O Museu de Arte do Rio, o Museu de Arte do Rio, abriu ao público a exposição “Beleza Valente”, primeira mostra individual realizada no Brasil pela artista e ativista visual sul-africana Zanele Muholi. A exposição apresenta um amplo panorama de sua trajetória artística e reúne trabalhos produzidos ao longo de mais de duas décadas de atuação, consolidando a presença de uma das vozes mais influentes da fotografia contemporânea internacional.

A mostra chega ao Rio de Janeiro após temporada em São Paulo e reúne mais de 100 obras, entre fotografias e vídeos, que documentam experiências, histórias e identidades da comunidade negra LGBTQIAPN+ na África do Sul e em diferentes partes do mundo. O projeto tem curadoria de Daniele Queiroz, Thyago Nogueira e Ana Paula Vitorio.

O título “Beleza Valente” reflete uma das principais características da produção de Muholi: utilizar a arte como instrumento de resistência, visibilidade e afirmação. Em seus trabalhos, a beleza aparece associada à luta por reconhecimento e direitos, especialmente diante das violências historicamente enfrentadas por pessoas negras LGBTQIAPN+.

Nascida em 1972, na cidade de Umlazi, próxima a Durban, durante o período do apartheid sul-africano, Muholi construiu uma carreira marcada pela combinação entre arte e ativismo. A artista costuma definir seu trabalho como uma forma de atuação política por meio da imagem, registrando e preservando memórias frequentemente ausentes dos registros oficiais.

Entre os destaques da exposição está a série “Somnyama Ngonyama”, expressão que pode ser traduzida como “Salve, Leoa Negra”. Desenvolvido desde 2012, o projeto reúne autorretratos produzidos em diferentes países e utiliza objetos cotidianos para provocar reflexões sobre racismo, colonialismo, identidade, trabalho e representação da população negra. A série também presta homenagem à mãe da artista e aos seus ancestrais.

O público também poderá conhecer outras coleções importantes da trajetória de Muholi, como “Faces and Phases” e “Brave Beauties”, trabalhos que retratam pessoas negras lésbicas, bissexuais, trans, não binárias e integrantes de diferentes segmentos da comunidade LGBTQIAPN+, contribuindo para ampliar a visibilidade desses grupos no cenário artístico internacional.

A exposição inclui ainda obras produzidas durante a passagem da artista pelo Brasil em 2024. Na ocasião, Muholi participou de atividades culturais em São Paulo, visitou organizações ligadas à defesa dos direitos LGBTQIAPN+ e estabeleceu diálogos entre as experiências de resistência social vividas na África do Sul e no Brasil.

Reconhecida internacionalmente, Zanele Muholi já participou de importantes eventos de arte contemporânea, como a Bienal de Veneza e a Documenta 13. Sua produção é considerada uma referência global na discussão sobre raça, gênero, sexualidade e direitos humanos.

A mostra permanecerá em cartaz no Museu de Arte do Rio até novembro de 2026. A visitação ocorre de terça-feira a domingo, das 11h às 18h. Às terças-feiras a entrada é gratuita. Nos demais dias, os ingressos custam R$ 20, com meia-entrada disponível por R$ 10.

Reconhecida por sua pesquisa que transita entre escultura, instalação e performance, Sandra Lapage desenvolve um trabalho que ressignifica resíduos e elementos encontrados, convertendo-os em narrativas visuais carregadas de simbolismo. Em suas obras, materiais descartados ganham novos significados e passam a integrar composições que evocam tanto vestígios de um futuro possível quanto referências a universos míticos e ancestrais.

Em “O dragão e a lua”, cápsulas de café, elemento marcante da história e da cultura brasileira, dividem espaço com outros materiais orgânicos e sintéticos em uma composição de grande impacto visual. O contraste entre natureza e plástico evidencia questões relacionadas ao consumo e ao descarte, ao mesmo tempo em que seduz pelo brilho, pela textura e pela complexidade formal da obra.

