Uma das comédias mais populares do teatro carioca nos últimos anos, “A Diretora é Uma Comédia” volta aos palcos com uma apresentação especial no próximo dia 12 de abril, em sessão única, às 19h30, no Teatro Brigitte Blair, em Copacabana.

O espetáculo é protagonizado por Diogo Bonfim, que interpreta a irreverente diretora Margareth Pinto — personagem que conquistou o público ao longo de mais de três anos em cartaz, sempre com sessões lotadas e forte identificação com profissionais da educação.

Humor que retrata o cotidiano escolar

Na trama, Margareth Pinto é uma diretora autoritária e excêntrica que tenta controlar todos os aspectos da vida dos professores dentro e fora da escola. Após retornar de férias, ela convoca uma reunião com o corpo docente para “colocar ordem” na instituição, dando início a uma sequência de situações cômicas que abordam o dia a dia escolar.

Com linguagem leve e bem-humorada, a peça retrata desde o comportamento dos alunos até os desafios enfrentados pelos professores, ao mesmo tempo em que levanta reflexões sobre a valorização da educação e dos profissionais da área.

Fenômeno que nasceu nas redes sociais

O projeto surgiu durante o período de isolamento social, quando Diogo Bonfim criou a “Live da Diretora” no Instagram. Ao longo de quase dois anos, foram centenas de transmissões que reuniram educadores de todo o país e consolidaram a personagem como um fenômeno digital.

Com a retomada das atividades presenciais em 2022, a ideia ganhou adaptação para o teatro, ampliando o alcance do projeto e conquistando ainda mais público.

Reconhecimento e presença de famosos

O sucesso da peça também atraiu diversas personalidades, que prestigiaram o espetáculo ao longo de sua trajetória. Entre elas estão Isadora Ribeiro, Babi Xavier, Robson Caetano, Marcos Oliveira, Nina de Pádua, Narjara Turetta e Adriane Galisteu.

Serviço

Espetáculo: “A Diretora é Uma Comédia”

Data: 12 de abril (domingo)
Horário: 19h30
Local: Teatro Brigitte Blair – Copacabana (próximo ao metrô Cantagalo)
Classificação: 14 anos
Gênero: Comédia

Os ingressos estão disponíveis para compra antecipada pela plataforma Sympla.

Com humor afiado e identificação imediata com o público, a montagem reafirma seu sucesso e retorna ao palco em uma apresentação única que promete repetir a receptividade conquistada ao longo dos últimos anos.

“Morte e Vida Severina”, obra-prima de João Cabral de Melo Neto encenada pela Companhia Ensaio Aberto, com direção de Luiz Fernando Lobo, músicas de Chico Buarque e direção musical de Itamar Assiere, fará temporada no Teatro Paulo Autran – Sesc Pinheiros, de 5 a 21 de dezembro de 2025, e depois de 8 a 18 de janeiro de 2026, com sessões de quinta a sábado, às 20h, e domingo, às 18h. No sábado 17/01, acontecem duas sessões: às 16h e às 20h.

Com o espetáculo, a Companhia Ensaio Aberto dá voz aos severinos filhos de tantas marias. Para o diretor Luiz Fernando Lobo, que montou esse espetáculo pela primeira vez há 20 anos, muita coisa mudou: “Nesses vinte anos que se passaram entre a primeira montagem e esta atual, saímos do Mapa da Fome e chegamos a ser a sexta economia do mundo. Ao mesmo tempo, as negras manchas demográficas da Geografia da Fome não estão mais localizadas apenas nos sertões do Nordeste, e sim dentro das grandes cidades, como Rio de Janeiro, São Paulo, Nova Iorque, Paris e Berlim”.

A peça não é mais um poema regional brasileiro, pois os que vivem e morrem de morte severina agora estão em todas as serras magras e ossudas do mundo. A sombra da fome se espalha pelo planeta impulsionada pela crescente desigualdade. Segundo a Oxfam, o 1% mais rico da população mundial possui agora 45% da riqueza global, 44% da humanidade vive com menos de 6,85 dólares (R$ 41,5) por dia, e as taxas de pobreza global praticamente não mudaram desde 1990. No encontro do G20 em 2024, o Presidente Lula lançou a Aliança Global contra a Fome e a Pobreza e disse: “O símbolo máximo na nossa tragédia coletiva é a fome e a pobreza. Convivemos com 733 milhões de pessoas ainda subnutridas. Em um mundo que produz quase 6 bilhões de toneladas de alimentos por ano, isso é inadmissível”.

Morte e Vida Severina, da Companhia Ensaio Aberto, estreou no Castelo São Jorge, em Lisboa. Em cena estão 4 músicos, 25 atores, sendo Gilberto Miranda o Severino desde a versão em Portugal. Com cenário de J.C. Serroni, iluminação de Cesar de Ramires, figurinos de Beth Filipecki e Renaldo Machado, a peça recebeu, em 2022, três indicações ao Prêmio Shell de Teatro – sendo premiada na categoria Música; seis indicações ao Prêmio APTR de Teatro – sendo premiada na categoria Iluminação, além de outros prêmios e indicações.

Sobre a Companhia Ensaio Aberto

A Companhia Ensaio Aberto é um coletivo teatral que surgiu no Rio de Janeiro, em 1992, com o propósito de retomar o teatro épico no Brasil. Premiada, com carreira internacional, a Ensaio Aberto têm alta produtividade e uma forma de organização coletivizada. O núcleo artístico fixo tem no Teatro dos Trabalhadores um estudo prático e teórico permanente e, além dos espetáculos, atuam em seis laboratórios artísticos e técnicos: cenografia, figurino, objetos de cena, iluminação, corpo e memória. Os últimos trabalhos foram: Olga, dramaturgia de Luiz Fernando Lobo; O Banquete, de Mário de Andrade; A Classe Trabalhadora Brasileira, dramaturgia de Luiz Fernando Lobo e A Exceção e A Regra, de Bertolt Brecht.

