A exposição “Viva Mauricio – Mauricio de Sousa, a experiência imersiva”, em cartaz no Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro (CCBB RJ), tem atraído grande público e se consolidado também como referência em acessibilidade cultural. Além do sucesso de visitação, a mostra tem chamado atenção pelo conjunto de recursos inclusivos desenvolvidos para garantir que diferentes públicos possam vivenciar a experiência de forma completa.

Desde a fase de concepção, a acessibilidade foi incorporada como parte central do projeto. “Pensar acessibilidade desde o início é garantir que a inclusão não seja um adendo, mas parte da narrativa, da curadoria e da arquitetura da exposição”, destaca Ana Lucia Peçanha da Motta, CEO da All Dub Estúdio, empresa especializada em acessibilidade cultural responsável pelo desenvolvimento das ferramentas utilizadas na mostra.

Entre os recursos disponíveis estão audiodescrição em português, inglês e espanhol, interpretação em Libras e Língua Internacional de Sinais, legendas, guia de previsibilidade sensorial, mapas táteis, sinalização acessível e óculos 3D com tecnologia inclusiva. A exposição também conta com monitoria especializada e um espaço de descompressão voltado para pessoas neurodivergentes, oferecendo um ambiente acolhedor durante a visita.

Segundo Rafael Piccin, head de experiências da MSP Estúdios, iniciativas desse tipo beneficiam todos os visitantes. “Acessibilidade beneficia a todos. Recursos como legendas, organização sensorial e linguagem clara ampliam a compreensão, o conforto e o engajamento de qualquer visitante”.

Outro ponto destacado pelos organizadores é a autonomia proporcionada aos visitantes com deficiência. As soluções foram projetadas para permitir que cada pessoa explore o conteúdo da exposição com independência. “Acessibilidade só é efetiva quando garante independência. Autonomia é um princípio inegociável”, afirma Ana Lúcia.

Para a equipe responsável pelo projeto, iniciativas acessíveis também elevam o padrão do setor cultural. “Projetos acessíveis ampliam público, fortalecem o sentimento de pertencimento e conectam cultura, inovação e responsabilidade social. Acessibilidade não é custo, é valor. É compromisso ético, social e cultural”, avalia a executiva.

O Centro Cultural Banco do Brasil destaca que a inclusão faz parte da história da instituição. De acordo com Sueli Voltarelli, gerente geral do CCBB Rio, o espaço cultural foi pioneiro em iniciativas voltadas a pessoas com deficiência e mantém a acessibilidade como padrão em toda a programação. “Hoje o nosso padrão é termos acessibilidade em toda a nossa programação e permanecemos trabalhando diariamente a acessibilidade atitudinal com nossas equipes, que têm como princípio receber e acolher os diversos públicos em suas necessidades”, afirma.

Como parte das atividades ligadas à exposição, será realizada no dia 17 de março, das 15h às 17h, no Espaço Conceito Banco do Brasil, no térreo do CCBB RJ, a palestra “Acessibilidade em Grandes Eventos: Bastidores, Desafios e Histórias Reais”. O encontro contará com apresentação de humor do comediante Jeffinho Farias, conhecido por abordar temas ligados à inclusão, além de participações de Ana Motta e Leonardo Knittel, especialistas em acessibilidade com atuação em grandes eventos e projetos corporativos.

A programação especial inclui ainda outras atividades abertas ao público. No dia 14 de março, das 15h às 17h, os ilustradores Flávio Teixeira e Mauro Souza, da MSP Estúdios, participam de uma palestra seguida de atividade prática de ilustração. Já no dia 22 de março, no mesmo horário, o arquiteto e diretor de criação Marcelo Jackow apresenta o encontro “Como fazer De Um Limão, O Bairro do Limoeiro – da ideia à concepção da experiência Viva Mauricio”, abordando os bastidores da criação da mostra.

A exposição permanece em cartaz no CCBB Rio até 13 de abril de 2026. O projeto é apresentado pelo Ministério da Cultura e pela BB Asset, com patrocínio da BB Asset e da BB Consórcios por meio da Lei Rouanet – Incentivo a Projetos Culturais. A realização é da MSP Estúdios, do Centro Cultural Banco do Brasil e do Governo do Brasil. Após a temporada no Rio de Janeiro, a mostra seguirá para os Centros Culturais Banco do Brasil de Belo Horizonte, Brasília e Salvador.

Serviço

Palestras

14 de março, sábado

Assunto: Palestra com ilustradores da MSP Estúdios + atividade de ilustração

Palestrante: Flávio Teixeira e Mauro Souza

Hora: das 15h às 17h

Local: Espaço Conceito Banco do Brasil, no CCBB RJ

Participantes da atividade: 50 pessoas

Ingressos disponíveis na bilheteria física ou no site do CCBB (bb.com.br/cultura) 1h antes da atividade.

17 de março, terça-feira

Assunto: “Acessibilidade em Grandes Eventos: Bastidores, Desafios e Histórias Reais” – Show de humor com Jeffinho Farias e palestra sobre acessibilidade em eventos culturais

Palestrantes: Jeffinho Farias, Ana Motta e Leonardo Knittel

Hora: das 15h às17h

Local: Espaço Conceito Banco do Brasil, no CCBB RJ

Ingressos disponíveis apenas na bilheteria virtual do CCBB (bb.com.br/cultura) a partir das 9h do dia do evento

22 de março, domingo

Assunto: “Como fazer De Um Limão, O Bairro do Limoeiro – da ideia a concepção da experiência Viva Mauricio”

Palestrante: Marcelo Jackow

Hora: das 15h às17h

Local: Espaço Conceito Banco do Brasil, no CCBB RJ

Ingressos disponíveis na bilheteria física ou no site do CCBB (bb.com.br/cultura) 1h antes da atividade.