“No ArtWall do Shopping Leblon, Sandra Lapage apresenta uma instalação que transforma materiais descartados em um território de imaginação e descoberta. A obra convida o público a construir suas próprias narrativas a partir das formas e relações que emergem da composição”, comenta Christiane Laclau, curadora do ArtWall.

O dragão e a lua, que dão nome ao trabalho, não aparecem de forma literal. As imagens surgem por meio da pareidolia, fenômeno psicológico que leva o observador a reconhecer figuras familiares em formas dispersas. Dessa maneira, a artista propõe uma experiência aberta, em que cada visitante é convidado a completar a obra a partir do próprio olhar. Sua produção investiga justamente as fronteiras entre natureza e cultura, matéria e imaginação, ordem e transformação. Ao reorganizar elementos descartados em novas configurações, Lapage cria espaços de fabulação que sugerem outras formas de relação com os objetos, com o ambiente e com os excessos produzidos pela sociedade contemporânea.

Sobre Sandra Lapage

Sandra Lapage vive e trabalha em São Paulo. Sua produção artística se desenvolve a partir da coleta, reorganização e ressignificação de materiais descartados, criando obras que transitam entre escultura, instalação e performance.

Sua pesquisa ganhou novos contornos durante uma residência em Nova York, quando passou a aprofundar o uso de resíduos e técnicas manuais como linguagem artística. Desde então, vem desenvolvendo trabalhos que articulam questões ambientais, imaginário coletivo e narrativas simbólicas, propondo reflexões sobre consumo, memória e transformação.

A artista recebeu importantes reconhecimentos internacionais, entre eles a bolsa da Fundação Pollock-Krasner (2022–2023), a bolsa LIAEP (2024), o Repaint History Artist Fund (2021) e o MYMA (2024). Formada pela FAUUSP, concluiu seu mestrado no Maine College of Art, posteriormente revalidado pela USP.

Ao longo de sua trajetória, participou de exposições e residências artísticas no Brasil, Europa, Ásia e Estados Unidos. Seus trabalhos foram apresentados em instituições como o Institute of Contemporary Art, em Portland, além de galerias e centros culturais em São Paulo, Rio de Janeiro, Paris e Nova York. Também integrou programas de residência em instituições como MASS MoCA, Art OMI, Bogliasco Foundation e Château Mercier, além de ter atuado como artista visitante na Tyler School of Art e no Maine College of Art.

Serviço

ArtWall – Shopping Leblon

Exposição: O dragão e a lua, de Sandra Lapage

Período: 06 de junho a 09 de agosto
Local: ArtWall – Shopping Leblon
Endereço: Av. Afrânio de Melo Franco, 290 – Leblon – Rio de Janeiro

Entrada: Gratuita

Horário de funcionamento: Segunda a sábado, das 10h às 22h | Domingo, das 13h às 21h

O Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro abriu ao público uma nova edição da mostra “Mestras do Macabro – As Cineastas do Horror ao Redor do Mundo”, iniciativa que coloca em evidência a produção feminina no cinema de terror, reunindo obras de diferentes países, épocas e estilos.

A programação, que segue até meados de maio, apresenta um panorama abrangente do gênero sob a perspectiva de diretoras, com curadoria da pesquisadora Beatriz Saldanha. Ao todo, a mostra reúne dezenas de produções, incluindo longas e atividades paralelas, ampliando o debate sobre o papel das mulheres em um segmento historicamente dominado por homens.

Com entrada gratuita, o evento vai além das exibições e inclui debates, encontros com cineastas e sessões comentadas. A proposta é não apenas exibir filmes, mas também estimular reflexões sobre temas recorrentes no horror, como o corpo feminino, a violência, o misticismo e as construções sociais em torno da figura da mulher.

A curadoria organiza os títulos em eixos temáticos, permitindo ao público explorar diferentes abordagens do macabro e suas representações ao longo do tempo. A seleção contempla tanto obras clássicas quanto produções contemporâneas, evidenciando a evolução estética e narrativa do gênero.

