Uma das comédias mais populares do teatro carioca nos últimos anos, “A Diretora é Uma Comédia” volta aos palcos com uma apresentação especial no próximo dia 12 de abril, em sessão única, às 19h30, no Teatro Brigitte Blair, em Copacabana.

O espetáculo é protagonizado por Diogo Bonfim, que interpreta a irreverente diretora Margareth Pinto — personagem que conquistou o público ao longo de mais de três anos em cartaz, sempre com sessões lotadas e forte identificação com profissionais da educação.

Humor que retrata o cotidiano escolar

Na trama, Margareth Pinto é uma diretora autoritária e excêntrica que tenta controlar todos os aspectos da vida dos professores dentro e fora da escola. Após retornar de férias, ela convoca uma reunião com o corpo docente para “colocar ordem” na instituição, dando início a uma sequência de situações cômicas que abordam o dia a dia escolar.

Com linguagem leve e bem-humorada, a peça retrata desde o comportamento dos alunos até os desafios enfrentados pelos professores, ao mesmo tempo em que levanta reflexões sobre a valorização da educação e dos profissionais da área.

Fenômeno que nasceu nas redes sociais

O projeto surgiu durante o período de isolamento social, quando Diogo Bonfim criou a “Live da Diretora” no Instagram. Ao longo de quase dois anos, foram centenas de transmissões que reuniram educadores de todo o país e consolidaram a personagem como um fenômeno digital.

Com a retomada das atividades presenciais em 2022, a ideia ganhou adaptação para o teatro, ampliando o alcance do projeto e conquistando ainda mais público.

Reconhecimento e presença de famosos

O sucesso da peça também atraiu diversas personalidades, que prestigiaram o espetáculo ao longo de sua trajetória. Entre elas estão Isadora Ribeiro, Babi Xavier, Robson Caetano, Marcos Oliveira, Nina de Pádua, Narjara Turetta e Adriane Galisteu.

Serviço

Espetáculo: “A Diretora é Uma Comédia”

Data: 12 de abril (domingo)
Horário: 19h30
Local: Teatro Brigitte Blair – Copacabana (próximo ao metrô Cantagalo)
Classificação: 14 anos
Gênero: Comédia

Os ingressos estão disponíveis para compra antecipada pela plataforma Sympla.

Com humor afiado e identificação imediata com o público, a montagem reafirma seu sucesso e retorna ao palco em uma apresentação única que promete repetir a receptividade conquistada ao longo dos últimos anos.

Após temporadas bem-sucedidas no Rio de Janeiro e em São Paulo, o espetáculo “CHOQUE! Procurando Sinais de Vida Inteligente” volta à capital fluminense para uma nova temporada a partir de 10 de abril, no Teatro PRIO. A montagem é conduzida em formato de solo pela atriz Danielle Winits, sob direção de Gerald Thomas.

A peça apresenta uma abordagem crítica e bem-humorada sobre as contradições da sociedade contemporânea, discutindo temas como comportamento humano, relações sociais e o papel da mulher. Apesar do título sugerir uma narrativa de ficção científica, a proposta é simbólica: investigar, em meio ao caos cotidiano, sinais de empatia, conexão e sentido na vida moderna.

O texto original, escrito pela dramaturga norte-americana Jane Wagner, estreou em 1985 nos Estados Unidos e ganhou notoriedade com a interpretação solo de Lily Tomlin. A versão brasileira, adaptada por Gerald Thomas, atualiza a obra ao incorporar elementos e questionamentos próprios do século XXI, ampliando o alcance das reflexões propostas.

Na encenação, Danielle Winits assume múltiplas vozes condensadas em uma única personagem, construindo uma narrativa que transita entre o humor e a crítica. A trama acompanha uma ex-consultora corporativa que, após um colapso psicológico, passa a viver como catadora de lixo nas ruas. Convencida de que extraterrestres buscam compreender a humanidade por meio dela, a personagem conduz uma investigação simbólica sobre o comportamento humano e suas incoerências.