Sobre o Armazém da Utopia
Desde 2010, o Armazém da Utopia, na Zona Portuário do Rio, é a casa da Companhia Ensaio Aberto e um porto aberto para receber os coletivos irmãos do Brasil, da América Latina, da África e de todos os lugares do mundo. Durante 14 anos, a Companhia Ensaio Aberto lutou para conquistar esse espaço que tem como proposta promover pesquisas e linguagens sobre o teatro épico. O Armazém da Utopia é um espaço de construção de cidadania onde os homens e mulheres adquirem fôlego e estabeleçam novos laços; um porto que, em vez de nos amarrar à terra, ajuda a navegar e a recobrar as forças para sobreviver, e até vicejar, em meio ao turbilhão. Em 2024, a Companhia, por meio de editais e patrocínios, conseguiu realizar uma ampla reforma do espaço, que agora conta com o Teatro Vianinha, a Sala Sérgio Britto, laboratórios artísticos e técnicos, sala de ensaio e sala de estudo. Toda a obra foi viabilizada com recursos da Lei de Incentivo Federal – Lei Rouanet.

Serviço

“Morte e Vida Severina”  – Companhia Ensaio Aberto

Datas: 5 a 21 de dezembro de 2025 e 8 a 18 de janeiro de 2026

No sábado 17/01 acontecem duas sessões: às 16h e às 20h.
Nos dias 18, 19, 20 e 21/12 e 15, 16, 17 e 18/01 haverá tradução em LIBRAS

Local: Sesc Pinheiros – Teatro Paulo Autran

Ingressos: R$ 21,00 (credencial plena), R$ 35,00 (meia) e R$ 70,00 (inteira) – Venda online pelo aplicativo Credencial Sesc SP ou pelo site Link (a partir de 25/11) e presencial (a partir de 26/11) em todas as bilheterias da rede Sesc SP.

Duração: 90 minutos
Classificação Etária Indicativa: 12 anos

Sesc Pinheiros

Rua Paes Leme, 195, Pinheiros – São Paulo (SP)
Horário de funcionamento: Terça a sexta: 10h às 22h. Sábados: 10h às 21h. Domingos e feriados: 10h às 18h30

Estacionamento com manobrista

Como Chegar de Transporte Público: 350m a pé da Estação Faria Lima (metrô | linha amarela), 350m a pé da Estação Pinheiros (CPTM | Linha Esmeralda) e do Terminal Municipal Pinheiros (ônibus).
Acessibilidade: A unidade possui rampas de acesso e elevadores, além de banheiros e vestiários adaptados para pessoas com mobilidade reduzida. Também conta com espaços reservados para cadeirantes.

Site: www.ensaioaberto.com

Instagram
companhiaensaioaberto
www.instagram/armazemdautopia

Fundado em 1988 por Vavá Botelho, o grupo já se apresentou em mais de 30 países e 300 cidades, mas ainda enfrenta obstáculos para ganhar visibilidade no Brasil. “São 37 anos de quase invisibilidade em nosso país, apesar do reconhecimento internacional”, destacou o diretor.

A nova montagem, que mistura coreografias inéditas com repertório clássico, expõe os desafios cotidianos de manter viva uma companhia de dança folclórica em meio à falta de patrocínios e ao preconceito ainda presente contra a cultura popular.

Após a estreia no Rio, o BFB segue em temporada por Campinas, São Paulo, Franca, Florianópolis, Goiânia, Porto Alegre e Novo Hamburgo. A turnê é realizada com apoio da Lei Rouanet e patrocínio do Will Bank.

Com direção artística de Zebrinha desde 1993, o grupo se mantém fiel à missão de formar novos artistas e preservar as culturas afro-brasileira e nordestina. “Nosso trabalho é mostrar que esses jovens não são cidadãos de segunda classe, mas artistas capazes de ocupar qualquer palco do mundo”, afirmou.

O espetáculo, que estará em cartaz entre os dias 15 e 31 de agosto, no Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto, tem dramaturgia assinada por Geovana, Elisa Lucinda e Denise Stutz. A montagem é uma realização da Companhia da Outra, com produção da Paragogi Cultural.

Perigosas Damas conta com o patrocínio da Prefeitura do Rio de Janeiro, por meio da Secretaria Municipal de Cultura e é fruto de uma pesquisa intensa, inclusive dentro de penitenciárias onde a idealizadora realizou projetos sociais como sócia da  Casa Poema junto com Elisa Lucinda, e contou com o reforço criativo da direção de Denise Stutz e Soraya Ravenle como diretora musical.

No palco, Geovana aborda o sexismo, opressão e sobretudo a liberdade por meio de vivências femininas reais do passado, mas que se assemelham com a realidade atual de muitas mulheres.

“Ao longo da história da civilização humana foram criadas leis e mecanismos de contenção para que, independentemente da cor e da classe social, as mulheres fossem encarceradas em manicômios, conventos e sistemas prisionais por serem sexualizadas, lésbicas, extrovertidas, inteligentes, terem repulsa sexual ao marido, praticarem a cartomancia, prostituição, etc.”, analisa Geovana.

Ela aponta ainda que o espetáculo lança mão da  narrativa  poética para ajudar a contar essas histórias. Ainda segundo Geovana, na Casa Poema, instituição criada em 2008 por ela e Elisa Lucinda,  que há décadas trabalha em diversas camadas sociais usando a poesia como ferramenta de ensino, são ministradas aulas para vários setores da sociedade como quilombos,, pessoas em medida socioeducativa,,  população de rua e população trans.