Exposição “Viva Mauricio – Mauricio de Sousa, a experiência imersiva”

De 17 de dezembro de 2025 a 13 de abril de 2026

Entrada gratuita

Ingressos disponíveis na bilheteria física e no site do CCBB – bb.com.br/cultura

Classificação indicativa: livre

Centro Cultural Banco do Brasil   

Rua Primeiro de Março, 66, Centro, Rio de Janeiro/RJ   

Contato: 21 3808-2020 | ccbbrio@bb.com.br   

Mais informações em bb.com.br/cultura 

Siga o CCBB nas redes sociais: 

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Funcionamento: De quarta a segunda, das 9h* às 20h (fecha às terças).  

Funcionamento extra para PCD (mediante identificação, com até 3 acompanhantes): 3, 17 e 31 de março (terças-feiras), das 15h às 19h. Não é necessário retirar ingresso antecipadamente.

*ATENÇÃO Domingos, das 8h às 9h – horário de atendimento exclusivo para visitação de pessoas com deficiências intelectuais e/ou mentais e seus acompanhantes, conforme determinação legal (Lei Municipal nº 6.278/2017).

O Galpão das Artes Urbanas Hélio G. Pellegrino, na Gávea, zona sul do Rio de Janeiro, recebe a partir desta quinta-feira, 5 de março, a exposição Expo Gari – Arte e Limpeza Urbana: um Caminho para a Sustentabilidade. A mostra reúne produções artísticas criadas por garis e funcionários da Companhia Municipal de Limpeza Urbana e ficará aberta ao público até 20 de maio, com entrada gratuita.

A iniciativa apresenta obras de 17 artistas ligados à companhia e destaca diferentes linguagens artísticas, como poesia, literatura, pintura, escultura e artesanato. Grande parte dos trabalhos utiliza materiais recicláveis ou resíduos reaproveitados, reforçando a proposta de conscientização ambiental e valorização da sustentabilidade.

Inspirada no Ano Internacional dos Voluntários para a Sustentabilidade e um Mundo Melhor, celebrado pela Organização das Nações Unidas, a exposição também busca reconhecer o papel dos profissionais da limpeza urbana e ampliar a visibilidade de talentos artísticos presentes entre os trabalhadores da companhia.

Programação de abertura reúne arte, poesia e música

A abertura da mostra acontece das 11h às 16h e contará com apresentações especiais. Os garis e escritores Valdeci Boareto, Bruna Maria Gomes e Maria das Graças Pimenta Ribeiro apresentarão seus trabalhos literários e poemas.

O ator e gari Jersiano Vieira participará com uma esquete voltada à conscientização ambiental, enquanto o artista Derlan Matos realizará uma pintura ao vivo durante o evento. A programação musical ficará por conta do sambista e compositor Jorginho da Flor, integrante da Império Serrano, acompanhado pelos músicos Magal Nascente e Diogo do Cavaco.

Obras destacam criatividade e reaproveitamento de materiais

Entre os artistas participantes está Murilo Lemos de Souza, que junto com Derlan Matos utiliza a arte para transformar ecopontos da cidade em espaços mais atrativos. O gari Leonardo dos Santos, conhecido como LSP, apresentará quadros produzidos com reaproveitamento de telas e sobras de tinta, técnica que também utiliza em grafites espalhados por diferentes pontos do Rio.

André Luís Moreira Henriques, auxiliar de laboratório no centro de pesquisas da companhia, exibirá esculturas e peças artesanais feitas com latinhas de alumínio, cascas de árvores e chapas de MDF descartadas. Já o gari Felipe Matias apresentará obras esculpidas em madeira proveniente de restos de poda urbana.

Outros destaques incluem as esculturas criadas por Jaime Santos Aramart, soldador da companhia, que utiliza materiais como pontas de eletrodos, barras metálicas e latas reaproveitadas. O artista Oséias Da Matta, que já possui obras permanentes no espaço, levará novos trabalhos produzidos a partir de telas descartadas, cápsulas de café e tintas reaproveitadas.

A mostra também contará com esculturas de Miguel Almeida feitas com troncos reaproveitados, murais de Reginaldo Alves e peças produzidas pelo motorista Douglas dos Santos Pinto, que apresenta mobiliário e luminárias criados com madeira reutilizada.

Serviço

Exposição: Expo Gari – Arte e Limpeza Urbana: um Caminho para a Sustentabilidade

Abertura: 5 de março, das 11h às 16h
Visitação: de 6 de março a 20 de maio, em dias úteis, das 9h às 16h
Local: Galpão das Artes Urbanas Hélio G. Pellegrino
Endereço: Avenida Padre Leonel Franca, s/nº, Gávea, sob o Viaduto Lagoa-Barra, em frente ao Planetário da Cidade

Entrada gratuita

Até o dia 30 de janeiro de 2026, a Kobbi Gallery celebra a obra e o olhar de um dos importantes nomes da fotografia modernista brasileira: Nelson Kojranski (1927–2015). A exposição “A Gênese Moderna na Fotografia de Nelson Kojranski” convida o público a revisitar um capítulo importante da história da fotografia no Brasil.

Membro do Foto Cine Clube Bandeirante, Kojranski foi um dos artistas que, entre luzes e sombras, ajudou a moldar a linguagem visual da Escola Paulista de Fotografia, movimento que redefiniu o modo de ver e pensar a imagem no país. Suas fotografias revelam um olhar curioso, poético e inquieto, sempre em busca de novas formas de enxergar o cotidiano.