A adaptação também dialoga com transformações sociais recentes, abordando temas como o impacto das redes sociais, a cultura dos influenciadores e as mudanças nas relações interpessoais. A montagem amplia o texto original ao inserir novas camadas de análise sobre o mundo contemporâneo, destacando questões que não estavam presentes na versão dos anos 1980.

Com linguagem que mescla ironia, referências culturais e reflexão filosófica, o espetáculo propõe uma experiência que vai além do entretenimento. A narrativa convida o público a refletir sobre valores, padrões sociais e os limites das relações humanas, explorando tanto o absurdo quanto a sensibilidade presentes na vida cotidiana.

Ao mesmo tempo, a peça se apresenta como um exercício de metateatro, evidenciando o próprio fazer artístico e seu potencial de provocar mudanças. A dinâmica da encenação exige atenção constante do público, que é levado a acompanhar diferentes perspectivas e questionamentos ao longo da apresentação.

“CHOQUE! Procurando Sinais de Vida Inteligente” se consolida, assim, como uma obra atual e multifacetada, que utiliza o humor e a crítica para investigar o que ainda nos define como humanos em um cenário marcado por transformações rápidas e profundas.

A respeito do ambiente da encenação

O cenário foi pensado como um ambiente que se transforma no decorrer do espetáculo. Há uma montanha de lixo em que a atriz inicia a peça, como se nascesse dela. Em seu entorno há uma série de cinco escadas que ligam o plano do espetáculo ao urdimento, sem fim aparente. Elementos da arte pop de Andy Warhol aparecem pelo palco na forma de latas de sopa Campbell’s e reaparecem nos quadros de Rinaldo Escudeiro, seja como referência direta às latas, seja nas cores do Pop, na busca pelos elementos cotidianos como a geladeira, o post-it, o carrinho de supermercado, ou a imagem de uma atriz conhecida como é Danielle Winits, cujo rosto aparece em uma das pinturas. Esse mesmo rosto de Danielle irá retornar ao espaço de forma agigantada, como um casco ou uma mochila trazida por uma figura estranha contrarregrada. Portanto, o cenário visualmente trabalha entre o contraponto de cores, texturas e escalas. Ora o colorido do Pop aparece, ora o marrom, o antigo, o enferrujado, o estranho. O piso do palco é composto por uma textura de tecido e espumas tingidas que geram relevos. Tecidos aparecem no palco como seres que visitam Danielle. Ligados ao urdimento por cordas e ganchos, se penduram no ar como pedaços de couro em um curtume, ou pedaços de carne em um açougue. Esses elementos aéreos de tecido se mesclam a um conjunto de escadas finas e irregulares que se perdem na altura do urdimento. Elas estão presentes aqui e também nas obras e desenhos de Gerald Thomas.

Serviço

CHOQUE! Procurando Sinais de Vida Inteligente

Texto de Jane Wagner, com intervenções de Gerald Thomas

Atriz: Danielle Winits
Direção: Gerald Thomas
Teatro PRIO: Av. Bartolomeu Mitre, 1110 – B, Lagoa, Rio de Janeiro.
Temporada: 10 de abril até 31 de maio de 2026. Sextas e sábados, às 20h. Domingos, às 18h.

Ingressos: R$120,00 (inteira) e R$60,00 (meia entrada)

Vendas na bilheteria do Teatro ou pelo https://bileto.sympla.com.br/event/118229

Duração: 70 minutos
Classificação: 12 anos

Após passar por Teresópolis, Duque de Caxias, Volta Redonda, Rio de Janeiro, Barra Mansa e Nova Friburgo o espetáculo musical inspirado na trajetória de uma das figuras mais significativas da música brasileira, o recital cênico “Chiquinha Gonzaga e seu legado”, realiza circulação em espaços populares de mais duas cidades do Rio de Janeiro. Com o patrocínio da Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Estado do Rio de Janeiro (Secec/RJ), a montagem passa por São João de Meriti e Rio de Janeiro e é uma celebração à trajetória revolucionária da musicista que lançou a primeira marchinha de Carnaval no Brasil.