Outro destaque da mostra é a valorização da presença feminina em diversas etapas da produção audiovisual. Além de diretoras, o evento também ressalta a atuação de mulheres em áreas como roteiro, montagem, fotografia e efeitos especiais, ampliando o olhar sobre a participação feminina no cinema.

A iniciativa reforça o compromisso do CCBB com a difusão cultural e o acesso democrático ao cinema, oferecendo ao público uma oportunidade de contato com produções pouco exibidas no circuito comercial.

Ao reunir obras de diferentes nacionalidades e contextos, a mostra contribui para ampliar a visibilidade de cineastas e para consolidar o cinema de horror como um espaço de experimentação estética e reflexão social, agora cada vez mais marcado pela diversidade de vozes.

Moda, espetáculo e identidade cultural

A proposta da exposição é reposicionar o Carnaval como um dos maiores centros criativos da moda brasileira. Com uma trajetória de cinco décadas, Henrique Filho apresenta ao público sua primeira grande mostra, reunindo peças que marcaram época nos desfiles das escolas de samba.

O estilista construiu sua carreira criando figurinos para personagens centrais do espetáculo carnavalesco, como rainhas de bateria, mestre-sala e porta-bandeira. Ao longo dos anos, suas criações vestiram nomes como Sabrina Sato, Xuxa, Anitta, Giovanna Lancellotti e Adriane Galisteu.

Exposição reúne peças icônicas e imagens monumentais

A mostra apresenta 50 looks completos, entre figurinos e adereços de cabeça, além de 17 fotografias em grande formato assinadas por Priscila Prade. Instaladas em uma área de 750 metros quadrados, as obras ocupam o espaço do evento com uma abordagem que mistura moda, arte e cenografia.

A curadoria de Gringo Cardia reforça a ideia de que os barracões das escolas de samba funcionam como verdadeiros ateliês de alta costura, onde diferentes linguagens artísticas se encontram para dar origem a produções sofisticadas.

Bastidores ganham protagonismo

Um dos destaques da exposição é a valorização do processo criativo. Durante o evento, cerca de 15 bordadeiras do ateliê de Henrique Filho realizam bordados ao vivo, permitindo que o público acompanhe de perto o nível de detalhamento e o trabalho artesanal por trás de cada peça.

Essa abordagem revela o tempo, a técnica e a complexidade envolvidos na produção dos figurinos, frequentemente vistos apenas durante os desfiles, mas raramente explorados em profundidade.

Carnaval como alta costura brasileira

A iniciativa também levanta um debate sobre o reconhecimento do Carnaval como expressão legítima da alta costura nacional. Ao trazer essas criações para dentro do Rio Fashion Week, a exposição amplia a visibilidade de um segmento que combina moda, escultura, performance e design.

Nesse contexto, os barracões são apresentados como centros criativos completos, comparáveis a grandes escolas de arte, onde a produção coletiva resulta em peças que poderiam ocupar passarelas e museus ao redor do mundo.

Serviço

Exposição “A Alta Costura do Carnaval”

Local: Rio Fashion Week (Hub)
Data: 15 à 18 de abril
Local: Píer Mauá
Endereço: Av. Rodrigues Alves, 10 – Praça Mauá
Horário do Hub: 14h às 23h

Ingressos: www.eventim.com.br/artist/riofw

Site do evento: www.riofw.com.br

A obra fotográfica de Edo gira em torno do sublime na natureza, retratado por meio de representações etéreas das florestas do norte do estado de Nova York – local onde o argentino mora atualmente. A série, captada entre 2013 e 2025, reflete sobre o ato de medir a própria existência dentro do fluxo sempre em transformação do tempo. Suas caminhadas diárias pelas paisagens serenas de Katonah–Bedford Hills tornam-se um portal para revelar o extraordinário no ordinário, para perceber o invisível e para moldar a partir dele imagens novas e instigantes.