Entre contrastes fortes, linhas diagonais e composições geométricas, Nelson traduz em suas imagens a pulsação de um Brasil que se modernizava. A mostra reúne ampliações vintage, obras originais e documentos inéditos do acervo da família do artista, revelando tanto o trabalho experimental quanto a personalidade que se encantava pela vida e pela arte. Trabalhos como Composição com Figura e Melancolia Marítima mostram sua busca pela harmonia entre forma e emoção, um olhar que, mesmo técnico, é profundamente humano.

Além de reconstituir a trajetória de Kojranski no contexto do fotoclubismo paulista, a mostra também revisita o papel fundamental do FCCB na consolidação da fotografia moderna no Brasil, uma escola que colocou o país em destaque em instituições internacionais, como o MoMA (Nova York), o MASP, o Festival de Arles e o Centro Cultural São Paulo.

Sobre Kobbi Gallery

Fundada com a missão de explorar a fotografia e sua história, a Kobbi Gallery se estabeleceu como uma referência essencial no cenário da fotografia artística paulistana. Localizada na Vila Madalena, em São Paulo, a galeria dedica-se tanto à pesquisa quanto à realização de exposições que valorizem a potência e a singularidade de diferentes fotógrafos, posicionando-os tanto no mercado nacional quanto internacional. Trabalhando com uma variedade de artistas contemporâneos e reconhecidos, a Kobbi Gallery oferece um espaço dinâmico para a exploração de diferentes perspectivas e narrativas fotográficas.

Dirigida por Eduardo e Cristina Kobbi, conta com um grupo de profissionais apaixonados e experientes, comprometidos em criar uma programação inovadora e relevante. Com um espaço expositivo cuidadosamente projetado, o local proporciona uma experiência imersiva e enriquecedora para os visitantes, sejam eles brasileiros ou estrangeiros, incentivando o diálogo entre a arte e o ambiente urbano.

A expansão recente de sua proposta expositiva reforça seu compromisso com a promoção tanto da fotografia quanto da arte contemporânea, uma vez que destaca seu empenho com uma abordagem curatorial que se estende desde a fotografia tradicional até as novas mídias. Com o compromisso de promover a pluralidade a partir de iniciativas baseadas na criatividade e no rigor acadêmico, celebramos a rica história da fotografia, ao mesmo tempo em que exploramos as infinitas possibilidades oferecidas por esse meio artístico.

O projeto, criado em celebração aos 50 anos da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, nasceu como uma espécie de jam session: cada artista levaria suas obras e, juntos, construiriam o espaço da mostra. O improviso, no entanto, ganhou forma em torno de um elo comum — a paisagem, entendida aqui como conceito expandido. Natureza, história, provocação, selfie, liberdade, educação, piscina, biblioteca, macaco, café, mas restaurante não.

A ideia foi pensar o espectador como visitante de um parque. Um passeio que pode ser contemplativo, provocador, educativo ou lúdico. Um lugar de encontros, silêncios e descobertas. Ao mesmo tempo em que a natureza se impõe, surgem também as marcas do tempo, o palacete, as cavalariças, os restauros, os cafés e os gestos cotidianos que transformam o Parque Lage em território de vida e arte.

Nas obras, o público encontra pintura, desenho, colagem e escultura. Mas, acima de tudo, encontra transgressão: linhas, cores e espaços que se recusam a respostas prontas. Bernardo, Bruno e Pedro apostaram na subjetividade, deixando lacunas que só podem ser preenchidas pela imaginação de quem percorre a mostra.

“Parque” é também um exercício de memória. Professores que já foram alunos retornam à origem de sua formação artística para propor novas narrativas. A Galeria de Arte IBEU torna-se extensão do Parque Lage, um espaço de experimentação que se constrói a muitas mãos.

Bernardo Magina, Bruno Miguel e Pedro Varela são artistas e professores com trajetórias distintas, mas conectadas pelo Parque Lage, espaço que marcou suas formações e práticas. Juntos, reúnem pesquisa, experiência e diversidade de linguagens para propor na exposição um olhar expandido sobre a paisagem, onde natureza, história e imaginação se encontram.

Serviço

PARQUE – Uma exposição de: Bernardo Magina, Bruno Miguel e Pedro Varela

Visitação: até 05 de dezembro de 2025
Local: Galeria de Arte IBEU – Rua Maria Angélica, 168 – Jardim Botânico, Rio de Janeiro
Dias e horários: segunda a quinta, das 13h às 19h, sextas das 12h às 18h

Entrada gratuita

Instagram: https://www.instagram.com/galeriaibeu

A mostra conta com trabalhos inéditos dos artistas selecionados – Alana Cream, Gabe Ferreira, Lucas Bem-aventurado, Jesus Suave, Manu Gomes, Maiumamariana, Mayara Assis e Medusa Yoni – que, para a exposição, desenvolveram seus trabalhos em linguagens como pinturas, videoartes, fotografias, esculturas e instalações. Durante o processo, os encontros educativos realizados pelo Mó Coletivo com fomento do Pró-carioca da Secretaria Municipal de Cultura do Rio de Janeiro (SMC RJ) foram ministrados explorando a relação dos artistas em trânsito pela cidade do Rio de Janeiro por meio dos transportes públicos em três módulos de pesquisa: trem, metrô e ônibus.

O objetivo do trabalho foi tirar o transporte público do lugar de automatização e desgaste, aprofundando a percepção sobre diferentes dinâmicas e acontecimentos que se encenam nesse espaço e propondo a subversão desses olhares. Três dos encontros imersivos tiveram como ponto de partida a Central do Brasil realizando o trajeto até bairros periféricos. Assim, os artistas foram até Santa Cruz de trem; até a Pavuna, pelo metrô; e foram a Bangu de ônibus, pela Av. Brasil. Os bairros escolhidos tiveram como premissa serem os destinos finais de cada um dos meios de transporte público utilizados.

