Os teatros Riachuelo Rio e TotalEnergies – Sala Adolpho Bloch apresentam uma programação para todos os gostos no feriadão de Corpus Christi (4 de junho), reunindo duas atrações de grande relevância no cenário cultural carioca. Os tradicionais espaços recebem espetáculos que prometem movimentar a cidade e atrair públicos diversos.

O grande destaque da programação é “Espelho Mágico – TV Globo 60 Anos – O Musical”, em cartaz no Teatro Riachuelo Rio.  E completando o roteiro, a montagem “O Deus da Carnificina” entra em sua última semana em cartaz no Teatro TotalEnergies – Sala Adolpho Bloch.

Sobre os espetáculos

Espelho Mágico – TV Globo 60 anos – O Musical

É impossível falar da vida brasileira nos últimos 60 anos sem mencionar a TV Globo e todos os seus programas, personagens e transmissões que fizeram história e entraram nas casas e na memória afetiva da imensa maioria da população do país.

Fundada em 1965, a emissora festejou as seis décadas com uma intensa comemoração que será encerrada com a estreia de ‘Espelho Mágico’, musical que celebra esta trajetória de imenso sucesso em uma superprodução com 32 atores em cena, texto e direção de Gustavo Gasparani, direção musical de Wladimir Pinheiro e produção da Aventura, de Aniela Jordan e Luiz Calainho.

O Deus da Carnificina

Sucesso da premiada autora francesa Yasmina Reza, “O Deus da Carnificina” vai ganhar os palcos cariocas sob o olhar de Rodrigo Portella, em nova montagem que reúne no elenco Ângelo Paes Leme, Karine Teles, Thelmo Fernandes e Anna Sophia Folch. O espetáculo acontece no Teatro TotalEnergies – Sala Adolpho Bloch até 07 de junho.

A peça acompanha o encontro de dois casais que tentam resolver civilizadamente uma briga entre seus filhos. Em poucas horas, a cordialidade se desfaz e revela o que sempre esteve ali: violência, egoísmo e infantilidade. A obra ganhou uma célebre adaptação para o cinema no filme Carnage, dirigido por Roman Polanski e estrelado por Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz e John C. Reilly.

PROGRAMAÇÃO

O Deus da Carnificina
 Até 07 de junho

Quinta, sexta e sábado: 20h
Domingo: 17h

Vendas: https://www.ingresso.com/evento/deus-da-carnificina/sessoes

Espelho Mágico – TV Globo 60 anos – O Musical

Até 26 de julho

Quinta e sexta- feira, às 20h
Sábado, às 16h e 20h
Domingo, às 15h

Vendas: https://www.ingresso.com/evento

Teatro Total Energies –  Adolpho Bloch – Rua do Russel 804 – Glória
Teatro Riachuelo Rio – Rua do passeio 38/40 – Centro

Como seria o mundo se, de repente, as crianças deixassem de habitá-lo? É a partir dessa provocação que surge o espetáculo infantojuvenil “Quem tem medo de crianças?” está em cartaz no Teatro Domingos de Oliveira, no Planetário da Gávea, até este domingo (31). As últimas apresentações acontecem neste sábado e domingo, às 11h, com sessão extra no domingo, às 15h. Ingressos a R$60 (inteira) e R$30 (meia).

Com dramaturgia de Ana Luiza França, vencedora do Prêmio CBTIJ 2023 de Texto Original, a peça propõe uma reflexão poética, crítica e bem-humorada sobre o impacto da infância na vida coletiva, atravessando dimensões como trabalho, ciência, imaginação e relações sociais.

A montagem acompanha Lili, uma mulher que não suporta a presença de crianças. Sua rotina é marcada por evitar qualquer contato com esse universo, até que, inesperadamente, acorda em um mundo onde elas simplesmente desapareceram. Enquanto os adultos seguem suas vidas sem perceber o vazio, Lili é a única consciente da ausência. Aos poucos, o mundo perde suas cores e ela se vê diante de uma realidade muito diferente da que idealizou, e de um mistério inevitável: afinal, para onde foi a infância?

A ideia do espetáculo nasceu da inquietação da autora diante do crescimento de espaços “childfree”, ambientes que restringem ou rejeitam a presença de crianças. “Isso me causou um incômodo, porque evidencia uma dificuldade em lidar com a diferença e um aprofundamento do individualismo. Quis levar esse desejo ao extremo: e se fosse possível, então, um mundo sem crianças?”, provoca.

Inspirada pela poesia, especialmente pela obra de Manoel de Barros, a autora busca valorizar aquilo que o mundo adulto costuma considerar “desimportante”. “As crianças sabem reinventar sentidos para o que descartamos. Conforme crescemos, somos engolidos pelas responsabilidades, pelos boletos e pela pressa. Muitas vezes, isso nos afasta do encantamento. As crianças nos lembram da esperança; elas trazem perguntas, risos, energia e também o caos, e, com isso, a possibilidade constante do novo”, reflete.

Com direção de Breno Sanches, indicado ao Prêmio Zilka Salaberry 2018, o espetáculo reafirma a importância do lúdico, da curiosidade e da imaginação. No elenco, nomes de destaque do teatro: além da própria Ana Luiza França, estão Juliano Antunes, Marcio Nascimento e Tathi Loyola. A nova temporada conta ainda com desenho de luz assinado por Ana Luzia Molinari de Simoni, premiada com o Prêmio Shell, reforçando a potência estética da encenação e contribuindo para a construção sensível do universo da peça.