Inspirada nesses percursos e em pesquisas sobre la floresta y plantas sagradas, a exposição contará com 20 fotografias em grande formato, uma instalação intitulada Opium Whispers em homenagem a Jean Cocteau, e a projeção em uma das paredes principais de Last Survivors, um filme de 30 minutos em um único canal, filmado no mesmo período.

Last Survivors é uma meditação celebratória sobre a resiliência da natureza e o despertar da humanidade. Filmado na solidão da pandemia e revelado cinco anos depois, o filme se apresenta tanto como tributo quanto como profecia, um lembrete urgente de que, enquanto a humanidade pode enfrentar dificuldades, a natureza persiste. Narrado pela atriz islandesa Hera Hilmar, com roteiro de Costantini e Martín Hadis — especialista em Jorge Luis Borges e literatura nórdica —, o filme conta uma história de perda, sobrevivência e transcendência. A trilha sonora evocativa, composta pelo próprio Costantini com sua banda The Orpheists, permeia a narrativa, criando uma atmosfera de luto e esperança.

Em diálogo com as fotografias, o coletivo de artistas formado por Delfina Braun, Edo Costantini e Delfina Muniz Barreto apresentará novas esculturas em bronze que habitam silenciosamente as galerias do museu. Combinando suas disciplinas — escultura, som e instalação —, o trio explora formas e ritmos da natureza, celebrando a beleza das flores e outros elementos vivos, ao mesmo tempo em que reflete sobre a relação entre dor e cura. “Cada um de nós contribuiu com seu conhecimento, e exploramos juntos diferentes dimensões, tempos e espaços”, afirmam.

As obras mais recentes exploram o que está além da visão, as forças ocultas essenciais para o nosso próprio ser. Duas esferas evocam a mágica silenciosa do micélio, a rede invisível através da qual o mundo natural se conecta e se restaura. Dessa teia subterrânea emergem duas esculturas em escalas diferentes, inspiradas pelo raro e fascinante cogumelo conhecido como “véu-de-noiva”. Conhecido por sua beleza exótica e há muito valorizado por suas propriedades medicinais e restauradoras, aqui ele se transforma tanto em forma natural quanto em metáfora de resiliência e renovação.

Além disso, como parte da exposição, será publicado um catálogo de capa dura revestido em tecido, com uma fotografia central na capa. Com 110 páginas, apresenta reproduções integrais das obras em exibição, acompanhadas de textos de Nicolas Martin Ferreira, Paulo Herkenhoff e Barbara Golubicki, oferecendo múltiplas perspectivas sobre a exploração de uma década de Costantini acerca da natureza, da luz e da conexão humana com o meio ambiente.

Sobre o artista

Eduardo Francisco Costantini (Edo) nasceu em Buenos Aires, em 1976, e atualmente vive em Nova York. Fotógrafo, cineasta, compositor e fundador do coletivo artístico KOLAPSE, Edo tem trabalhos exibidos em galerias e feiras internacionais como arteBA, Praxis Gallery (NY), Mario Cohen Fine Art Gallery (SP) e Silvia Cintra + Box 4 (RJ). Foi produtor de filmes premiados, como Tropa de Elite (Urso de Ouro em 2008).

Sobre as colaboradoras

Delfina Braun é uma artista argentina radicada em Nova York, com pesquisa voltada para a relação entre natureza, cura e psique humana.

Delfina Muniz Barreto é arquiteta e artista argentina, com trabalhos em escultura, instalação e design, explorando formas orgânicas e memórias ligadas à natureza.

Serviço

Exposição ATRAVÉS DO VÉU VERDE (THROUGH THE GREEN VEIL)

Edo Costantini

Local: Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC Niterói)
Data: 6 de setembro a 23 de novembro de 2025 – Terça à domingo
Horário: 10h à 18h (entrada ate 17h30)

Informações sobre ingressos no site oficial do MAC: Link

Aberta ao público até 13 de março, com entrada gratuita, a mostra reúne 26 obras em óleo sobre tela que retratam o Brasil a partir de um olhar estrangeiro profundamente afetado pela literatura e pela arte nacional. Pescadores, canaviais, carnaval, religiosidade, culinária e música popular surgem nas telas como celebração da identidade brasileira.