“Depois da realização de três festivais de performance, uma exposição e a participação em várias ativações artísticas, finalmente tivemos a oportunidade de executar esse projeto. Nossa expectativa, que felizmente foi concretizada, foi a construção coletiva e compartilhada de toda a idealização desta exposição, passando pelo título, identidade visual, expografia, além da realização de aproximadamente 15 obras que vão compor a mostra”, celebra Carolina Rodrigues, uma das integrantes e fundadoras do Mó Coletivo.

O olhar direcionado aos repertórios cotidianos das pessoas de lugares periferizados da cidade e do estado do Rio de Janeiro já é parte do movimento do Mó em toda a sua trajetória de ações. Assim, segue observando e evidenciando a potência artística, poética e intelectual desses contextos. “A reflexão sobre os trânsitos pela cidade sempre apareceu nos festivais e resolvemos aprofundar esse potencial. Existe, é claro, também uma dimensão política, pois apesar de estimular o olhar para o que há de mais subjetivo nas relações que se dão nesses contextos, não deixamos de lado a crítica às péssimas condições de mobilidade impostas à maior parte da população, utilizando, também, a arte como veículo de reflexões críticas sobre essas questões”, pondera Carolina. 

Curadora criada na zona oeste carioca e com vasta vivência em deslocamento através do transporte público, Mery Horta explica os meandros da exposição. “O jogo com a expressão ‘em trânsito’ e com a ideia de transe, de um estado entre estar consciente e inconsciente, é o que trazemos no nome da exposição e que faz parte do ato de estar dentro de um transporte público atravessando a cidade do Rio de Janeiro. A polifonia dos vendedores ambulantes, o fluxo de passageiros, o próprio movimento dos modais nos transportam para um mundo cheio de códigos específicos, de cores, de cheiros, de corpos que dialogam constantemente”, observa.

Diversas situações do transporte público estiveram presentes ao longo do processo.  A residência, em si, aconteceu em lugares como o Centro Municipal de Artes Hélio Oiticica e o Centro de Artes Calouste Gulbenkian, mas também em trânsito pelos transportes públicos. “Deslocar o olhar e pensar o transporte não só como meio, mas sendo ele próprio lugar da criação criativa, de experimentação artística, foi uma forma de descolonizar processos muito naturalizados de quem pode e quem não pode ser artista no Rio de Janeiro. O artista periférico, em geral, é empurrado socialmente a sair do seu território para poder exercer seu ofício, seja para aprender mais, seja para exibir seu próprio trabalho, ou mesmo socializar. A sensação de estar sempre em deslocamento é uma constante, e na residência nós podemos inverter essa lógica, voltando-nos ao deslocamento em si como processo criativo”, encerra a curadora Renata Sampaio.

SERVIÇO

Exposição “IN TRANSE TO”

Abertura: 26 de julho, das 13h às 17h
Período da Exposição: 26 de julho a 23 de agosto de 2025
Horário: Segunda-feira à sábado de 10h às 18h
Local: Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica – Galerias 1, 2 e 3
Endereço: Rua Luís de Camões, nº 68 – Centro – RJ 

Entrada Gratuita 

Classificação Indicativa: Livre

A exposição contará com audiodescrição das obras.

FICHA TÉCNICA

Realização: Mó Coletivo
Curadoria: Carolina Rodrigues, Mery Horta e Renata Sampaio
Artistas: Alana Cream, Gabe Ferreira, Jesus Suave, Lucas Bem-aventurado, Maisumamariana, Manu Gomes, Mayara Assis e Medusa Yoni
Assessoria de Imprensa: Marrom Glacê Comunicação

“Trata-se de um importante arquivo de depoimentos de artistas associados às muitas gerações 80 no Brasil. Em um país ainda carente de arquivos, publicações e mesmo documentários gratuitos e de fácil acesso a respeito das artes visuais no país, o Arquivo Fullgás é uma contribuição singela e sólida a uma tentativa de fazer alguma manutenção da memória desses artistas a partir de suas próprias falas, lembranças e contação de histórias. Ao ouvirmos depoimentos de artistas com carreiras tão assimétricas, com mídias diferentes e de lugares tão distantes dentro do Brasil, apenas podemos concluir que qualquer circunscrição a uma noção única de “Geração 80″ está fadada ao deslize. Aprendamos com esses artistas e que futuras pesquisas em curadoria e história da arte venham para seguir complexificando esse momento tão importante da produção de arte e imagem não só no Brasil, mas no mundo”, afirma o curador-chefe Raphael Fonseca.

Assim como na exposição, o Arquivo Fullgás conta com artistas visuais de todas as regiões do país, mostrando um amplo panorama das artes brasileiras na década de 1980, uma oportunidade única de ter acesso às memórias dos artistas que integram essa geração. Desta forma, já estão disponíveis depoimentos de artistas como Beatriz Milhazes (RJ), Sérgio Lucena (PB), Chico Machado (RS), Mauricio Castro (PE), Cristóvão Coutinho (AM), Gervane de Paula (MT), Rosângela Rennó (MG), Guache Marque (BA), Alice Vinagre (PB), Elder Rocha (GO), Goya Lopes (BA), Sergio Romagnolo (SP), entre muitos outros.

O Arquivo Fullgás começou a ser produzido em outubro de 2024, com o início da exposição no Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro e seguirá com novos episódios até o final da exposição em Belo Horizonte, no dia 10 de novembro de 2025.