“Desejo que possamos ampliar nossa abertura ao que é diferente de nós e valorizar as trocas entre gerações, tão essenciais para a vida em sociedade. Que a infância não seja esquecida quando crescemos, e que, enquanto crianças, possamos viver essa fase com toda a intensidade que ela merece”, conclui a autora.

SINOPSE

Crianças trazem movimento, com perguntas curiosas, gargalhadas, choros, energia e uma constante demanda por atenção. Elas carregam o novo e, muitas vezes, o caos. Mas Lili não tolera nada disso. Evita qualquer contato: parques, praias, escolas, elevadores. Até que um dia acorda e seu maior desejo se realizou: não existem mais crianças no mundo. Agora, só restam adultos, e um vazio que ninguém parece perceber.

SERVIÇO

Local: Teatro Domingos de Oliveira – Planetário da Gávea
Endereço: Avenida Padre Leonel Franca, 240 – Gávea, Rio de Janeiro
Temporada: 9 a 31 de maio (aos sábados e domingos)
Horários: Sábado, às 11h; domingo, às 11h e sessão extra às 15h
Ingressos: R$ 60 (inteira) / R$ 30 (meia)

O último texto escrito por Domingos Oliveira e ainda inédito nos palcos ganhará sua primeira montagem teatral a partir do dia 28 de maio, no Teatro de Arena do Sesc Copacabana. Intitulado “Ultimatum”, o espetáculo tem direção de Marcio Meirelles e permanecerá em cartaz até 21 de junho, com apresentações de quinta a domingo.

A peça marca a estreia de Marcio Meirelles dirigindo um texto de Domingos Oliveira, cineasta, dramaturgo e diretor que construiu uma das trajetórias mais importantes do teatro e do cinema brasileiro. O projeto foi selecionado pelo Edital de Cultura Sesc RJ Pulsar.

Misturando ensaio teatral, lembranças pessoais e elementos de ficção televisiva, “Ultimatum” acompanha um grupo de atores e criadores que tenta desenvolver uma peça em meio a dificuldades financeiras, inseguranças e crises existenciais. A narrativa aposta em uma estrutura fragmentada e metalinguística, explorando os limites entre personagem e ator, realidade e imaginação.

No centro da trama está Eugênio, dramaturgo que conduz o processo criativo enquanto lida com diferentes versões de si mesmo. Ao longo do espetáculo, surgem histórias marcadas por desejo, memórias, ciúmes, paixões e delírios, em uma construção que aproxima arte e vida.

Segundo Marcio Meirelles, o contato com o texto aconteceu durante seu último encontro presencial com Domingos Oliveira. O diretor contou que recebeu autorização do dramaturgo para levar a obra ao palco após participar de uma leitura inédita do material.

“Quando tive contato com o texto, em meu último encontro presencial com Domingos, fiquei fascinado com sua complexidade e poesia, um texto com uma estrutura caótica, de fragmentos, de retalhos. Ao fim da leitura, pedi uma cópia do texto e disse a Domingos que queria montar. Ele me disse ‘Faça!’”, afirmou o diretor.

Meirelles também destacou o caráter experimental e vivo da dramaturgia deixada por Domingos Oliveira. Segundo ele, o autor trabalhou em pelo menos 12 versões diferentes do texto antes de sua morte, em 2019.

“O espetáculo é como uma boneca russa – um dramaturgo cria o espetáculo, onde existe um grupo de teatro que está trabalhando o processo de escrita de uma peça que, por sua vez, é sobre um núcleo de roteiristas elaborando um, dois, três seriados para TV. Este texto traz muitas imagens de Domingos, de suas ideias, peças, filmes…”, declarou Marcio.

O elenco reúne Adassa Martins, Ciro Sales, Guilherme Magon, Jojo Rodrigues, Lucio Tranchesi, Orlando Caldeira e Valéria Monã.

A montagem também incorpora elementos audiovisuais produzidos a partir das leituras realizadas por Domingos Oliveira antes de sua morte. O material inclui depoimentos e participações de artistas como Caio Blat, Clarice Niskier e Maitê Proença, que compartilham memórias sobre a convivência e a obra do dramaturgo.

A trilha sonora original é assinada por João Milet Meirelles. A equipe criativa conta ainda com a cenografia de Mina Quental, iluminação de Paulo Cesar Medeiros, colaboração artística de Priscilla Rozembaum e assistência de direção de Gunnar Borges.

“Montar algo inédito é um privilégio, e ainda que Domingos já tivesse levado essa obra à cena, esta seria diferente. Por mais que me identifique com a peça e com Domingos, somos dois artistas diferentes”, afirmou Marcio Meirelles.

A temporada de “Ultimatum” acontece entre os dias 28 de maio e 21 de junho de 2026, no Sesc Copacabana, em apresentações às quintas e sextas, às 20h, e aos sábados e domingos, às 18h. Nos dias 13 e 19 de junho não haverá sessões por causa dos jogos do Brasil na Copa do Mundo. Já nos dias 6 e 20 de junho haverá sessões extras às 20h.