“Esse espetáculo é fruto da experiência, minha e de Elisa Lucinda, de quase duas décadas trabalhando com toda essa diversidade. A poesia entrou na peça se encaixando com a minha história na Casa Poema, onde trabalhamos com as mulheres privadas de liberdade através da poesia falada. O processo de ensaio foi muito intenso pois não estamos falando só delas . Eu também me vi nelas.  E assim, fomos construindo a dramaturgia durante os ensaios.  E foi lindo por ter sido uma junção de várias mulheres com vivências diferentes”, conta Geovana.

Ao resgatar essas vidas femininas, Geovana apresenta também versões em rap de alguns poemas de Elisa Lucinda, que foram musicados por Soraya Ravenle, que evidenciam o quanto a liberdade feminina frustrava o Estado na tentativa da limpeza moral e racial a que o Brasil foi submetido.

Com uma equipe feminina em sua maioria, a peça tem como propósito uma narrativa vista sob a perspectiva das mulheres ao dar vida à personagens reais, resgatando histórias respaldadas em ampla pesquisa, que contribuem para a compreensão sobre o feminismo nos tempos atuais. “Tem sido um encontro do olhar feminino que desconstrói o autoritarismo e vai para um lugar de liberdade. Por isso eu não queria ser dirigida por um homem, mas sim por uma mulher. Pelo olhar de compreensão e acolhimento”, analisa.

Para o projeto, Geovana convidou Denise Stutz que assume a direção e afirma ter sido desafiador trazer para a linguagem teatral histórias tão trágicas de uma forma que aproximasse a plateia independente do gênero.

“Pensarmos juntas e juntos em uma nova maneira de viver em uma sociedade mais igualitária. Tentamos inventar uma narrativa poética com o auxílio do rap junto com o funk trazendo a periferia, que é de onde começa a história da Geovana. A tese é uma escrita que defende e afirma suas certezas, por isso o meu desafio foi ‘desafirmar’ para perguntar, sem que tenhamos certeza de nenhuma resposta”, afirma a diretora.

Ao lado de Denise está a atriz e cantora Soraya Ravenle assinando como diretora assistente e musical, que reconhece a liberdade abordada pela peça dentro do processo criativo do projeto.

“É libertador você se abrir para ouvir o outro. Uma coisa que me fascina muito é o trabalho de um coletivo no teatro. Eu imagino que quando um homem senta para assistir a um espetáculo sobre o universo feminino também estamos falando sobre o masculino. No texto fica bem nítido o patriarcado em que a gente vive. Não é sobre criticar apenas, mas sobre criar um novo olhar”, aponta Soraya.

A dramaturgia teatral conta com as poesias de Elisa Lucinda que é dirigida por Geovana nos espetáculos ‘Parem de falar mal da Rotina’ – sucesso de público há 20 anos –  e ‘A paixão segundo Adélia Prado’. “Eu acho que a humanidade não se deu conta ainda no processo de escravização que o feminino sofreu.”, declara Elisa.

“Eu estou envolvida no espetáculo antes mesmo da sua concepção, pois eu participo do livro da Thaís com alguns poemas meus, além do prefácio. Eu acho que a humanidade não se deu conta ainda no processo de escravização que o feminino sofreu. São inúmeras camadas de prisões femininas que vão desde limitações psicológicas, sexuais, autopunição, infelicidades em benefício ao homem, abuso da mão de obra da mãe dentro de uma casa, etc. Na verdade, esse espetáculo é um manifesto de antifeminicídio”, acrescenta Elisa.

A direção de produção fica a cargo de Rafael Lydio, da Paragogí Cultural, que é uma produtora que “compreende a cultura como uma potente ferramenta de transformação social, inclusão e fortalecimento da diversidade racial, de gênero, religiosa e cultural”, pontua.

O propósito da Paragogi é criar experiências que representem, respeitem e potencializem diferentes corpos, vozes e histórias, trabalhando para que a cultura seja um espaço de empatia, equidade e escuta ativa.

Ainda segundo Rafael, a transformação acontece quando todas as pessoas se veem, se reconhecem e se sentem parte do processo. “Com uma atuação comprometida com a justiça social, buscamos construir pontes entre comunidades, instituições e territórios, promovendo encontros que gerem pertencimento e novas possibilidades”, finaliza o produtor.

Sinopse

‘Perigosas Damas’ exalta a liberdade ao resgatar histórias do início do sistema prisional feminino no Brasil, que principia em meados do século XX, quando mulheres eram encarceradas em manicômios, conventos e sistemas prisionais por serem sexualizadas, lésbicas, extrovertidas, inteligentes, terem repulsa sexual ao marido, praticarem a cartomancia, prostituição, etc. Neste solo, baseado no livro ‘Histórias de um silêncio eloquente’ de Thaís Dumêt, Geovana Pires reveza interpretações de vivências reais com versões em rap de poemas de Elisa Lucinda que abrem portas para a reflexão sobre a igualdade de gênero.

Sobre a Cia da Outra

A Companhia da Outra foi criada em 2007 pelas atrizes e dramaturgas Elisa Lucinda e Geovana Pires e desenvolve um pensamento cênico fruto da larga experiência que esta companhia teatral tem de explorar a força dramatúrgica das obras poéticas. Sua investigação caminha por uma linguagem baseada na premissa de que do conteúdo é que brotam as formas e as escolhas estéticas. A Companhia assina os espetáculos, Parem de Falar Mal da Rotina, A fúria da Beleza, A Natureza do Olhar, A Paixão Segundo Adélia Prado, Perigosas Damas, sem contar os shows musicais e poéticos por todo o Brasil e fora dele.