“Fullgás”, assim como a música de Marina Lima, deseja que o público tenha contato com uma geração que depositou muito de sua energia existencial não apenas no fazer arte, mas também em novos projetos de país e cidadania. Uma geração que, nesse percurso, foi da intensidade à consciência da efemeridade das coisas, da vida”, afirmam os curadores.

A exposição está dividida em cinco núcleos conceituais cujos nomes são músicas da década de 1980: “Que país é este” (1987), “Beat acelerado” (1985), “Diversões eletrônicas” (1980), “Pássaros na garganta” (1982) e “O tempo não para” (1988). A mostra aborda o período de forma ampla, entendendo que seus questionamentos e impulsos começaram e terminaram fora do marco temporal de dez anos que tradicionalmente constitui uma década. Desta forma, a exposição abrange o período entre 1978 e 1993, tendo como marcos o final do Ato Institucional 5 e o ano posterior ao impeachment do ex-presidente Fernando Collor de Mello. “Consideramos para a base de reflexões este arco de quinze anos e todas as suas mudanças estruturais e culturais para pensarmos o Brasil: do fim da ditadura militar ao retorno a uma democracia que, logo na sequência, lidará com o trauma de um impeachment”, contam os curadores, que selecionaram para a exposição obras de artistas cujas trajetórias começaram neste período.

Nas artes visuais, a Geração 80 ficou marcada pela icônica mostra “Como vai você, Geração 80?”, realizada no Parque Lage, em 1984. A exposição no CCBB entende a importância deste evento, trazendo, inclusive, algumas obras que estiveram na mostra, mas ampliando a reflexão. “Queremos mostrar que diversos artistas de fora do eixo Rio-São Paulo também estavam produzindo na época e que outras coisas também aconteceram no mesmo período histórico, como, por exemplo, o ‘Videobrasil’, realizado um ano antes, que destacava a produção de jovens videoartistas do país”, ressaltam os curadores.

Além das obras de arte, a exposição traz, ainda, diversos elementos da cultura visual da década de 1980, como revistas, panfletos, capas de discos e objetos, que fazem parte da formação desta geração. “Mais do que sobre artes visuais, é uma exposição sobre imagem e as obras de arte estão dialogando o tempo inteiro com essa cultura visual, por exemplo, se apropriado dos materiais produzidos pelas revistas, televisões, rádios, outdoors e elementos eletrônicos. Por isso, propomos incorporar esses dados, que quase são comentários na exposição, que vão dialogando com os elementos que estão nas obras de fato”, ressaltam Raphael Fonseca, Amanda Tavares e Tálisson Melo.

Serviço

Arquivo Fullgás

Exposição “Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil”

Até 04 de agosto de 2025

Local: Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo
Horário: Todos os dias, das 9h às 20h (exceto às terças)
Endereço: Rua Álvares Penteado, 112 – Centro Histórico – SP
Ingressos: Gratuitos em bb.com.br/cultura e na bilheteria do CCBB

INFORMAÇÕES CCBB SP:

Funcionamento: Aberto todos os dias, das 9h às 20h, exceto às terças
Contato: (11) 4297-0600 | E-mail: ccbbsp@bb.com.br
Estacionamento: O CCBB possui estacionamento conveniado na Rua da Consolação, 228 (R$ 14 pelo período de 6 horas – necessário validar o ticket na bilheteria do CCBB).

O traslado é gratuito para o trajeto de ida e volta ao estacionamento e funciona das 12h às 21h.

Van: Ida e volta gratuita, saindo da Rua da Consolação, 228. No trajeto de volta, há também uma parada no metrô República. Das 12h às 21h.
Transporte público: O CCBB fica a 5 minutos da estação São Bento do Metrô. Pesquise linhas de ônibus com embarque e desembarque nas Ruas Líbero Badaró e Boa Vista.
Táxi ou Aplicativo: Desembarque na Praça do Patriarca e siga a pé pela Rua da Quitanda até o CCBB (200 m).
Entrada acessível CCBB SP: Pessoas com deficiência ou mobilidade reduzida e outras pessoas que necessitem da rampa de acesso podem utilizar a porta lateral localizada à esquerda da entrada principal.

Instagram e Youtube: @arquivo_fullgas

Gratuito

Reconhecida por sua maestria na combinação de cores, resultado de muito estudo cromático ao longo dos últimos anos associado a uma linguagem visual eclética e inspirada em temas da cidade em que vive, Bim Brito apresenta a obra Rio 70°, uma criação baseada na realidade, já que o Rio de Janeiro realmente atingiu a sensação térmica de 70° no último verão, e o sol estava exatamente na posição retratada na obra, como visto da janela do seu ateliê.

“Essa obra foi escolhida porque o Cristo de braços abertos deu um match e tanto com o conceito da expo e com meu estado de espírito ao participar desse super “abraço coletivo”, que irá promover a arte de braços abertos para mais de 370 artistas”, ressalta Bim Brito.

Organizado por Paula Borghi, o projeto Abraço Coletivo conta também com outros curadores. São eles: Ana Carla Soler, Bruna Costa, Fabiola Martins, Fabricio Faccio, Paulo Farias e Priscilla Casagrande. O evento propõe uma curadoria aberta, inclusiva e horizontal, dando espaço a artistas de diferentes trajetórias e linguagens visuais. A mostra tem como foco a valorização da coletividade como ferramenta de transformação social, e acontece no galpão cultural da LanchoneteLanchonete, que cede integralmente o espaço durante o recesso do programa Escola por Vir.

A exposição segue em cartaz até o dia 26 de julho, com entrada gratuita e obras disponíveis à venda. Após a abertura oficial, o público poderá participar de uma festa no Bar Dellas, com show da cantora Azula e sets dos DJs Ursinho e Ademar Britto.