Natural de Monselice, na província de Pádua, Ferri estudou na Academia de Belas Artes de Veneza e inicialmente se inspirava em mestres como Paul Gauguin e Vincent van Gogh. A virada estética ocorreu nos anos 1990, após mergulhar na obra de Jorge Amado. O encontro com Carybé, em Salvador, também foi decisivo. Desde 1999 vivendo entre Itália e Brasil, o artista afirma que foi aqui que consolidou sua linguagem pictórica.

Para a diretora de Cultura da Alerj, Fernanda Figueiredo, a exposição abre o calendário do centenário do Palácio Tiradentes, celebrado em 6 de maio. A proposta é ampliar o acesso da população ao prédio histórico e à diversidade cultural brasileira.

A visitação ocorre de segunda a sexta-feira, das 10h às 17h, na Rua Primeiro de Março, s/nº. O acesso para cadeirantes é pela Rua Dom Manuel.

Data: 06.12, 10h30 às 17h30

Pina Contemporânea | Evento gratuito

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, convida para um final de semana de comemoração gratuita no edifício Pina Contemporânea. A programação conta com oficinas, visita guiada com Ana Maria Maia e Yuri Quevedo pelo Parque Jardim da Luz, que recebe novas esculturas em sua coleção, além do lançamento de um livro sobre os 120 anos do museu, produzido em parceria com a editora Act Arte.

A festa terá apresentação da Mocidade Unida da Mooca, às 16h, na praça do edifício Pina Contemporânea, em diálogo com a exposição recém-inaugurada na Grande Galeria, Trabalho de Carnaval. As comidas e bebidas da festa ficam por conta da Cozinha Ocupação 9 de Julho e La Cholita. No sábado, a entrada é gratuita.

O Pina em Festa é patrocinado pela Equinor. Confira a programação completa:

Cidade Invertida e Experimenta!

A programação começa com atividades voltadas a famílias, crianças e jovens. O projeto Cidade Invertida apresenta a Tenda Lúdica, uma grande câmera escura que permite vivenciar a formação da imagem de forma sensorial, e o trailer “Paisagem Invertida”, adaptado como câmera obscura gigante e laboratório fotográfico, onde o público poderá vivenciar processos de revelação analógica.

Em paralelo, o Experimenta! convida o público para uma oficina de atividades plásticas e educativas no ateliê da Pinacoteca, promovendo um ambiente de criação, convivência e brincadeira entre gerações.

Horários: 10h30 às 12h30 | 13h30 às 15h30

Abertura Jardim de Esculturas da Pinacoteca de São Paulo: Novas Obras e uma História em Processo

Na reinauguração do jardim de esculturas, o projeto — que há 24 anos promove encontros transformadores entre o público e o acervo escultórico do museu no Parque da Luz — ganha novas obras e uma configuração que reflete debates contemporâneos sobre representatividade, diversidade e descolonização. A curadoria amplia a presença de artistas mulheres e insere pela primeira vez no conjunto obras de Denilson Baniwa, Jorge dos Anjos e Nádia Taquary, cuja inclusão reforça a relevância de vozes negras e indígenas na escultura brasileira. A Stella Artois é patrocinadora da reinauguração.

Coreto do Jardim da Luz, ao lado do restaurante – 11h

Apresentação Grupo de Estudos 120 anos

O grupo de estudos “À Luz de 120 anos: o nascimento de uma metrópole, a Pinacoteca e seu patrimônio cultural” reuniu dez pesquisadores durante o ano de 2025, cada qual empenhado em uma investigação relativa ao museu e sua história. Nesse encontro, o grupo compartilhará resultados de pesquisa na forma de uma publicação digital. O grupo de estudos ocorreu ao longo do ano em encontros presenciais e on-line, oferecendo novas perspectivas sobre patrimônio, território e a constituição institucional do museu.