O espetáculo conta com interpretação de Raquel Paixão, direção cênica de Elisa Lucinda e direção musical de Maria Teresa Madeira, a obra apresenta um repertório exclusivamente composto por Chiquinha Gonzaga, em um diálogo sensível entre música e teatro. Raquel Paixão interpreta a personagem, revelando curiosidades e momentos decisivos da sua caminhada feminista e abolicionista.

Ao longo do recital, o público é convidado a revisitar a história de Chiquinha, não apenas como uma artista de vanguarda, mas também como uma mulher negra em um Brasil marcado por desafios sociais e raciais. A pianista compartilha suas próprias vivências como mulher e artista negra, refletindo sobre a importância de dar visibilidade a essas narrativas no contexto da música clássica.

“A música de Chiquinha Gonzaga sempre esteve presente em minha vida. Tenho formação em música clássica, com bacharelado, mestrado e especialização em piano. Nesse ambiente, sempre tive na memória músicas como Corta-Jaca, Plangente, Lua Branca, além da marchinha de carnaval Ô Abre Alas, que faz parte do nosso universo cultural”, compartilha Raquel Paixão.

A diretora cênica e multiartista, Elisa Lucinda, reforça que o objetivo do recital cênico é o de promover o acesso à obra e biografia da compositora, explorando seu repertório musical e o conectando às diferentes fases de sua vida. Além disso, também investiga o contexto social carioca em que a compositora esteve inserida, através de análise das obras de teatro e música onde a maestra esteve presente como autora e colaboradora.

“O Brasil não tem produzido no seu imaginário a imagem da Chiquinha Gonzaga negra e o recorte que ela foi uma feminista, uma revolucionária, filha de uma mulher negra, teve que casar escondida com seu pai porque ele era burguês e ela negra. Essas questões que nunca foram problematizadas nas produções que ela não foi representada como negra”, pontua Elisa.

“Todas as mulheres são herdeiras dos caminhos que a Chiquinha Gonzaga abriu, por isso, vamos fazer um recital cênico que vai realizar o papel que eu gosto que a arte faça: divirta, reflita e ensine arte e educação”, completa a diretora.

Maria Teresa Madeira, diretora musical, elogia Raquel Paixão, expressando o trabalho de excelência exercido pela pianista, pesquisadora e como professora, difundindo a música brasileira. “Esse projeto traz a figura de Francisca Edwiges Neves de Gonzaga, mais uma vez, como protagonista. Essa maestra, compositora, pianista, arranjadora e uma pessoa muito influente na nossa vida musical brasileira, que trouxe à tona problemas sociais, que até hoje nos são muito caros”, afirma.

“Então, muitos vivas a esse trabalho incrível, que eu tenho muita alegria de poder colaborar e que tenho certeza que vai trazer uma luz mais brilhante ainda sobre a vida dessa figura tão impressionante e tão marcante que é nossa Chiquinha Gonzaga”, conclui a diretora musical.

Raquel Paixão revela ainda que sempre soube que Chiquinha Gonzaga foi a primeira musicista profissional do Brasil, em um tempo em que o estudo do piano para mulheres limitava-se às habilidades domésticas, voltadas para a recreação familiar.

No entanto, que Chiquinha Gonzaga, assim como ela, tinha uma mãe negra, foi uma descoberta tardia.

“Como pianista negra, sempre me senti isolada no universo da música clássica, pois havia poucas mulheres negras nas quais eu pudesse me espelhar. Quando descobri a negritude de Chiquinha Gonzaga, isso despertou em mim um forte sentimento de pertencimento. Meu desejo é que, com este espetáculo, eu consiga inspirar novas gerações de pianistas, utilizando a música e a figura de Chiquinha como referência”, celebra a artista.