Serviço

“Ultimatum”

Temporada: 28 de maio a 21 de junho de 2026
Horário: Quintas e sextas-feiras, às 20h. Sábados e domingos, às 18h*
*Nos dias 13 e 19 de junho não haverá apresentação em virtude dos jogos do Brasil na Copa do Mundo. Assim, nos dias 06 e 20 de junho haverá sessão extra às 20h

Local: Arena do Sesc Copacabana
Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160 – Copacabana – Rio de Janeiro

Ingressos: R$ 30 (inteira); R$ 15 (meia entrada para casos previstos por lei, estendida a professores e classe artística mediante apresentação de registro profissional, convênio e programa Mesa Brasil); R$27 (conveniados), R$21 (credencial plena Sesc); Gratuito (público PCG).
Bilheteria – Horário de funcionamento: Terça a sexta-feira – das 9h às 20h; Sábados, domingos e feriados – das 13h às 19h
Informações: (21) 3180-5226

Classificação Indicativa: 14 anos
Duração: 90 minutos
Instagram: @ultimatum.teatro

Concebido e interpretado por Marcella Dale, o solo propõe uma imersão na linguagem da dança contemporânea e da dramaturgia física, explorando o corpo como um campo de resistência e expressão diante do silêncio. A obra investiga limites entre contenção e ruptura, transformando a ausência de fala em elemento central da narrativa.

A construção cênica de “Grito Mudo” parte de um processo pessoal da artista, que utiliza o próprio corpo como instrumento de memória e comunicação. No espetáculo, o silêncio deixa de ser apenas ausência sonora e passa a atuar como matéria expressiva, traduzida por meio de gestos, tensões e pausas cuidadosamente elaboradas.

Com poucos elementos em cena — incluindo uma cadeira de madeira e um desenho de luz assinado por Francisco Hashiguchi — a montagem aposta no minimalismo para criar uma atmosfera densa e introspectiva. A proposta valoriza a economia de movimentos, buscando intensidade emocional a partir da sutileza.

A dramaturgia também dialoga com referências literárias, como o poema “A infanticida Marie Farrar”, de Bertolt Brecht, além de textos autorais da própria artista, que ajudam a compor a estrutura sensível da obra.

O espetáculo conta com supervisão artística de Toni Rodrigues, responsável por aprofundar a relação entre corpo e espaço, e trilha sonora original de Vinícius Mousinho, que contribui para ampliar a imersão sensorial do público.

Produzido pela SpaçoSala Produções, fundada em 2023, o projeto integra uma linha de pesquisa voltada à dança contemporânea e à investigação de novas formas de dramaturgia corporal na cena cultural do Rio de Janeiro.

Segundo Marcella Dale, o retorno do espetáculo reflete um processo de transformação pessoal e artística. A nova temporada incorpora mudanças na escuta e na presença cênica, reforçando a busca por traduzir emoções e experiências que nem sempre encontram espaço na linguagem verbal.

Além das apresentações, o projeto propõe uma extensão reflexiva por meio de encontros com o público. Nas sessões dos dias 7, 14 e 20 de maio, estão previstos debates com a participação da psicóloga Juliana Cerqueira, abordando os aspectos emocionais e físicos suscitados pela obra.

A iniciativa amplia o alcance do espetáculo ao promover diálogo entre arte e saúde mental, convidando o público a refletir sobre os impactos subjetivos da experiência artística.

Serviço

“Grito Mudo” – solo de dança contemporânea com Marcella Dale

Datas: 6, 7, 13, 14, 20 e 21 de maio

Horário: 19h
Local: Espaço Rogério Cardoso (Casa de Cultura Laura Alvim) – Av. Vieira Souto, 176 – Ipanema, Rio de Janeiro
Ingressos: R$60 (inteira) e R$30 (meia-entrada)

Link para compra
Classificação: 16 anos
Duração: 40 minutos
Rede social: @spacosala_de_criacao / @marcelladale

Uma das comédias mais populares do teatro carioca nos últimos anos, “A Diretora é Uma Comédia” volta aos palcos com uma apresentação especial no próximo dia 12 de abril, em sessão única, às 19h30, no Teatro Brigitte Blair, em Copacabana.

O espetáculo é protagonizado por Diogo Bonfim, que interpreta a irreverente diretora Margareth Pinto — personagem que conquistou o público ao longo de mais de três anos em cartaz, sempre com sessões lotadas e forte identificação com profissionais da educação.

Humor que retrata o cotidiano escolar

Na trama, Margareth Pinto é uma diretora autoritária e excêntrica que tenta controlar todos os aspectos da vida dos professores dentro e fora da escola. Após retornar de férias, ela convoca uma reunião com o corpo docente para “colocar ordem” na instituição, dando início a uma sequência de situações cômicas que abordam o dia a dia escolar.

Com linguagem leve e bem-humorada, a peça retrata desde o comportamento dos alunos até os desafios enfrentados pelos professores, ao mesmo tempo em que levanta reflexões sobre a valorização da educação e dos profissionais da área.

Fenômeno que nasceu nas redes sociais

O projeto surgiu durante o período de isolamento social, quando Diogo Bonfim criou a “Live da Diretora” no Instagram. Ao longo de quase dois anos, foram centenas de transmissões que reuniram educadores de todo o país e consolidaram a personagem como um fenômeno digital.

Com a retomada das atividades presenciais em 2022, a ideia ganhou adaptação para o teatro, ampliando o alcance do projeto e conquistando ainda mais público.

Reconhecimento e presença de famosos

O sucesso da peça também atraiu diversas personalidades, que prestigiaram o espetáculo ao longo de sua trajetória. Entre elas estão Isadora Ribeiro, Babi Xavier, Robson Caetano, Marcos Oliveira, Nina de Pádua, Narjara Turetta e Adriane Galisteu.

Serviço

Espetáculo: “A Diretora é Uma Comédia”

Data: 12 de abril (domingo)
Horário: 19h30
Local: Teatro Brigitte Blair – Copacabana (próximo ao metrô Cantagalo)
Classificação: 14 anos
Gênero: Comédia

Os ingressos estão disponíveis para compra antecipada pela plataforma Sympla.