Sala Multiuso da Pina Contemporânea – 13h

Lançamento do livro Pinacoteca de São Paulo: 120 anos e conversa com Ana Maria Maia e Jochen Volz

A publicação, produzida pela editora Act Arte e organizada pelo diretor Jochen Volz e a curadora chefe Ana Maria Maia, apresenta a trajetória da Pinacoteca como museu vivo, comprometido com a educação, a diversidade e a transformação social por meio da arte. Reunindo ensaios que abordam sua história sob diversas perspectivas, o livro destaca o acervo como patrimônio público e celebra importantes parcerias e doações. A Caixa Seguridade é patrocinadora master do livro.

Auditório Pina Luz – 14h30

Bateria Mocidade Unida da Mooca

A Escola de Samba Mocidade Unida da Mooca realiza uma apresentação especial no museu em diálogo com a exposição Trabalho de Carnaval, em cartaz na Grande Galeria da Pina Contemporânea. Na ocasião, o público poderá conhecer os protótipos das fantasias do Carnaval de 2026, criadas em parceria com a artista Rosana Paulino para o enredo Géledés: Agbara Obirin, desenvolvido por Renan Ribeiro e Thayssa Menezes. A ação evidencia a força das mulheres negras na história e na cultura brasileira, celebrando a arte popular como campo de criação, resistência e afirmação identitária. Esses valores estão em sintonia com o compromisso da Pinacoteca em promover múltiplas vozes e narrativas na arte contemporânea.

Praça Pina Contemporânea – 16h

Programação

10h30 às 15h30 | Ateliês do Experimenta! e Cidade Invertida
11h00 | Abertura do Jardim das Esculturas da Pinacoteca: Novas obras e uma história em processo com visita guiada com os curadores Ana Maria Maia e Yuri Quevedo
13h00 | Apresentação Grupo de Estudos 120 anos
14h | Visita mediada em Libras sobre a história do edifício Pina Luz
14h30 | Lançamento do Livro de 120 anos e conversa com Ana Maria Maia e Jochen Volz
16h00 | Apresentação Mocidade Unida da Mooca

SOBRE A PINACOTECA DE SÃO PAULO

A Pinacoteca de São Paulo é um museu de artes visuais com ênfase na produção brasileira do século XIX até́ a contemporaneidade e em diálogo com as culturas do mundo. Museu de arte mais antigo da cidade, fundado em 1905 pelo Governo do Estado de São Paulo, vem realizando mostras de sua renomada coleção de arte brasileira e exposições temporárias de artistas nacionais e internacionais em seus três edifícios, a Pina Luz, a Pina Estação e a Pina Contemporânea. A Pinacoteca também elabora e apresenta projetos públicos multidisciplinares, além de abrigar um programa educativo abrangente e inclusivo. B3, a bolsa do Brasil, é Mantenedora da Pinacoteca de São Paulo.

Serviço

Pina em Festa

Período: 6 de dezembro
Curadoria: Clarissa Ximenes

Evento gratuito

Local: Edifício Pinacoteca Contemporânea e Parque Jardim da Luz

De quarta a segunda, das 10h às 18h (entrada até 17h)
Gratuitos aos sábados – R$ 30,00 (inteira) e R$ 15,00 (meia-entrada), ingresso único com acesso aos três edifícios – válido somente para o dia marcado no ingresso
2º Domingo do mês – gratuidade Mantenedora B3

Com mais de mil metros quadrados, a mostra foi cuidadosamente concebida para oferecer uma experiência profundamente imersiva e interativa na vida e obra de um dos maiores artistas de todos os tempos. A exibição conta com 15 salas temáticas que exploram os mistérios de obras icônicas como a “Criação de Adão” e a emoção da “Pietà”.