Sobre Chiquinha Gonzaga

Francisca Edwiges Neves Gonzaga foi pianista, maestra e compositora, uma das mais admiráveis artistas brasileiras, pioneira em assumir a música como profissão, num tempo onde mulheres eram restringidas ao trabalho doméstico. Também foi ativa nas causas da abolição e, segundo registro em suas biografias, a própria maestra comprou alforria de pessoas escravizadas com dinheiro que arrecadava da venda das partituras de suas composições.
Teve formação clássica em piano, mas em suas composições já integrava a corporeidade das celebrações populares: observam-se as células rítmicas do Maxixe, Umbigada e Lundus em suas composições, além de forte influência do Choro, gênero musical que nasceu na boemia carioca e cuja criação teve direta participação da maestra. Enriqueceu o patrimônio musical brasileiro em larga escala deixando diversas obras para piano, bandas e trilhas para teatro.

Sobre a Artista

Raquel Paixão é pianista, atriz e professora com uma carreira que reflete seu compromisso com a música brasileira. Desde a infância, sua relação com o piano é marcada pela excelência. Aos 17 anos, conquistou o 1º lugar no Concurso Jovens Instrumentistas (Campos dos Goytacazes – RJ). Em 2019 e 2020, realizou recitais no Brasil e no exterior, dedicados ao repertório brasileiro para piano solo. Recentemente, recebeu o prêmio Urso de Prata, em Berlim, pelo curta “Manhã de Domingo”, no qual interpretou uma pianista.

Sua formação acadêmica inclui Bacharelado em Piano, Mestrado em Música e especialização em Pedagogia do Piano. Como educadora, destaca-se pela publicação da coletânea “Teclas Brasileiras”, uma contribuição ao repertório didático para pianistas em formação e à valorização de compositoras nacionais.

Sobre a Paragogí Cultural

Fundada por Rafael Lydio, produtor cultural com mais de uma década de experiência no mercado, a Paragogí Cultural é uma empresa que enxerga a cultura como uma ferramenta essencial para promover a inclusão e fortalecer a diversidade em todas as suas formas — racial, de gênero, religiosa e cultural.

Nosso propósito é simples, mas poderoso: potencializar a cultura como agente de transformação social e igualdade de oportunidades. Acreditamos que inclusão é garantir o acesso igualitário a bens, serviços e experiências para todos, enquanto a diversidade é a celebração da multiplicidade de perspectivas, valores e identidades.

A Paragogí Cultural atua no centro das questões sociais, criando ambientes onde pessoas de diferentes etnias, orientações sexuais, culturas e gêneros convivem de maneira respeitosa e enriquecedora. São essas interações que buscamos fortalecer e expandir por meio de nossos projetos, promovendo espaços de respeito, empatia e diálogo.

Com uma abordagem inovadora e uma visão inclusiva, buscamos não apenas gerar impacto cultural, mas também contribuir ativamente para a construção de um mundo mais plural, acessível e justo. Acreditamos que a verdadeira transformação acontece quando as pessoas se sentem representadas, ouvidas e respeitadas em suas particularidades. É esse compromisso que nos impulsiona todos os dias.

Serviço

Espetáculo Chiquinha Gonzaga e seu legado

Data: 09 de março
Horário: 16h
Endereço: R. Panamense, 23-76 – Jardim Meriti, São João de Meriti – RJ

Data: 01 de abril
Horário: 15h
Local: Firjan Sesi Centro
Endereço: Av. Graça Aranha, 1 – Centro, Rio de Janeiro