Com humor afiado e identificação imediata com o público, a montagem reafirma seu sucesso e retorna ao palco em uma apresentação única que promete repetir a receptividade conquistada ao longo dos últimos anos.

Após temporadas bem-sucedidas no Rio de Janeiro e em São Paulo, o espetáculo “CHOQUE! Procurando Sinais de Vida Inteligente” volta à capital fluminense para uma nova temporada a partir de 10 de abril, no Teatro PRIO. A montagem é conduzida em formato de solo pela atriz Danielle Winits, sob direção de Gerald Thomas.

A peça apresenta uma abordagem crítica e bem-humorada sobre as contradições da sociedade contemporânea, discutindo temas como comportamento humano, relações sociais e o papel da mulher. Apesar do título sugerir uma narrativa de ficção científica, a proposta é simbólica: investigar, em meio ao caos cotidiano, sinais de empatia, conexão e sentido na vida moderna.

O texto original, escrito pela dramaturga norte-americana Jane Wagner, estreou em 1985 nos Estados Unidos e ganhou notoriedade com a interpretação solo de Lily Tomlin. A versão brasileira, adaptada por Gerald Thomas, atualiza a obra ao incorporar elementos e questionamentos próprios do século XXI, ampliando o alcance das reflexões propostas.

Na encenação, Danielle Winits assume múltiplas vozes condensadas em uma única personagem, construindo uma narrativa que transita entre o humor e a crítica. A trama acompanha uma ex-consultora corporativa que, após um colapso psicológico, passa a viver como catadora de lixo nas ruas. Convencida de que extraterrestres buscam compreender a humanidade por meio dela, a personagem conduz uma investigação simbólica sobre o comportamento humano e suas incoerências.

A adaptação também dialoga com transformações sociais recentes, abordando temas como o impacto das redes sociais, a cultura dos influenciadores e as mudanças nas relações interpessoais. A montagem amplia o texto original ao inserir novas camadas de análise sobre o mundo contemporâneo, destacando questões que não estavam presentes na versão dos anos 1980.

Com linguagem que mescla ironia, referências culturais e reflexão filosófica, o espetáculo propõe uma experiência que vai além do entretenimento. A narrativa convida o público a refletir sobre valores, padrões sociais e os limites das relações humanas, explorando tanto o absurdo quanto a sensibilidade presentes na vida cotidiana.

Ao mesmo tempo, a peça se apresenta como um exercício de metateatro, evidenciando o próprio fazer artístico e seu potencial de provocar mudanças. A dinâmica da encenação exige atenção constante do público, que é levado a acompanhar diferentes perspectivas e questionamentos ao longo da apresentação.

“CHOQUE! Procurando Sinais de Vida Inteligente” se consolida, assim, como uma obra atual e multifacetada, que utiliza o humor e a crítica para investigar o que ainda nos define como humanos em um cenário marcado por transformações rápidas e profundas.

A respeito do ambiente da encenação

O cenário foi pensado como um ambiente que se transforma no decorrer do espetáculo. Há uma montanha de lixo em que a atriz inicia a peça, como se nascesse dela. Em seu entorno há uma série de cinco escadas que ligam o plano do espetáculo ao urdimento, sem fim aparente. Elementos da arte pop de Andy Warhol aparecem pelo palco na forma de latas de sopa Campbell’s e reaparecem nos quadros de Rinaldo Escudeiro, seja como referência direta às latas, seja nas cores do Pop, na busca pelos elementos cotidianos como a geladeira, o post-it, o carrinho de supermercado, ou a imagem de uma atriz conhecida como é Danielle Winits, cujo rosto aparece em uma das pinturas. Esse mesmo rosto de Danielle irá retornar ao espaço de forma agigantada, como um casco ou uma mochila trazida por uma figura estranha contrarregrada. Portanto, o cenário visualmente trabalha entre o contraponto de cores, texturas e escalas. Ora o colorido do Pop aparece, ora o marrom, o antigo, o enferrujado, o estranho. O piso do palco é composto por uma textura de tecido e espumas tingidas que geram relevos. Tecidos aparecem no palco como seres que visitam Danielle. Ligados ao urdimento por cordas e ganchos, se penduram no ar como pedaços de couro em um curtume, ou pedaços de carne em um açougue. Esses elementos aéreos de tecido se mesclam a um conjunto de escadas finas e irregulares que se perdem na altura do urdimento. Elas estão presentes aqui e também nas obras e desenhos de Gerald Thomas.

Serviço

CHOQUE! Procurando Sinais de Vida Inteligente

Texto de Jane Wagner, com intervenções de Gerald Thomas

Atriz: Danielle Winits
Direção: Gerald Thomas
Teatro PRIO: Av. Bartolomeu Mitre, 1110 – B, Lagoa, Rio de Janeiro.
Temporada: 10 de abril até 31 de maio de 2026. Sextas e sábados, às 20h. Domingos, às 18h.

Ingressos: R$120,00 (inteira) e R$60,00 (meia entrada)

Vendas na bilheteria do Teatro ou pelo https://bileto.sympla.com.br/event/118229

Duração: 70 minutos
Classificação: 12 anos

Após passar por Teresópolis, Duque de Caxias, Volta Redonda, Rio de Janeiro, Barra Mansa e Nova Friburgo o espetáculo musical inspirado na trajetória de uma das figuras mais significativas da música brasileira, o recital cênico “Chiquinha Gonzaga e seu legado”, realiza circulação em espaços populares de mais duas cidades do Rio de Janeiro. Com o patrocínio da Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Estado do Rio de Janeiro (Secec/RJ), a montagem passa por São João de Meriti e Rio de Janeiro e é uma celebração à trajetória revolucionária da musicista que lançou a primeira marchinha de Carnaval no Brasil.