Reforçando o poder da arte como ponte para o afeto e a mobilização, Bim Brito ainda conclui: “Estar no Abraço Coletivo é estar de braços abertos para o que a arte pode transformar em nós e no outro”.

Serviço

Abertura da mostra Abraço Coletivo

Abertura da exposição: 17 de julho (quinta-feira), das 18h às 22h
Visitação: 18 a 26 de julho, das 13h às 19h
Local: Lanchonete Lanchonete – R. Pedro Ernesto, 16 – Gamboa, Rio de Janeiro
Entrada gratuita | Classificação: Livre

Festa de Abertura: BAR DELLAS, 17 de julho, 22 horas – entrada gratuita
Com pocket show de Azula seguido dos DJs Ursinho e Ademar Britto e dos DJs Ursinho e Ademar Britto

O legado de Paulo Gustavo, um dos maiores talentos do humor brasileiro, recebe uma homenagem especial no formato de exposição imersiva e sensorial no Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC). Com uma abordagem atual e multilinguística, “RIR, UM ATO DE RESISTÊNCIA” convida o público a vivenciar de perto a essência do artista, através de registros de sua vida pessoal e profissional, figurinos icônicos e sua admiração por obras contemporâneas. Mais do que um tributo à sua trajetória, o projeto, que nasce em sua cidade natal, é uma verdadeira imersão em sua irreverência, energia vibrante e amor pela arte.

Idealizado pela família, com Thales Bretas à frente do projeto, “RIR, UM ATO DE RESISTÊNCIA” possui curadoria de Nicolas Martin Ferreira e co-curadoria de Juliana Cintra. A exposição é aprovada pela Lei de Incentivo à Cultura, com apresentação do Ministério da Cultura e do Grupo Bradesco Seguros. Patrocínio da TV Globo e Multishow, e apoio da Prefeitura de Niterói, Fundação de Arte de Niterói (FAN), MAC Niterói e Galeria Silvia Cintra + Box 4. A realização é da InterArt. A estreia acontece no dia 13 de abril (domingo), com encerramento previsto para 1º de junho.

Thales Bretas, marido de Paulo Gustavo e idealizador do projeto, fala com carinho sobre a concepção: “Esse é um presente cheio de amor para o público. A exposição foi pensada como uma homenagem afetuosa ao legado de Paulo Gustavo. Mais do que reviver sua genialidade, queremos acalentar o coração das pessoas de forma leve e inspirar novas gerações a enxergarem a arte e o humor como forças transformadoras e de resistência”.

“A cultura é um poderoso agente de transformação e conexão social. O apoio à exposição ‘Rir é um ato de resistência’, que faz parte do calendário de 2025 do Circuito Cultural Bradesco Seguros, reflete a nossa valorização da arte brasileira e de seu legado, fato que é motivo de satisfação e orgulho para o Grupo”, declara Alexandre Nogueira, Diretor de Marketing do Grupo Bradesco Seguros.

A MAGIA DO RISO E UMA HOMENAGEM ATRAVÉS DA ARTE

Paulo Gustavo sempre enxergou o riso como um ato de resistência e transformação. Com uma abordagem lúdica e interativa, RIR, UM ATO DE RESISTÊNCIA convida o público a mergulhar em sua trajetória, explorando sua identidade cultural e paixões, como o teatro, a moda e as artes visuais.

Dividida em cinco galerias, a exposição apresenta registros inéditos de sua infância e juventude, além de figurinos icônicos de personagens inesquecíveis. Os visitantes poderão interagir com cenografias envolventes, reviver cenas marcantes de sua carreira e assistir a um curta-metragem exclusivo em um ambiente inspirado em uma sala de cinema.

GALERIA 1 – UMA VIDA À LUZ

Sua história é contada por meio de fotografias inéditas organizadas em uma linha do tempo que vai da infância à vida adulta. Episódios significativos ao lado da família e amigos se conectam a trajes e acessórios emblemáticos, exibidos em sofisticadas vitrines e manequins.

GALERIA 2 – O LÚDICO E O HUMOR

O encantamento do universo lúdico, do teatro e da comédia teve papel essencial na formação criativa de Paulo Gustavo. Em um cenário vibrante, o visitante se envolve com instalações interativas, peças representativas e elementos simbólicos. A experiência celebra sua devoção ao riso e à arte, com caixas de som reproduzindo falas memoráveis e um telão projetando momentos icônicos de palhaços que influenciaram sua trajetória no cinema e na televisão.

GALERIA 3 – A MODA COMO EXPRESSÃO

Uma projeção envolvente alterna registros de arquivo com figurinos marcantes, apresentados em requintados manequins. Seu estilo arrojado se traduz em sapatos cravejados de cristais, chapéus exuberantes e joias sofisticadas, onde cada detalhe conta um capítulo de sua jornada artística. Entre peças emblemáticas e itens de seu acervo pessoal, destacam-se criações de grifes renomadas como Comme des Garçons, Balmain, Saint Laurent e Gucci, além de exclusividades assinadas pelo estilista americano John Varvatos.

GALERIA 4 – UMA COLEÇÃO INSPIRADORA

Um conjunto notável de obras contemporâneas brasileiras, pertencente ao seu acervo particular, reflete suas inspirações e refinado olhar artístico. O espaço reúne trabalhos de grandes nomes como Miguel Rio Branco, Vik Muniz, Adriana Varejão, Os Gêmeos, Nelson Leirner, Rodrigo Matheus, Marcus Galan, Roberto Magalhães, Cristina Canale e Cinthia Marcelle. Na área externa do MAC, a escultura CDR-14, de Amilcar de Castro, com 2,5 metros de altura, simboliza sua presença marcante na cultura nacional.