Entre os destaques, o público encontrará a Sala de Projeção da Pietà, uma experiência inovadora com projeções interativas e conteúdo audiovisual exclusivo que revela detalhes e emoções da obra-prima. Complementarmente, uma sala imersiva e exclusiva, dedicada aos afrescos da Capela Sistina, oferecerá uma perspectiva única e aprofundada, com projeções grandiosas que desvendam os segredos da criação e os profundos significados por trás de cada detalhe, incluindo a icônica “A Criação de Adão” no teto.

“Estamos trazendo para o Rio de Janeiro uma exposição que não apenas celebra a genialidade de Michelangelo, mas que redefine a forma como o público interage com a arte clássica. É a maior mostra imersiva do artista já realizada no Brasil, um marco que une tecnologia e história para proporcionar uma vivência inesquecível,” afirma Felipe Pinheiro, Produtor Executivo da Exposição.

MICHELANGELO – Michelangelo Buonarroti (1475-1564) nasceu em Caprese, na região da Toscana, Itália, e faleceu em Roma. Renomado por suas contribuições à escultura, pintura e arquitetura durante o Renascimento, suas obras mais famosas incluem a estátua de “David”, “Moisés”, “Pietà” e os afrescos da Capela Sistina, com destaque para “A Criação de Adão” e o “Juízo Final.” Como gostava de retratar o corpo humano em suas obras, também estudou anatomia e até dissecou cadáveres. Além de pintor e escultor, Michelangelo escrevia poemas. Foram mais de 300 ao longo da vida.  Seu acervo, que abrange diversas disciplinas artísticas, está distribuído em importantes museus pelo mundo, como a Galleria dell’Accademia em Florença e no Vaticano.

CAPELA SISTINA – Uma das principais obras de Michelangelo foi a pintura dos afrescos do teto da Capela Sistina, no Vaticano, entre 1508 e 1512, trabalho encomendado pelo Papa Júlio II. Antes de iniciar o que se tornaria um dos grandes projetos de sua vida, o artista se debruçou por pelo menos um ano em estudos. Michelangelo fez inúmeros esboços para retratar com a fidelidade da sua visão e imaginação figuras divinas e humanas. Na abóbada (teto curvilíneo) da Capela Sistina, pintou as passagens da Bíblia a partir de nove histórias de Gênesis sobre a criação do Universo e do homem. A pintura é considerada uma das grandes obras da humanidade, não apenas pela complexidade, mas pela mistura humana, cultural, política e religiosa da época a partir do olhar de um dos mais renomados artistas do Renascimento.

A exposição “Michelangelo: O Mestre da Capela Sistina” é apresentada pelo Ministério da Cultura, do Governo do Estado do Rio de Janeiro, da Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa, por meio da Lei Rouanet e da Lei Estadual de Incentivo à Cultura, pela bGO,  Deeplab e SulAmérica. Com correalização do MIS Experience, CULTSP e do Governo de São Paulo, por meio da Secretaria de Cultura, Economia e Indústria Criativas, a mostra tem patrocínio máster da TotalEnergies e Enel Brasil, patrocínio ouro da Brasilcap e da JCPM, por meio do Shopping RioMar Fortaleza, e conta com o patrocínio do Centro Cultural Correios e da Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Governo do Estado do Rio de Janeiro. A exposição possui apoio do UOL, OCCAM BRASIL e do Consulado Geral da Itália em São Paulo. Os direitos de imagem são da SEE e da Bridgeman Images.

Serviço

Michelangelo: O Mestre da Capela Sistina

Local: Centro Cultural Correios – R. Visc. de Itaboraí, 20 – Centro – Rio de Janeiro, RJ
Abertura ao Público: 28 de novembro de 2025
Funcionamento: Terça a Sábado, das 12h às 18h (última entrada às 18h, encerramento às 19h)
Ingressos: R$50 (inteira) / R$25 (meia-entrada)

Mais informações: www.michelangelocapelasistina.com.br

A exposição, com curadoria compartilhada entre instituições do Brasil, Estados Unidos, África do Sul, Senegal, Inglaterra e Bélgica, reúne cerca de 100 objetos, 250 imagens e dez filmes, divididos em seis seções. A visitação é gratuita e ficará aberta até 1º de março de 2026.