O espetáculo conta com interpretação de Raquel Paixão, direção cênica de Elisa Lucinda e direção musical de Maria Teresa Madeira, a obra apresenta um repertório exclusivamente composto por Chiquinha Gonzaga, em um diálogo sensível entre música e teatro. Raquel Paixão interpreta a personagem, revelando curiosidades e momentos decisivos da sua caminhada feminista e abolicionista.

Ao longo do recital, o público é convidado a revisitar a história de Chiquinha, não apenas como uma artista de vanguarda, mas também como uma mulher negra em um Brasil marcado por desafios sociais e raciais. A pianista compartilha suas próprias vivências como mulher e artista negra, refletindo sobre a importância de dar visibilidade a essas narrativas no contexto da música clássica.

“A música de Chiquinha Gonzaga sempre esteve presente em minha vida. Tenho formação em música clássica, com bacharelado, mestrado e especialização em piano. Nesse ambiente, sempre tive na memória músicas como Corta-Jaca, Plangente, Lua Branca, além da marchinha de carnaval Ô Abre Alas, que faz parte do nosso universo cultural”, compartilha Raquel Paixão.

A diretora cênica e multiartista, Elisa Lucinda, reforça que o objetivo do recital cênico é o de promover o acesso à obra e biografia da compositora, explorando seu repertório musical e o conectando às diferentes fases de sua vida. Além disso, também investiga o contexto social carioca em que a compositora esteve inserida, através de análise das obras de teatro e música onde a maestra esteve presente como autora e colaboradora.

“O Brasil não tem produzido no seu imaginário a imagem da Chiquinha Gonzaga negra e o recorte que ela foi uma feminista, uma revolucionária, filha de uma mulher negra, teve que casar escondida com seu pai porque ele era burguês e ela negra. Essas questões que nunca foram problematizadas nas produções que ela não foi representada como negra”, pontua Elisa.

“Todas as mulheres são herdeiras dos caminhos que a Chiquinha Gonzaga abriu, por isso, vamos fazer um recital cênico que vai realizar o papel que eu gosto que a arte faça: divirta, reflita e ensine arte e educação”, completa a diretora.

Maria Teresa Madeira, diretora musical, elogia Raquel Paixão, expressando o trabalho de excelência exercido pela pianista, pesquisadora e como professora, difundindo a música brasileira. “Esse projeto traz a figura de Francisca Edwiges Neves de Gonzaga, mais uma vez, como protagonista. Essa maestra, compositora, pianista, arranjadora e uma pessoa muito influente na nossa vida musical brasileira, que trouxe à tona problemas sociais, que até hoje nos são muito caros”, afirma.

“Então, muitos vivas a esse trabalho incrível, que eu tenho muita alegria de poder colaborar e que tenho certeza que vai trazer uma luz mais brilhante ainda sobre a vida dessa figura tão impressionante e tão marcante que é nossa Chiquinha Gonzaga”, conclui a diretora musical.

Raquel Paixão revela ainda que sempre soube que Chiquinha Gonzaga foi a primeira musicista profissional do Brasil, em um tempo em que o estudo do piano para mulheres limitava-se às habilidades domésticas, voltadas para a recreação familiar.

No entanto, que Chiquinha Gonzaga, assim como ela, tinha uma mãe negra, foi uma descoberta tardia.

“Como pianista negra, sempre me senti isolada no universo da música clássica, pois havia poucas mulheres negras nas quais eu pudesse me espelhar. Quando descobri a negritude de Chiquinha Gonzaga, isso despertou em mim um forte sentimento de pertencimento. Meu desejo é que, com este espetáculo, eu consiga inspirar novas gerações de pianistas, utilizando a música e a figura de Chiquinha como referência”, celebra a artista.

Sobre Chiquinha Gonzaga

Francisca Edwiges Neves Gonzaga foi pianista, maestra e compositora, uma das mais admiráveis artistas brasileiras, pioneira em assumir a música como profissão, num tempo onde mulheres eram restringidas ao trabalho doméstico. Também foi ativa nas causas da abolição e, segundo registro em suas biografias, a própria maestra comprou alforria de pessoas escravizadas com dinheiro que arrecadava da venda das partituras de suas composições.
Teve formação clássica em piano, mas em suas composições já integrava a corporeidade das celebrações populares: observam-se as células rítmicas do Maxixe, Umbigada e Lundus em suas composições, além de forte influência do Choro, gênero musical que nasceu na boemia carioca e cuja criação teve direta participação da maestra. Enriqueceu o patrimônio musical brasileiro em larga escala deixando diversas obras para piano, bandas e trilhas para teatro.

Sobre a Artista

Raquel Paixão é pianista, atriz e professora com uma carreira que reflete seu compromisso com a música brasileira. Desde a infância, sua relação com o piano é marcada pela excelência. Aos 17 anos, conquistou o 1º lugar no Concurso Jovens Instrumentistas (Campos dos Goytacazes – RJ). Em 2019 e 2020, realizou recitais no Brasil e no exterior, dedicados ao repertório brasileiro para piano solo. Recentemente, recebeu o prêmio Urso de Prata, em Berlim, pelo curta “Manhã de Domingo”, no qual interpretou uma pianista.

Sua formação acadêmica inclui Bacharelado em Piano, Mestrado em Música e especialização em Pedagogia do Piano. Como educadora, destaca-se pela publicação da coletânea “Teclas Brasileiras”, uma contribuição ao repertório didático para pianistas em formação e à valorização de compositoras nacionais.