Serviço

Data: 15 a 31 de agosto – Sexta e sábado
Horário: Sábado 20h e Domingo às 19h
Local: Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto
Endereço: Rua Humaitá, 163 – Humaitá, Rio de Janeiro
Classificação: 14 anos
Duração: 60 minutos

Ingressos: R$ 40 (inteira), R$ 20 (meia-entrada)
Vendas: https://bit.ly/ingressos_perigosasdamas

Instagram: https://www.instagram.com/perigosasdamas

O evento transdisciplinar promove o diálogo entre música, dança, teatro, performance, artes visuais e literatura, incentivando a experimentação artística e a quebra de fronteiras entre linguagens. Todas as atividades do festival são gratuitase abertas ao público, reforçando o direito universal à cultura e garantindo o acesso de pessoas de diferentes territórios sociais e econômicos.

O festival investe ainda na formação e capacitação de artistas, especialmente por meio da Residência Artística”Masculinidades Negras e Indígenas”, com chamada pública, estimulando a criação de uma obra inédita que será apresentada no último dia do Festival. Visando o fortalecimento de trajetórias artísticas periféricas.

O projeto ainda conta com uma bolsa para residência e cachê para participação nas chamadas públicas como os Pocket-Shows, Mostra Artística e Exposição. A curadoria é integralmente feminina sendo composta por Nana Rosas, Carol Nóbrega, Thais Ayomide e Vitória Pedro.

Nesta segunda edição do Festival Artes em Rede serão  selecionados artistas e coletivos com trabalhos e pesquisas que elaborem a fricção entre corpo e território, compreendendo pessoas e cidades como campos de invenção e permanência. No Festival não é abordado apenas pele ou paisagem, mas marcas, rastros, sentidos e urgências que atravessam os corpos e os lugares.

“Pensamos o corpo como encruzilhada – de histórias, afetos, resistências e saberes em espiral. Um corpo que dança, denúncia, escapa, constrói mundos. Um corpo coletivo, insurgente, forjado em becos, palafitas, quebradas, lajes e quilombos urbanos”, afirma Vitoria Pedro, uma das idealizadoras do Festival.

“A seleção de artistas é feita via chamada pública com critérios afirmativos, garantindo espaço a artistas periféricos, negros, indígenas, LGBTQIAPN+ e pessoas com deficiência. Desta forma, buscamos dar visibilidade a trabalhos de grupos historicamente marginalizados e com pouca representatividade”, completa Luis Silva, também idealizador do projeto.

A equipe do projeto é formada majoritariamente por artistas periféricos, reafirmando o protagonismo desses sujeitos não apenas como participantes, mas como idealizadores, curadores e gestores da cultura. “O projeto considera a sustentabilidade social e culturalem seus processos e visa deixar um legado, através da documentação audiovisual, formação de redes de artistas e compartilhamento público dos resultados e processos”, pontua Luis Silva

Histórico

A primeira edição do Festival Artes em Rede foi realizada em 2019, com apoio do edital da Decult – UFRJ – voltado ao incentivo de eventos estudantis. Desde sua origem, o festival foi movido pela urgência de criar espaços seguros, criativos e politicamente comprometidos com a produção artística de corpos dissidentes – artistas negros, periféricos, LGBTQIA+, egressos das margens da cidade e das instituições. Ao todo, mais de 1.000 pessoas participaram da primeira edição

“O Festival nasce da urgência de reconhecer, valorizar e potencializar os territórios periféricos como espaços legítimos de criação, pensamento e circulação cultural. Nesta edição, o festival se consolida como uma plataforma transdisciplinar que articula diferentes linguagens artísticas a partir da perspectiva da cultura periférica, expandindo narrativas, estéticas e formas de pertencimento”, finaliza Vitoria Pedro

Sobre os idealizadores

Vitória Pedro é curadora, produtora cultural, arte-educadora e pesquisadora com mais de uma década de experiência dedicada às interseções entre arte, corpo, território e tecnologia. Mestranda em Artes da Cena pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), é bacharel em Teoria da Dança (UFRJ) e técnica em Dança formada pela Rede FAETEC.

Vitória desenvolve investigações que tensionam as fronteiras entre dança, performance, teatro e artes visuais, a partir de uma perspectiva crítica sobre o corpo enquanto tecnologia sensível e ferramenta de insurgência. Fundadora da Lab Corpo Produções, criou e liderou projetos como Lab Corpinho, Xodó, Outras Mulheres, Redes em Movimento, Corpo, Imaginação e Oralidade, Artes em Rede e Extravio. Este último responsável por viabilizar um intercâmbio artístico no prestigiado Festival MOMIX, na França.

Luis Silva é bacharel e licenciado em Dança pela UFRJ, Mestre em Estudos Contemporâneos das Artes pelo PPGCA/UFF e Doutorando em Artes da Cena pelo PPGAC/UFRJ. Fundador do Coletivo Urbano da UFRJ e da Coletivando Cia de Dança. É professor da Faculdade Angel Vianna, Diretor artístico e coordenador do Coletivo NUDAFRO e pesquisador no Grupo de Pesquisa Ancestralidades em Rede – GrupAR/CNPQ. Tem experiência multidisciplinar em dança, música e fotografia, com foco em linguagens afrourbanas como Hip Hop e Passinho.

Serviços

Festival Arte em Rede

12 de julho a 03 de agosto

Exposição Artística (Galeria Túnel), dentro do horário de
funcionamento do parque;

15 de julho a 03 de agosto

Residência artística (Parte externa – Palco terraço) terças e quintas 13h às 17h;

03 de agosto

Oficina Funk e passinho (Parte externa – Terraço – 13h as 16h
Batalha de Rima (Parte externa -Terraço – 16h00 às 18h00)
Espetáculo Residência (Parte externa – Terraço – 18h às 20h)

Todas as atividades serão realizadas no Parque Glória Maria – Rua Murtinho Nobre, 169 – Santa Teresa – RJ

Filho do rei do baião Luiz Gonzaga, Gonzaguinha se destacou como uma das vozes mais contundentes da canção brasileira. Com uma carreira marcada por composições de forte conteúdo social, político e afetivo, suas músicas embalam gerações com letras que falam de amor, resistência, inconformismo e esperança. Obras como “O que é, o que é”, “Explode Coração”, “Grito de Alerta” e “Sangrando” tornaram-se hinos de um Brasil que busca justiça, liberdade e afeto em meio às contradições sociais.