GALERIA 5 – MULTISHOW APRESENTA 220 VOLTS DE HUMOR

Em colaboração com a TV Globo e o Multishow, uma acolhedora sala de exibição apresenta um curta-metragem exclusivo sobre a carreira de Paulo Gustavo. A seleção reúne cenas emblemáticas de suas produções no cinema, televisão e teatro, além de entrevistas inesquecíveis, proporcionando uma imersão no seu talento e revivendo as gargalhadas que deixou como legado.

Para Cristovam Ferrara, Diretor de Valor Social da Globo, “Paulo Gustavo foi um talento extraordinário, que marcou a história da dramaturgia e do humor brasileiro com o dom de conectar pessoas através da arte. Para a Globo, é uma honra apoiar essa exposição, que celebra não só o artista genial que ele foi, mas também o seu legado na cultura brasileira. Como uma empresa brasileira, feita por brasileiros, que valoriza e exalta a nossa arte e o nosso povo, essa homenagem é uma forma de manter viva a memória e o impacto cultural que Paulo Gustavo deixou para o Brasil”. 

A Fundação de Arte de Niterói (FAN) tem como missão fomentar a produção artística da cidade, valorizando e criando espaços para o talento de seus artistas, promovendo o cenário cultural. Paulo Gustavo é um importante símbolo da vocação artística de Niterói, que se manifesta na irreverência, no humor e na coragem de sua obra. Além de sua genialidade, sua trajetória foi marcada pelo combate ao preconceito e pela defesa da diversidade, temas fundamentais para a arte e para a sociedade.

“Celebrar Paulo Gustavo em sua cidade natal, dentro de um equipamento público tão emblemático, é mais do que uma homenagem, é um ato de reconhecimento à sua grandiosidade e ao impacto que ele teve na cultura brasileira. Essa exposição não apenas revisita sua trajetória brilhante, como reforça o poder da arte como ferramenta de afeto e transformação social, proporcionando à cidade um mergulho na história de um dos maiores artistas do Brasil”, destaca Micaela Costa, presidente da FAN, entidade gestora do MAC.

“Paulo Gustavo é um dos maiores orgulhos de Niterói. Sua arte, seu humor e sua generosidade ultrapassaram fronteiras e conquistaram o Brasil inteiro. Inaugurar esta exposição no Museu de Arte Contemporânea, um dos ícones culturais de nossa cidade, reforça a luz e o legado do artista. Paulo continua brilhando, emocionando e inspirando. É uma honra para Niterói celebrar sua trajetória com essa homenagem tão especial”, afirma o prefeito de Niterói, Rodrigo Neves.

Paulo Gustavo Amaral Monteiro de Barros, um artista completo. Ator, diretor, roteirista e apresentador, deixou sua marca na televisão, no cinema e no teatro, encantando o público com seu talento e carisma inigualáveis. Dono de uma trajetória extraordinária, tornou-se um dos maiores fenômenos de bilheteria do cinema nacional, conquistando milhões de espectadores com sua versatilidade artística e comunicação autêntica. Criador e intérprete da inesquecível Dona Hermínia, Paulo trouxe aos palcos e às telas uma personagem que dialogava diretamente com o povo brasileiro, abordando com sensibilidade e humor temas como família, diversidade e inclusão social. Além de sua genialidade cômica, foi um defensor incansável de causas sociais, usando sua arte como ferramenta para promover mudanças e dar voz a importantes questões. Seu humor afiado e carisma irresistível não apenas divertiram, mas também emocionaram, consolidando seu nome como um dos maiores ícones do entretenimento nacional.

Serviço

Exposição Paulo Gustavo – “RIR, UM ATO DE RESISTÊNCIA”

Local: MAC – Museu de Arte Contemporânea de Niterói / Mezanino
Período: 13  de abril a 01 de junho de 2025
Horários: terça a domingo, das 10h às 18h (entrada até 17h30)
Endereço: Mirante da Boa Viagem, s/n – Boa Viagem, Niterói – RJ
Classificação: Livre

Informações sobre ingressos no site oficial do MAC: https://culturaniteroi.com.br/blog/macniteroi/2152#ingressos

O tema geral da exposição de 2025 é “Emancipate yourselves from mental slavery” (em tradução livre, “Emancipem-se da escravidão mental”), baseado em um trecho da música do cantor e compositor jamaicano Bob Marley. A partir desse universo, a plataforma Lambes Brasil, criou um corpo de pesquisa e curadoria para selecionar artistas sob a perspectiva do conceito do “Brincar”, onde se encaixam as obras Concentração na Mangueira, de Ana e Menino da Bike, de Pietra.

“A fotografia que apresento homenageia os trabalhadores que constroem o Carnaval com suas próprias mãos. É uma honra representar um dos patrimônios da Cultura do Rio de Janeiro no continente Africano”, diz Ana Bia. Para Pietra, o importante é “levar a arte de rua, que é muito marginalizada – principalmente por ser uma arte majoritariamente negra – pra um lugar como o Egito. É também realizar uma homenagem à nossa ancestralidade” diz.

A curadoria, feita pelo Instituto Lambes Brasil, criado para a disseminação e fomento da técnica do lambe-lambe, também focou em artistas já reconhecidos nacionalmente e que usam o cartaz e a arte urbana como técnica. Com isso, mergulha nas múltiplas camadas do brincar, propondo um entrelaçamento entre as possibilidades da brincadeira, ora enquanto uma ação objetiva, ora reflexiva e imersa nas subjetividades de uma vasta, complexa e continental cultura brasileira.