Sobre a Paragogí Cultural

Fundada por Rafael Lydio, produtor cultural com mais de uma década de experiência no mercado, a Paragogí Cultural é uma empresa que enxerga a cultura como uma ferramenta essencial para promover a inclusão e fortalecer a diversidade em todas as suas formas — racial, de gênero, religiosa e cultural.

Nosso propósito é simples, mas poderoso: potencializar a cultura como agente de transformação social e igualdade de oportunidades. Acreditamos que inclusão é garantir o acesso igualitário a bens, serviços e experiências para todos, enquanto a diversidade é a celebração da multiplicidade de perspectivas, valores e identidades.

A Paragogí Cultural atua no centro das questões sociais, criando ambientes onde pessoas de diferentes etnias, orientações sexuais, culturas e gêneros convivem de maneira respeitosa e enriquecedora. São essas interações que buscamos fortalecer e expandir por meio de nossos projetos, promovendo espaços de respeito, empatia e diálogo.

Com uma abordagem inovadora e uma visão inclusiva, buscamos não apenas gerar impacto cultural, mas também contribuir ativamente para a construção de um mundo mais plural, acessível e justo. Acreditamos que a verdadeira transformação acontece quando as pessoas se sentem representadas, ouvidas e respeitadas em suas particularidades. É esse compromisso que nos impulsiona todos os dias.

Serviço

Espetáculo Chiquinha Gonzaga e seu legado

Data: 09 de março
Horário: 16h
Endereço: R. Panamense, 23-76 – Jardim Meriti, São João de Meriti – RJ

Data: 01 de abril
Horário: 15h
Local: Firjan Sesi Centro
Endereço: Av. Graça Aranha, 1 – Centro, Rio de Janeiro

Entrada gratuita

Reluzindo um olhar feminino sobre a obra de Jorge Ben Jor, o espetáculo inédito “Magnólia” estreia no Espaço Mezanino do Sesc Copacabana dia 12 de março, às 20h30. Com concepção, direção geral e atuação de Marina Esteves e texto de Lucas Moura, a peça selecionada pelo Edital de Cultura Sesc RJ Pulsar é uma fábula musical livremente inspirada na música “Magnólia” e no álbum “A Tábua de Esmeralda”, que completou 50 anos de seu lançamento em 2025. Com banda ao vivo orquestrada por Dani Nega e Marina Esteves, e colaboração de Kiko Dinucci em um dos arranjos, em sua sinopse mítica a montagem narra a fábula de uma deusa astronauta que vive na dimensão azul e rosa por entre estrelas e cometas até encontrar um cavaleiro negro, São Jorge, que propõe a ela uma missão: descer para a Terra e experimentar o que é ser humana.

Na Terra, depois da queda, ela passa por diversas transformações até se tornar uma mulher negra. Neste corpo, ela experimenta o que é essa vivência, com todos os prazeres da sua existência. Sabendo que “o que está no alto é como o que está embaixo”, a peça faz uma alegoria da evolução da trajetória africana e sua diáspora, e busca retornar para recontá-la de uma nova forma, onde o sonho de uma mulher negra marca o início de tudo. Ficcional, futurista, mas também municiando-se do que é fato histórico na trajetória do negro pelo mundo, o espetáculo tem como proposição estética as integrações das linguagens da dança, Spoken Word (poesia falada), música e a performatividade, em uma perspectiva cênica popular, plural e diversa.

“Falar de Jorge Ben Jor é falar da música negra popular brasileira, que faz parte da minha constituição enquanto cidadã e mulher negra no mundo. E também faz parte da trajetória dos meus pais e de quem veio antes. É um exercício de liberdade ser uma mulher preta e falar sobre este gênio da MPB, da música negra, pela perspectiva feminina. Ser uma mulher negra trazendo essa fábula para os palcos, nessa imaginação radical do que pode ser a história dessa canção, é uma alegria muito grande, é um exercício de liberdade, de expressão, de autonomia enquanto artista”, pontua Marina, deixando claro que o espetáculo não possui formato de homenagem, e nem conta a vida e obra do homenageado, mas invoca as possibilidades de histórias que podem ser criadas a partir do álbum e da canção inspiradora da montagem.

Surrealista, cruzando swing (movimento característico do jazz, onde cada músico na improvisação deve se atentar de maneira individual à sonoridade formada pelo coletivo para não errar ou sair do tom) e ginga (estado de atenção que, na capoeira faz com que a percepção do corpo do outro movimente também o meu corpo), em “A tábua de esmeralda”, Jorge Ben constrói um emblemático álbum de dramaturgia mítica e filosófica. Na estruturação da dramaturgia de “Magnólia”, é buscado implementar rítmica similar à utilizada por Jorge Ben para fazer dançar as palavras com o corpo da atuante, utilizando ora frases melodiosas mais voltadas ao canto, ora frases sincopadas como as utilizadas por Jorge Ben.

“A dramaturgia da peça envolve uma pesquisa de dois anos onde eu e Lucas nos debruçamos tanto na vida e obra de Jorge Ben, quanto nas audições de seus discos, imersão em livros e material acadêmico a respeito do tema para a criação da dramaturgia do espetáculo. Para além de ‘A Tábua de Esmeralda’ e todos os segredos e referências contidas neste álbum, a gente também quis trazer à tona os, digamos, macrotemas que existem na obra de Jorge Ben, que perpassam pelo futebol, a amor platônico, as musas, a filosofia hermética, a idade média, a própria relação com a religiosidade, pelo catolicismo, mas que também perpassa pelo lugar esotérico, da magia, do hermetismo que é negro por essência. Tem também os fonemas, os melismas e a própria questão da linguagem do Jorge Ben, de brincar com o patropi, com os x de canto, como em ‘por causa de voxê’”, adianta Marina.

