19h |Domingo 18h
Duração: 75 minutos
Classificação: 16 anos

Ingressos: R$ 50 (inteira) |R$ 25 (meia)
Vendas: funarj.eleventickets.com
Endereço: Av. Vieira Souto, 176 – Ipanema

As obras tiveram como objetivo recuperar a estrutura física do teatro, preservar características históricas do edifício e adequar suas instalações aos padrões atuais de acessibilidade, segurança e conforto. O projeto contemplou melhorias nos sistemas elétrico, hidráulico, de climatização e prevenção contra incêndios, além da modernização dos recursos de iluminação, sonorização e infraestrutura de palco.

A reforma também incluiu intervenções voltadas à acessibilidade, permitindo melhores condições de circulação para pessoas com deficiência e mobilidade reduzida. Os espaços destinados ao público, artistas e equipes técnicas passaram por revitalização, ampliando as condições de uso do complexo cultural.

A cerimônia de reabertura reuniu autoridades, representantes do setor cultural e artistas, celebrando o retorno das atividades em um dos principais símbolos da cultura baiana. A programação de reinauguração contou com apresentações artísticas que destacaram a diversidade musical e cultural do estado, marcando o início de uma nova fase para o teatro.

Fundado em 1967 e batizado em homenagem ao poeta baiano Castro Alves, o equipamento consolidou-se ao longo das décadas como referência nacional na realização de concertos, espetáculos de dança, teatro, óperas e grandes eventos culturais. O espaço também abriga corpos artísticos permanentes e projetos de formação voltados ao desenvolvimento da produção cultural baiana.

Com a conclusão das obras, o Teatro Castro Alves retoma sua programação regular preparado para receber produções nacionais e internacionais, fortalecendo o cenário artístico de Salvador e ampliando sua contribuição para a difusão da cultura no estado e no país. A expectativa é de que a nova infraestrutura proporcione melhores condições para artistas, técnicos e espectadores, preservando a relevância histórica do teatro e garantindo sua utilização pelas próximas décadas.