Dividida em quatro eixos temáticos essenciais, a curadoria revela o poder transformador da imaginação e da criação; a magia e o ritual da fantasia, da veste e da possibilidade de assumir personagens; a arte da gambiarra, do manipular, do reeditar e dar vida aos brinquedos e bugigangas que povoam nosso imaginário; e, por fim, dos rituais e celebrações que permeiam as práticas lúdicas enquanto um ato e performance.

“Nessa proposta, vislumbramos desde artistas que trabalham com assuntos comuns do brincar, como pipas, até artistas que usam objetos e engenhocas na aplicação do lambe-lambe”, conta Mila Serejo.

Produzidos em tamanhos variados, os lambes, também conhecidos como cartazes urbanos, podem ter formas e técnicas variadas e agora, ocupam espaços na capital do Egito.

Nesta exposição, a linguagem que é democrática por usar em sua essência apenas papel e cola, deve surgir com diferentes materiais, é o que explica Alberto Pereira. “Além de impressões gráficas, também trouxemos uma variação de artistas que produzem manualmente suas obras, seja com tinta e caneta ou até com bordados”, explica.

As artistas

Ana Bia Novais é cria da Zona Norte, formada em Comunicação Social e pós-graduanda em Linguagens Artísticas, Cultura e Educação no IFRJ. Fotógrafa, artista visual e educadora popular, se utiliza de signos e corpos periféricos para produzir seus trabalhos em fotografia, bordado e lambe lambe.

Vencedora do Prêmio Inspirar 2023 pela atuação com o “Lambe das Manas”, projeto de arte urbana e fotografia idealizado por ela e voltado para pessoas LBT+ moradoras de periferias do Rio e/ou racializadas, também compõe o acervo de Fotografia Popular “Imagens do Povo” e participou de exposições no MAR – Museu de Arte do Rio, Galpão Bela Maré, MAC Niterói, Paço Imperial, entre outros.

Pietra Canle tem 26 anos e é cria de Nova Iguaçu. Artista plástica e de rua, atriz e arte-educadora, é formada pela Escola Técnica Estadual de Teatro Martins Penna. Foi ganhadora do 29° Prêmio Shell, na categoria Inovação, com o coletivo Rede Baixada em Cena e do 11° FESTU.

É também co-fundadora do primeiro Coletivo de Lambe e Educação Popular da Baixada Fluminense: o BXDLambe; atualmente é Mestranda no Programa de Pós-Graduação em Educação, Contextos Contemporâneos e Demandas Populares pela UFRRJ, com ênfase em Educação Étnico-racial e de gênero: linguagens e estudos afro-diaspóricos. Sua pesquisa está voltada para a arte de rua como ferramenta na criação identitária de crianças e jovens negros da Baixada Fluminense. Já expôs seu trabalho em lugares como CCSP, Centro Cultural Lado B, Sesc, dentre outros.

O Instituto Lambes Brasil

A Lambes Brasil é um canal criado em 2016, com o intuito de fomentar e valorizar o lambe-lambe no contexto das artes visuais brasileiras.

Através de parcerias e iniciativas independentes, busca fortalecer o cenário aos artistas e produtores, gerando reconhecimento da técnica e prática artística perante o público, órgãos governamentais, empresas, instituições culturais, demais artistas e linguagens artísticas.

Produzida por Isabel Tinoco e Fabiana Gabriel, com curadoria de Isabel Portella (do Museu da República), a exposição reúne obras de 10 artistas que reinterpretaram itens do acervo do museu, oferecendo novas perspectivas e reflexões sobre a história e as transformações da cidade.

Diálogo entre Acervo e Contemporaneidade

Os artistas criaram esculturas, fotografias, pinturas, instalações e performances baseadas em peças da reserva técnica do museu, que conta com mais de 24.000 bens culturais. Esses itens, que vão desde mobiliários e porcelanas até mapas e projetos arquitetônicos, documentam o desenvolvimento urbanístico, político e social do Rio de Janeiro.

Pela primeira vez, o Museu Histórico da Cidade promove uma exposição contemporânea que dialoga diretamente com seu acervo histórico.

Destaques da Exposição

• Julie Brasil (Guatemala): Inspirada por fotos antigas de sete paisagens emblemáticas da cidade, Julie recriou imagens dos mesmos locais nos dias de hoje, destacando a presença das montanhas cariocas. Um dos achados foi o registro de um morro em Copacabana, desaparecido com o tempo e agora substituído pela piscina do Copacabana Palace.
• Ze Garcia (Sergipe): O artista criou uma escultura em madeira que reinterpreta o Cristo Redentor. A obra inclui uma cabeça de Cristo de cabeça para baixo, representando uma casa de marimbondos, como crítica aos problemas sociais da cidade. Ze também utilizou fragmentos originais da construção do monumento em sua composição.
• Rafa Bqueer (Pará): A artista, drag queen e ativista criou uma instalação têxtil com resíduos de fantasias de carnaval e figurinos utilizados em performances. Inspirada em um figurino de bate-bolas do acervo do museu, sua obra reflete a fusão de referências amazônicas com o carnaval carioca.
• Andrea Hygino (Rio de Janeiro): A artista apresenta pinturas em louças que criticam a fome e a desigualdade, contrapondo essas peças à opulência das porcelanas usadas em banquetes da elite carioca no passado.

Visite a Exposição

A exposição “Rio de Corpo e Alma” estará aberta ao público no Museu Histórico da Cidade, situado no Parque da Cidade, na Gávea. Não perca a oportunidade de vivenciar essa celebração artística e histórica que destaca a riqueza cultural e a complexidade do Rio de Janeiro.