Reconhecido nacionalmente por sua versatilidade como ator e músico, Alexandre Nero se une à orquestra para interpretar algumas das canções mais emblemáticas de Gonzaguinha. Com sua forte presença cênica e vocal, o artista amplia a potência dramática do espetáculo.

O concerto trará um repertório inteiramente dedicado a Gonzaguinha, em arranjos sinfônicos que prometem emocionar. A seleção das obras valoriza tanto o lirismo quanto a força combativa das canções do artista, revelando a atualidade de sua obra sob a perspectiva de uma juventude feminina engajada e talentosa. A direção musical propõe uma leitura sensível e vigorosa das composições, numa noite em que a música popular se encontra com a música de concerto para emocionar o público.

“Celebrar Gonzaguinha com uma orquestra formada só por meninas, no palco mais simbólico da música de concerto brasileira, é um gesto para honrar esse grande artista. É dizer que a potência das nossas meninas também explode corações com afeto, luta e beleza. É sobre pertencimento, voz, lugar. É sobre reescrevermos quem está no centro da cena”, afirma Moana Martins, diretora-executiva do projeto.

A Orquestra Sinfônica Juvenil Chiquinha Gonzaga, assim como o concerto, conta com o patrocínio da Petrogal Brasil, Joint Venture Galp/Sinopec e da Zurich Santander, ambos por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura, além do apoio do Theatro Municipal do Rio de Janeiro e Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Rio.

Sobre a Orquestra Sinfônica Juvenil Chiquinha Gonzaga

Criada em 2021 com o objetivo de ampliar a representatividade de meninas na música orquestral, a OSJ Chiquinha Gonzaga é uma formação exclusivamente feminina. Sob a regência de Priscila Bomfim, primeira maestra a reger uma ópera no Theatro Municipal, a orquestra leva o nome da primeira maestra do Brasil, simbolizando uma herança de luta, liberdade e protagonismo feminino. O grupo já se apresentou em palcos renomados no Brasil e na Europa, dividindo a cena com artistas como Elba Ramalho, Toni Garrido, Maria Gadú, Mônica Salmaso, entre outros.

Sobre Santander e Cultura

O Santander é um reconhecido apoiador e difusor da Cultura em todos os países em que atua. No Brasil, não é diferente, o Banco acredita, investe e promove o acesso às mais distintas manifestações culturais e a democratização da cultura para a sociedade.

Além de patrocinar e promover parcerias com instituições e iniciativas culturais, como Museu do Amanhã (RJ), Festival de Música em Trancoso (BA) e a restauração do Mural Batalha dos Guararapes (PE) e do Museu do Ipiranga (SP), o Santander mantém seus próprios empreendimentos, como os Faróis Santander Porto Alegre e São Paulo, além do Teatro Santander e 033 Rooftop, na capital paulista.

Sobre Zurich Santander

A Zurich Santander é uma joint venture entre os Grupos Zurich e Santander, dois dos maiores conglomerados do mundo nos setores segurador e financeiro, com mais de 12 anos de atuação no Brasil, Argentina, Chile, México e Uruguai, além da sede na Espanha. Com o propósito de “inovar diariamente para que as pessoas e seus projetos estejam protegidos e o setor seja cada vez mais humano, ético e sustentável”, a companhia conta com mais de 8 milhões de clientes e distribui seus produtos de seguros e previdência através da rede de distribuição do Banco Santander.

Programa

Eu Apenas Queria – Gonzaguinha | Arranjo: Vinicius Louzada
Nunca Pare de Sonhar – Gonzaguinha | Arranjo: Mateus Araújo
Espere por mim Morena – Gonzaguinha | Arranjo: Mateus Araújo
Recado – Gonzaguinha | Arranjo: Vinicius Louzada
Começaria Tudo Outra Vez – Gonzaguinha | Arranjo: Mateus Araújo
E Vamos à Luta – Gonzaguinha | Arranjo: Vinicius Louzada
Grito de Alerta – Gonzaguinha | Arranjo: Vinicius Louzada
Explode Coração – Gonzaguinha | Arranjo: Dico

Participação Especial: Alexandre Nero

Lindo Lago do Amor – Gonzaguinha | Arranjo: Vinicius Louzada
Um Homem Também Chora – Gonzaguinha | Arranjo: Vinicius Louzada
Sangrando – Gonzaguinha | Arranjo: Dico
Nosso Amor – Gonzaguinha | Arranjo: Dico
O que é, O que é – Gonzaguinha | Arranjo: Mateus Araújo

SERVIÇO

Concerto “Explode Coração” — Orquestra Sinfônica Juvenil Chiquinha Gonzaga
Data: 9 de junho de 2025 (segunda-feira)
Horário: 19h
Local: Theatro Municipal do Rio de Janeiro — Praça Floriano, s/nº – Centro
Ingressos: R$ 20
Participação especial: Alexandre Nero
Classificação etária: Livre
Regência: Priscila Bomfim
Patrocínio: Petrogal Brasil, Joint Venture Galp/Sinopec e Zurich Santander por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura

Redes sociais

Orquestra Sinfônica Juvenil Chiquinha Gonzaga

www.instagram.com/osjchiquinha

www.youtube.com/@osjchiquinha

A trama gira em torno de uma onda inexplicável de ataques de animais contra humanos, provocando reflexões profundas sobre o caos, a natureza instintiva do ser humano e os limites da civilização. Ao lado da atriz Marina Caldas, Paulo conduz o público por uma narrativa tensa e simbólica, marcada pela crítica social.