Entrada gratuita

Reluzindo um olhar feminino sobre a obra de Jorge Ben Jor, o espetáculo inédito “Magnólia” estreia no Espaço Mezanino do Sesc Copacabana dia 12 de março, às 20h30. Com concepção, direção geral e atuação de Marina Esteves e texto de Lucas Moura, a peça selecionada pelo Edital de Cultura Sesc RJ Pulsar é uma fábula musical livremente inspirada na música “Magnólia” e no álbum “A Tábua de Esmeralda”, que completou 50 anos de seu lançamento em 2025. Com banda ao vivo orquestrada por Dani Nega e Marina Esteves, e colaboração de Kiko Dinucci em um dos arranjos, em sua sinopse mítica a montagem narra a fábula de uma deusa astronauta que vive na dimensão azul e rosa por entre estrelas e cometas até encontrar um cavaleiro negro, São Jorge, que propõe a ela uma missão: descer para a Terra e experimentar o que é ser humana.

Na Terra, depois da queda, ela passa por diversas transformações até se tornar uma mulher negra. Neste corpo, ela experimenta o que é essa vivência, com todos os prazeres da sua existência. Sabendo que “o que está no alto é como o que está embaixo”, a peça faz uma alegoria da evolução da trajetória africana e sua diáspora, e busca retornar para recontá-la de uma nova forma, onde o sonho de uma mulher negra marca o início de tudo. Ficcional, futurista, mas também municiando-se do que é fato histórico na trajetória do negro pelo mundo, o espetáculo tem como proposição estética as integrações das linguagens da dança, Spoken Word (poesia falada), música e a performatividade, em uma perspectiva cênica popular, plural e diversa.

“Falar de Jorge Ben Jor é falar da música negra popular brasileira, que faz parte da minha constituição enquanto cidadã e mulher negra no mundo. E também faz parte da trajetória dos meus pais e de quem veio antes. É um exercício de liberdade ser uma mulher preta e falar sobre este gênio da MPB, da música negra, pela perspectiva feminina. Ser uma mulher negra trazendo essa fábula para os palcos, nessa imaginação radical do que pode ser a história dessa canção, é uma alegria muito grande, é um exercício de liberdade, de expressão, de autonomia enquanto artista”, pontua Marina, deixando claro que o espetáculo não possui formato de homenagem, e nem conta a vida e obra do homenageado, mas invoca as possibilidades de histórias que podem ser criadas a partir do álbum e da canção inspiradora da montagem.

Surrealista, cruzando swing (movimento característico do jazz, onde cada músico na improvisação deve se atentar de maneira individual à sonoridade formada pelo coletivo para não errar ou sair do tom) e ginga (estado de atenção que, na capoeira faz com que a percepção do corpo do outro movimente também o meu corpo), em “A tábua de esmeralda”, Jorge Ben constrói um emblemático álbum de dramaturgia mítica e filosófica. Na estruturação da dramaturgia de “Magnólia”, é buscado implementar rítmica similar à utilizada por Jorge Ben para fazer dançar as palavras com o corpo da atuante, utilizando ora frases melodiosas mais voltadas ao canto, ora frases sincopadas como as utilizadas por Jorge Ben.

“A dramaturgia da peça envolve uma pesquisa de dois anos onde eu e Lucas nos debruçamos tanto na vida e obra de Jorge Ben, quanto nas audições de seus discos, imersão em livros e material acadêmico a respeito do tema para a criação da dramaturgia do espetáculo. Para além de ‘A Tábua de Esmeralda’ e todos os segredos e referências contidas neste álbum, a gente também quis trazer à tona os, digamos, macrotemas que existem na obra de Jorge Ben, que perpassam pelo futebol, a amor platônico, as musas, a filosofia hermética, a idade média, a própria relação com a religiosidade, pelo catolicismo, mas que também perpassa pelo lugar esotérico, da magia, do hermetismo que é negro por essência. Tem também os fonemas, os melismas e a própria questão da linguagem do Jorge Ben, de brincar com o patropi, com os x de canto, como em ‘por causa de voxê’”, adianta Marina.