A valorização da alegria e da autoestima negra como ingredientes das canções de Jorge Ben Jor pulsaram forte na elaboração da montagem. “Em 1974 ele já estava cantando que negro é lindo em pleno período da ditadura militar no Brasil. Queremos reivindicar o lugar da alegria enquanto revide ao racismo e as violências de gênero. A trama desse espetáculo é de uma mulher negra descobrindo a si mesma, descobrindo o mundo, pela perspectiva política da alegria. Jorge Ben não tem uma música triste, né? Tem lamento, mas não tristeza. Então a gente caminha junto, lado a lado com ele, e enxerga o quanto isso também é revolucionário. A gente vai sobreviver, a gente vai ser feliz e essa é a nossa maior vingança. Vingar através da alegria que nos mantém de pé”, finaliza Marina.

SINOPSE

Livremente inspirado na música homônima de Jorge Ben Jor, “Magnólia’, narra a fábula sobre uma deusa astronauta que vive na dimensão azul e rosa por entre estrelas e cometas até encontrar um cavaleiro negro, São Jorge. Ele propõe a ela uma missão: descer para a Terra e experimentar o que é ser humana. Na Terra, depois da queda, ela passa por diversas transformações até se tornar uma mulher negra. Neste corpo, ela experimenta o que é essa vivência, com todos os prazeres da sua existência.

Serviço

“Magnólia”

Temporada: 12 de março a 05 de abril de 2026

Horário: Quinta-feira a domingo, às 20h30

– As sessões de sábado contam com interpretação em Libras –

Local: Sesc Copacabana – Espaço Mezanino
Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160 – Copacabana
Contato: (21) 4020-2101

Ingressos: R$ 10 (associado do Sesc), R$ 15 (meia-entrada), R$ 30 (inteira)

Link para ingressos: https://www.ingresso.com/evento/magnolia

Classificação Indicativa: 14 anos
Duração: 90 minutos
Instagram: @vimvermarina

Após uma temporada de grande impacto em São Paulo, marcada por forte adesão do público e ampliação de sessões, o espetáculo “Carmina Burana Ballet” chega agora ao Rio de Janeiro, consolidando sua trajetória como um dos grandes sucessos recentes da dança no Brasil.

A produção será apresentada nos dias 20, 21 e 22 de março de 2026, na Grande Sala da Cidade das Artes, integrando uma circulação nacional que reflete a dimensão artística e o alcance do projeto, com passagem também por Belo Horizonte, nos dias 10 e 11 de abril. Os ingressos estão à venda pelo site da Sympla e na bilheteria local.

A passagem por São Paulo foi impulsionada pela comercialização de mais de 10 mil ingressos entre a pré-venda e as primeiras apresentações, resultado que levou à abertura de sessões extras e à extensão da temporada até 15 de março, no Teatro Liberdade. O desempenho expressivo reforçou o espetáculo como um fenômeno recente no circuito da dança e abriu caminho para sua expansão por outras capitais brasileiras.

Criado a partir da célebre cantata de Carl Orff, “Carmina Burana Ballet” transcende o formato tradicional do balé ao propor uma experiência cênica que mistura dança contemporânea, música, dramaturgia corporal e tecnologia de ponta. O espetáculo incorpora videomapping e projeções de alta qualidade, que dialogam diretamente com o movimento dos intérpretes e ampliam a narrativa visual da obra, criando imagens imersivas e dinâmicas que potencializam os temas universais de destino, desejo, instabilidade e força humana.

A montagem é idealizada pela Vortice Dance Company, uma das companhias mais reconhecidas de Portugal e da Europa, com direção artística e coreografia de Cláudia Martins e Rafael Carriço, nomes de destaque no cenário internacional da dança contemporânea. Reconhecida por sua linguagem autoral e pelo rigor técnico aliado à emoção, a companhia traz ao Brasil um trabalho que já conquistou plateias e crítica em diversos países.

No Brasil, o espetáculo chega com produção da Infinitus, do Grupo IN, liderado pelo produtor e gestor cultural Manuel Fernandes, figura central na internacionalização de projetos artísticos e no intercâmbio cultural entre Europa e Brasil. A produção reafirma o compromisso com projetos de grande escala, excelência artística e diálogo internacional.

Um dos diferenciais da montagem brasileira está também na integração com artistas brasileiros, que passam a ocupar o palco ao lado da concepção europeia da obra. O elenco nacional imprime novas camadas de identidade, potência física e sensibilidade à encenação, reforçando o caráter híbrido do espetáculo — ao mesmo tempo internacional em sua origem e profundamente conectado ao público brasileiro.

No Rio de Janeiro, “Carmina Burana Ballet” encontra um público historicamente atento às grandes experiências estéticas e propõe um encontro arrebatador entre tradição e contemporaneidade, música clássica e linguagem atual, rigor técnico e emoção visceral. Trata-se de um espetáculo que vai além do entretenimento e se afirma como evento cultural, capaz de mobilizar diferentes públicos e reafirmar a força da dança no cenário das grandes produções culturais contemporâneas.