A direção de produção é assinada por Bruna Mercês, Lucy Simões e o próprio autor. Marina Caldas e Lucy Simões também assinam os figurinos, enquanto Eliza de Oliveira responde pela operação de luz e som. O cenário é fruto de uma parceria entre Caldas e Simões, com objetos de cena criados por Paulo Romero e o diretor. A fotografia é de Bruna Mercês.

Com 50 minutos de duração e classificação indicativa de 14 anos, o espetáculo reforça o compromisso de Simões com o teatro autoral e reflexivo.

Serviço

Espetáculo: Vinte Animais Entraram no Trem

Texto e Direção: Paulo Bond Simões
Elenco: Paulo Bond Simões e Marina Caldas
Local: Teatro Candido Mendes – Rua Joana Angélica, 63 – Ipanema, RJ
Datas: 04, 11, 18 e 25 de junho (quartas)
Horário: 20h
Duração: 50 minutos
Classificação: 14 anos

Inspirado em obra psicografada por Chico Xavier, Claudio Torres Gonzaga lembra a luta de Inês e de Pedro para estarem juntos em meio a uma teia de intrigas, ódio e conflitos de interesses. Na peça, a paixão vence. Narrada pela própria Inês, após a sua morte, a narrativa acompanha a dama galega no plano espiritual e sua tentativa de acalmar o coração do amado com o apoio de Santa Isabel, avó de Pedro. O objetivo das duas é reconciliar pai e filho e devolver a paz a Portugal. Ao tornar-se Rei, Pedro realiza o mais impressionante cortejo já visto, com o traslado do corpo de sua amada entre Coimbra e Alcobaça, culminando na coroação de Inês, a Rainha Morta.

“Agora Inês é Morta” é conduzida pela atriz e diretora brasiliense Adriana Nunes, integrante da Cia de Comédia Os Melhores do Mundo e com atuações de destaque no teatro, cinema e televisão. Para compor o elenco, estão André Deca, ator desde o início dos anos 90, com passagens em novelas da TV Globo e premiado como melhor ator nos Festivais de cinema em Gramado e Brasília, e Rosanna Viegas, atriz premiada que se destaca pela versatilidade, seja no teatro, cinema ou televisão.

“O espetáculo agrada os que vão assistir pelo interesse nos fatos históricos e por quem se emociona com o lado espiritual. A história é contada pela Inês, que transita pelo plano espiritual e material, contando e vivendo em cena a própria história, contracenando com os personagens que permearam sua vida. Tudo com toques de leveza e humor como a própria vida é”, descreve a diretora Adriana Nunes.

A criação do espetáculo teve como base uma pesquisa de campo realizada por Fernando Bueno, Adriana Nunes, Marcello Linhos e Ricardo Junqueira nas cidades portuguesas do Porto, Coimbra, Alcobaça e Lisboa. A dramaturgia também foi construída a partir de registros históricos e inspirada em obras como a “Cantata à Morte de Inês de Castro”, do português Manuel Maria Barbosa du Bocage, os versos de Camões, o melodrama de Victor Hugo e as palavras da própria Inês de Castro, psicografadas no livro “Mensagens de Inês de Castro”, de Chico Xavier e Caio Ramacciotti.

“Ganhei o livro de presente do meu irmão e li de uma vez só. A história me pegou e eu comecei a pesquisá-la. Fiz uma pesquisa de campo nos lugares em que Inês viveu. Em Portugal, vi a história sob várias facetas. Montada no teatro, como série de TV, livros, exposições. Eles se orgulham da mais linda e trágica história de amor de todos os tempos. Mas ter em mãos uma versão nunca vista, trazida pelas mãos de Chico Xavier através da psicografia de Inês de Castro, é simplesmente incrível. Convidei o Cláudio Torres Gonzaga que mergulhou na história e escreveu o texto. Quando eu vi estava inserida em uma pesquisa que durou 10 anos até a montagem”, completa Adriana.

Serviço

Agora Inês é Morta

Temporada: de 10 de abril a 29 de maio de 2025
Teatro dos 4: Shopping da Gávea – Rua Marquês de São Vicente, 52 – 2° Andar – Gávea.
Telefone: (21) 2239-1095
Dias e horários: quintas-feiras, às 20h.
Ingressos: R$ 100 (inteira) e R$ 50 (meia-entrada)
Duração: 1h
Lotação: 402 lugares
Classificação: 12 anos

Venda de ingressos: https://bileto.sympla.com.br/event/103153/d/303189/s/2067263?

Instagram: @agorainesemorta

Funcionamento da bilheteria: diariamente, das 14h às 20h. Em dias de espetáculos, a bilheteria permanece aberta até o início da apresentação.
Autoatendimento: a bilheteria do Teatro dos 4 possui um totem de autoatendimento para compras de ingressos.

A montagem carioca, que estreou em 2023, retorna com um elenco expandido e uma abordagem ainda mais inovadora. Para Patfudyda, diretora artística do projeto, “ATRAQUE” olha para a cultura Ballroom para além do vogue, enxergando as coreografias encarnadas no cotidiano de uma comunidade. “Incorporamos poses e gestos radicais para projetar cenas que questionam o imaginário do que poderia ser uma peça Ballroom. Esse espetáculo não pretende responder ou dar conta de toda a imensidão de uma cultura criada por corpos urgentes, mas ser uma das possíveis criações de mundos”, ela ressalta.