Segundo a historiadora e curadora Keila Grinberg, da Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (Unirio), o objetivo é mostrar que a escravidão não foi apenas um fenômeno histórico, mas um sistema cujas consequências permanecem. “A exposição é dura, mas o visitante sai empoderado ao perceber as diversas formas de resistência e luta contra o racismo”, afirma.

Entre as peças expostas estão objetos religiosos, instrumentos musicais — como um atabaque do Haiti — e documentos que revelam as conexões entre as resistências negras ao longo da história. A mostra também aborda temas contemporâneos, como reparação, justiça ambiental e violência policial.

Após a estreia em Washington (EUA), em 2024, o Brasil é o primeiro país a receber a mostra itinerante, que seguirá depois para Cidade do Cabo, Dacar e Liverpool. Para Keila, é simbólico que o Brasil seja o primeiro destino, já que o país recebeu cerca de 45% dos africanos escravizados no tráfico transatlântico.

Atividades paralelas

Em parceria com o Arquivo Nacional, será realizado o seminário “Para além da escravidão: memória, justiça e reparação”, nos dias 13 e 14 de dezembro, na Praça da República.

O Arquivo também abriga a mostra “Senhora Liberdade: mulheres desafiam a escravidão”, com documentos de dez mulheres escravizadas que acionaram a Justiça no século XIX em busca da liberdade. A visitação vai até 30 de abril de 2026, com entrada gratuita.

O Instituto Pretos Novos, por sua vez, apresenta “Conversas inacabadas”, parte da pesquisa da exposição principal, que reúne entrevistas sobre racismo e consciência racial. A visita será aberta entre 14 e 15 de dezembro.

Keila resume o propósito da mostra com uma reflexão: “Não dá para entender o Brasil sem entender a escravidão — e, tão importante quanto isso, é entender que ela acabou. Só assim o racismo também poderá acabar”.

Idealizado por Humberto Salgueiro, ex-aluno da PUCPR, o projeto foi criado em parceria com os músicos e irmãos Darlison e Lucas Meireles, descendentes do povo Mura que vivem no norte do Paraná. A realização é da produtora Click Arte Cultura e Educativos e do coletivo Puxirum — palavra que, na língua Mura, significa “mutirão” ou “trabalho coletivo”.

“A gente uniu esse intercâmbio cultural de trazer do norte do estado a história do povo Mura para Curitiba. É uma herança passada de geração em geração”, explica Salgueiro.

A mostra fica aberta ao público até 11 de novembro, com sessões diárias das 9h às 21h. As visitas devem ser agendadas no site oficial do evento, e a classificação é livre.

Floresta em 360º

O espaço convida o público a mergulhar na floresta por meio de projeções em 360º, iluminação interativa e até cheiros da mata, que completam a imersão. A cenografia reproduz o ciclo do dia na floresta — sons de pássaros e animais diurnos cedem lugar a grilos e criaturas noturnas conforme a luz muda do dia para a noite.

“A gente trouxe essa experiência sensorial de várias formas. As pessoas veem, ouvem e sentem o ambiente. É uma forma diferente de conhecer o Brasil e suas culturas originárias”, destaca Salgueiro.

Além da vivência sensorial, a exposição também aborda a chegada dos europeus à Amazônia e as transformações enfrentadas pelos Mura ao longo do tempo.

Os idealizadores planejam levar o projeto a outras cidades do Paraná e, futuramente, para diferentes regiões do país. “A tecnologia pode ser uma aliada poderosa na valorização das culturas indígenas. Uma experiência imersiva desperta curiosidade e respeito pelas nossas origens”, afirma o criador.

O povo Mura vive atualmente na região de Autazes, no Amazonas, às margens do Rio Madeira, e é reconhecido por sua profunda conexão com a natureza. A exposição busca não apenas preservar essa memória, mas também promover a educação ambiental e o respeito à diversidade cultural do Brasil.