Serviço

Carmina Burana Ballet

Local: Grande Sala – Complexo Cidade das Artes
Endereço: Av. das Américas, 5300 – Barra da Tijuca, Rio de Janeiro – RJ
Datas e horários:
• 20 e 21 de março de 2026 (sexta e sábado), às 20h30
• 22 de março de 2026 (domingo), às 19h
Ingressos: R$ 280 (inteira) | R$ 140 (meia)
Vendas: Site da Sympla e bilheteria física local
Duração: 1h10
Classificação etária: 16 anos

Sobre a Vortice Dance Company

Com direção artística dos coreógrafos Cláudia Martins e Rafael Carriço, a Vortice Dance Company é uma das companhias mais prestigiadas e internacionalmente reconhecidas de Portugal, conhecida pela fusão da dança, artes digitais e performance visual. Suas criações já foram apresentadas em mais de 30 países e distinguem-se pela intensidade física, sofisticação estética e uso inovador de tecnologia em palco.

Entre suas obras destacam-se A Sagração da Primavera, Drácula, Jouska, Soliloquy about Wonderland, Chroma, entre outras. Esta digressão latino-americana conta com o apoio à internacionalização da República Portuguesa – Cultura, Juventude e Desporto / Direção-Geral das Artes.

Sobre o Grupo IN

Essência infinita que incentiva a felicidade

O Grupo IN, liderado pelo produtor e gestor cultural Manuel Fernandes, nasceu em 2014 com o propósito de mover ideias, criar emoções e promover a felicidade por meio da arte.

Reunindo empresas voltadas à gestão cultural, produção e entretenimento, o grupo tem na Infinitus Brasil Entertainment sua principal frente, responsável pela administração do Teatro Liberdade, um dos maiores e mais modernos palcos de São Paulo, com 900 lugares.

Com trajetória iniciada em 2010, quando assumiu a gestão do Teatro Bradesco — modelo de sucesso replicado em nove outros teatros —, Manuel Fernandes fundou a Infinitus em 2015, consolidando sua expertise ao prestar consultoria para espaços como o Theatro Net São Paulo, Theatro Net Rio, Teatro Bangu, Terra da Garoa e Teatro Santander.

Hoje, o Grupo IN é referência nacional em gestão de empreendimentos culturais, unindo tradição, modernidade e responsabilidade social em projetos que valorizam a arte, o público e o diálogo entre a cultura brasileira e internacional.

]]> 89082 https://www.expressocarioca.com.br/memorias-para-se-transformar-em-flor-estreia-no-sesc-copacabana/ Mon, 02 Mar 2026 23:23:55 +0000 https://www.expressocarioca.com.br/?p=88995

A partir de 5 de março, a Sala Multiuso do Sesc Copacabana recebe a temporada carioca de “Memórias para se Transformar em Flor”, espetáculo performático idealizado, dirigido e interpretado pelo artista colombiano Mauricio Flórez. Inédito no Rio de Janeiro, o solo convida o público a decidir, a cada noite, quais memórias e histórias serão reveladas em cena.

Selecionada pelo Edital de Cultura Sesc RJ Pulsar, a montagem propõe uma experiência sensorial que atravessa dança, teatro, luz, música, aromas e objetos espalhados pelo espaço. Livros, flores, sementes e imagens compõem um ambiente interativo no qual as escolhas da plateia definem o percurso dramatúrgico — sempre conduzido à metáfora central: a transformação do corpo em flor.

Corpo, natureza e inteligência vegetal

Radicado no Brasil desde 2012, Mauricio Flórez parte de suas próprias memórias para refletir sobre a relação entre o corpo humano e o universo vegetal. A obra articula mitologia, ciência, botânica e história da arte em 16 “memórias” possíveis, organizadas como núcleos narrativos ativados pelo público.

A estrutura dramatúrgica se divide em dois momentos: um mais narrativo, próximo de uma palestra performática, e outro centrado na dança e na fisicalidade. A proposta valoriza movimentos instintivos e sugere a desaceleração como prática urgente para os corpos do século XXI.

Indicado em 2024 ao Prêmio APCA nas categorias de Melhor Espetáculo e Melhor Interpretação, o trabalho estreou em São Paulo e agora chega ao Rio ampliando o debate sobre a inteligência vegetal e a capacidade de encantamento como ferramenta de conhecimento.

Oficina gratuita amplia a experiência

Além das apresentações, o artista ministra a oficina gratuita “Metamorfoses do Corpo”, nos dias 10 e 11 de março, das 19h às 21h. Voltada a artistas e estudantes de artes cênicas acima de 16 anos, a atividade reúne práticas corporais e referências bibliográficas que cruzam mitologia e pesquisas científicas recentes sobre botânica.

Com 20 vagas disponíveis, a oficina propõe a dança como instrumento pedagógico para cultivar curiosidade e admiração pelo comportamento silencioso e contínuo das plantas.

Sinopse

Espetáculo que entrelaça mitologia e ciência para falar da relação entre o corpo humano e o corpo vegetal. Em cena, 16 objetos iluminados — livros, plantas, imagens e sementes — guardam memórias que, a cada apresentação, são escolhidas pela plateia, conduzindo o performer por um percurso único até a transformação do corpo em flor.

Serviço

“Memórias para se Transformar em Flor”

Data: 05 a 15 de março de 2026
Horário: Quinta a domingo, às 19h
R$ 10 (associado Sesc) | R$ 15 (meia) | R$ 30 (inteira)
Local: Sesc Copacabana – Sala Multiuso
Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160 – Copacabana
Classificação: 12 anos

Oficina gratuita – “Metamorfoses do Corpo”

10 e 11 de março
19h às 21h
20 participantes
Inscrições: leticia@corporastreado.com