“ATRAQUE” torna-se um terreno fértil de experimentação e transgressão. Através de movimentos únicos e pessoais, a peça revela a beleza da individualidade e da criatividade humana. Segundo a performer Gabe Mamba Negra, essa troca é o que mantém o espetáculo vivo: “Após tantas apresentações, ‘Atraque’ tornou-se um grande jogo em cena. Através das nossas conexões, criamos experiências novas a cada dia, tornando o trabalho vivo e mutável. Acredito que as relações entre nós também se tornaram mais íntimas, o que faz com que o espetáculo fique mais orgânico e intenso para o público.”

Potência e autenticidade reverberam em cada apresentação, criando uma conexão única com a plateia. Para a produtora musical e DJ do espetáculo Bida Saro, o envolvimento com o público é construído a partir da tensão e da curiosidade geradas em cena: “A obra é naturalmente convidativa pela forma como provoca e instiga. As trocas no palco chamam atenção e a surpresa tem sido um dos elementos-chave da performance. O público não sabe o que esperar, e é nesse momento que conseguimos despertar aquela inquietação de querer saber mais, de descobrir até onde vai esse ‘atraque’. Quase como um desejo secreto vindo à tona”, destaca. A performer Kali Mamba Negra completa dizendo que “‘Atraque’ é um trabalho hipnotizante. Você gostando ou não, tem algo que te mantém fixado no que está acontecendo em cena. Algo entre o belo e o absurdo.”

A cultura Ballroom é um espaço de expressão, onde as pessoas participantes competem em categorias de dança, moda e performance, como o voguing. Mais do que competições, essa cultura oferece um senso de pertencimento e família para aqueles que estão à margem da sociedade, reforçando suas estruturas de apoio social. Para a performer Leona Mamba Negra, o espetáculo só nasce do encontro de diversas potências artísticas que se enxergam nesse espaço. “Para quem vive essa realidade, são signos conhecidos em outros contextos. Para quem não conhece, são signos novos, outras propostas de mundo. É muito enriquecedor saber que pessoas que se identificam com o que a gente faz, e com quem a gente é, se vêem de alguma forma na performance. Sendo assim, o espetáculo é um manifesto, um chamado para quem se permitir.”

Para Shade Arruda, que está no elenco do espetáculo desde o início, “ATRAQUE” foi uma virada em sua trajetória como artista. “Três anos depois desde que entrei para a house e começamos a falar sobre o projeto, essa peça já ocupa um lugar tão grandioso, tendo visitado muitos lugares. Acredito que esse projeto foi minha porta de entrada, me fazendo entender que eu posso sim viver de arte e que meu corpo é potente demais”, reflete Shade.

“ATRAQUE” torna-se um espaço onde corpos dissidentes reivindicam o direito de existir, criar e ocupar o mundo da sua própria forma. A performer Laxxota conclui que essa experiência mudou perspectivas. “Para mim, o desejo de estar no palco cercada por pessoas que amo transformou minha visão sobre arte e meus próprios processos criativos. No fim, a melhor defesa é o Atraque.”

Os bastidores do espetáculo são retratados no mini documentário “ATRAQUE – House of Mamba Negra”, lançado recentemente no YouTube. O filme também traz cenas das apresentações e depoimentos sinceros dos integrantes do coletivo, revelando os desafios, conquistas e o impacto da cultura Ballroom em suas trajetórias.

“ATRAQUE” é apresentado pelo Governo Federal, Ministério da Cultura, Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro e Secretaria Municipal de Cultura.

Serviço

Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto

Data: 25, 26 e 27 de Abril de 2025
Endereço: Rua Visconde de Silva s/n – Rua Humaitá
Horário: 20h (sexta e sábado), 19h (domingo)
Ingressos: R$30 (inteira), R$15 (meia)

Ficha Técnica
Realização: House of Mamba Negra
Direção geral: Wallace Ferreira / Patfudyda
Produção executiva: Mario Netto / Germanetto
Direção de movimentol: Allenkr Soares
Performance: Idra Maria, Kali, Leona Mamba Negra, Gabe Arnaudin, Laxxota e Shade Arruda
Design e operação de som: Bida Sarô
Figurino: Idra Maria, Kali e Germanetto
Adereços: Azre Maria Tarântula Mamba Negra
Violinista: Gabe Arnaudin
Hairstyle: Shade Arruda
Identidade Visual: Renan Graccowvisk
Iluminadora: Dafne Rufino
Produção e Formação de plateia: Nana Rosas
Assistente de produção: Isadora Maria
Parceria: Quafá Produções

Anne Carrere chega ao Brasil em maio de 2025.  Considerada a maior intérprete de Édith Piaf,  a cantora francesa volta à América Latina com novo espetáculo que une os eternos sucessos de Piaf com uma “Homenagem aos 100 anos de Charles Aznavour”, o maior cantor francês, grande amigo e parceiro de Piaf.

No Brasil, Anne Carrere se apresentará em 29 de maio no Auditório Araújo Vianna em Porto Alegre (RS);  30 de maio, no Teatro Positivo, em Curitiba; 31 de maio, no Palácio das Artes em Belo Horizonte (MG); 1 de junho, em São Paulo (SP), no Espaço Unimed; dias 7 e 8 de junho, no Theatro Municipal no Rio de Janeiro.

A abertura de vendas para os shows da turnê de Anne Carrere no Brasil, iniciam dia 13 de fevereiro (quinta-feira), ao meio-dia.

Em cena, Carrere será acompanhada por quatro maestros, em um espetáculo que percorre a história de vida de Piaf desde os anos 30 quando, sem dinheiro, cantava nas ruas e nos bares de Paris para sobreviver, tempo da “La Mome” (La Vie En Rose),  até 1961, quando se apresentou no palco do Olympia, em um dos mais memoráveis concertos de sua vida. Um mergulho, na vida de Édith Piaf, trazendo ao público durante 90 minutos uma experiência de tirar o fôlego. Os arranjos ficam a cargo de Guy Giuliano.

O show terá uma grande homenagem a Charles Aznavour. Carrere interpretará sucessos do cantor do século, como La Bohème, Jezebel – em duo com Piaf -, Je m’voyais déjà / Formidable e Les Deux Guitares. Simplesmente emocionante.

A primeira vez que Anne Carrere esteve na América Latina foi em 2015, para comemorar o centenário de nascimento de Édith Piaf, interpretando a carreira de Piaf através de suas grandes canções, que fazem parte do patrimônio musical mundial.

“A intenção do show não é simplesmente cantar ou trazer ao palco, mais uma vez, a canção de Piaf, mas sim colocar o tom na música e seguir em direção à sensibilidade para alcançar o íntimo e apresentar a mulher por trás da artista”, diz Anne Carrere.

Mais informações: www.poladian.com.br

Críticas Internacionais

“Só houve uma e nunca haverá outra Édith Piaf, insubstituível e única, mas a voz de Anne é sua melhor representação em 50 anos!” – Germaine Ricord, cantora e amiga de Édith Piaf

“Anne Carrere pode milagrosamente capturar a alma de Piaf e habilmente reviver seu espírito…” – The New York Times

“A voz e a personalidade de Anne Carrere nos remetem a Édith Piaf no topo de sua carreira” – Bernard Marchois, Presidente do Comitê PIAF e diretor do Museu Piaf de Paris

 “Anne Carrere é a voz de Piaf no século XXI” – El Diario, Mexico

Anne Carrere

Nascida em Toulon, sul de França, em 15 de agosto de 1985, Anne Carrere começou cedo nas artes, já cantando com apenas 3 anos, em família. Na autobiografia, escreveu: “Apaixonada pela música, passei a minha infância a aprender dança clássica, jazz, piano, solfejo, flauta transversal, teatro, comédia musical e CANTO” – assim mesmo, em maiúsculas.

Foi isso que a levou a diversos palcos e programas de televisão, aprendendo jazz vocal com Michel Pettruciani, sendo apresentada por Michel Fugain no seu programa “Attention Mesdames et Messieurs” e conhecendo a cantora Germaine Ricord, que nos anos 1960 fizera primeiras partes dos concertos de Piaf e acabou por ser decisiva no seu caminho artístico posterior.

Mas, Piaf chegou ainda mais cedo. “Ela entrou na minha vida quando eu tinha 3 anos”, diz Carrere. “Não imaginava que um dia iria fazer Piaf, nem que iria desempenhar esse papel num musical tão importante. A minha avó ouvia Piaf em casa e foi com ela que conheci as suas maiores canções, embora ainda não as entendesse naquela idade”.

“O que mais me dá prazer nesse espetáculo é poder interpretar as canções de Édith Piaf, bem como a oportunidade de cantar como quero. Porque eu não sou Édith Piaf, nem posso cantar como ela. Canto com a minha alma, com o meu corpo, com o que me dá a minha voz, as minhas emoções e sentimentos. É por isso que gosto do espetáculo. É sobre Piaf, mas não é uma imitação, o que correria o risco de parecer uma caricatura”.

A importância de Piaf, segundo Anne Carrere, não se perderá com o tempo. “Ela teve um grande sucesso na sua época, porque representava verdadeiramente uma história de vida, com vários infortúnios, e muita gente a conhecia não apenas pela sua música, mas também por esses episódios que viveu. Mas, Piaf atravessou o século e as suas canções tornaram-se intemporais, as letras são histórias que nos contam as coisas da vida, as emoções, e as melodias fazem já parte da vida das pessoas. Quando falamos de Piaf, falamos da sua vida, sobretudo, e naturalmente da sua carreira”.

Em 2014, Carrere passou no teste para ser escalada em musicais, começando pelo que celebrava os 100 anos de Édith Pìaf, com apresentações agendadas ao redor do mundo – em países como o Brasil, a Grécia, a Polônia e os Estados Unidos.

Anne Carrere, é desde então, a intérprete de Édith Piaf mais ouvida nos últimos tempos.

Serviços

PIAF por ANNE CARRERE – “Non, je ne regrette rien” Com Tributo a Charles Aznavour”

Dia 29/5/2025 – PORTO ALEGRE – TEATRO ARAUJO VIANNA

Horário show: 21h00
Abertura da casa : 19h30
Ingressos:  Ingresso solidário (mediante entrega de 1kg de alimento não perecível) de R$ 170,00 a R$ 340,00
Ticketeira: https://www.sympla.com.br/

Dia 30/5/2025 – CURITIBA – TEATRO POSITIVO

Horário do show: 21h00
Abertura da casa: 20h00
Ingressos : de R$ 160,00 a R$ 420,00
Ticketeira: https://www.diskingressos.com.br/

Dia 31/5/2025 – BELO HORIZONTE –  PALÁCIO DAS ARTES – GRANDE TEATRO CEMIG

Horário do show: 21h00
Abertura da casa: 20h00
Ingressos : de R$ 180,00 a R$ 440,00
Ticketeira: https://www.eventim.com.br/

Dia 1/6/2025 – SÃO PAULO –  ESPAÇO UNIMED

Horário do show: 20h00
Abertura da casa: 18h00
Ingressos : de R$ 110,00 a R$ 440,00
Ticketeira: https://www.ticket360.com.br/

Dia 7 e 8/6/2025 – RIO DE JANEIRO – THEATRO MUNICIPAL DO RIO DE JANEIRO

Dia 7 –  Horário do show: 20h00
Abertura da casa: 19h00

Dia 8 – Horário do show: 19h00
Abertura da casa: 18h00
Ingressos : de R$ 100,00 a R$ 460,00
Ticketeira: https://www.ticket360.com.br/