A valorização da alegria e da autoestima negra como ingredientes das canções de Jorge Ben Jor pulsaram forte na elaboração da montagem. “Em 1974 ele já estava cantando que negro é lindo em pleno período da ditadura militar no Brasil. Queremos reivindicar o lugar da alegria enquanto revide ao racismo e as violências de gênero. A trama desse espetáculo é de uma mulher negra descobrindo a si mesma, descobrindo o mundo, pela perspectiva política da alegria. Jorge Ben não tem uma música triste, né? Tem lamento, mas não tristeza. Então a gente caminha junto, lado a lado com ele, e enxerga o quanto isso também é revolucionário. A gente vai sobreviver, a gente vai ser feliz e essa é a nossa maior vingança. Vingar através da alegria que nos mantém de pé”, finaliza Marina.

SINOPSE

Livremente inspirado na música homônima de Jorge Ben Jor, “Magnólia’, narra a fábula sobre uma deusa astronauta que vive na dimensão azul e rosa por entre estrelas e cometas até encontrar um cavaleiro negro, São Jorge. Ele propõe a ela uma missão: descer para a Terra e experimentar o que é ser humana. Na Terra, depois da queda, ela passa por diversas transformações até se tornar uma mulher negra. Neste corpo, ela experimenta o que é essa vivência, com todos os prazeres da sua existência.

Serviço

“Magnólia”

Temporada: 12 de março a 05 de abril de 2026

Horário: Quinta-feira a domingo, às 20h30

– As sessões de sábado contam com interpretação em Libras –

Local: Sesc Copacabana – Espaço Mezanino
Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160 – Copacabana
Contato: (21) 4020-2101

Ingressos: R$ 10 (associado do Sesc), R$ 15 (meia-entrada), R$ 30 (inteira)

Link para ingressos: https://www.ingresso.com/evento/magnolia

Classificação Indicativa: 14 anos
Duração: 90 minutos
Instagram: @vimvermarina

Após uma temporada de grande impacto em São Paulo, marcada por forte adesão do público e ampliação de sessões, o espetáculo “Carmina Burana Ballet” chega agora ao Rio de Janeiro, consolidando sua trajetória como um dos grandes sucessos recentes da dança no Brasil.

A produção será apresentada nos dias 20, 21 e 22 de março de 2026, na Grande Sala da Cidade das Artes, integrando uma circulação nacional que reflete a dimensão artística e o alcance do projeto, com passagem também por Belo Horizonte, nos dias 10 e 11 de abril. Os ingressos estão à venda pelo site da Sympla e na bilheteria local.

A passagem por São Paulo foi impulsionada pela comercialização de mais de 10 mil ingressos entre a pré-venda e as primeiras apresentações, resultado que levou à abertura de sessões extras e à extensão da temporada até 15 de março, no Teatro Liberdade. O desempenho expressivo reforçou o espetáculo como um fenômeno recente no circuito da dança e abriu caminho para sua expansão por outras capitais brasileiras.

Criado a partir da célebre cantata de Carl Orff, “Carmina Burana Ballet” transcende o formato tradicional do balé ao propor uma experiência cênica que mistura dança contemporânea, música, dramaturgia corporal e tecnologia de ponta. O espetáculo incorpora videomapping e projeções de alta qualidade, que dialogam diretamente com o movimento dos intérpretes e ampliam a narrativa visual da obra, criando imagens imersivas e dinâmicas que potencializam os temas universais de destino, desejo, instabilidade e força humana.

A montagem é idealizada pela Vortice Dance Company, uma das companhias mais reconhecidas de Portugal e da Europa, com direção artística e coreografia de Cláudia Martins e Rafael Carriço, nomes de destaque no cenário internacional da dança contemporânea. Reconhecida por sua linguagem autoral e pelo rigor técnico aliado à emoção, a companhia traz ao Brasil um trabalho que já conquistou plateias e crítica em diversos países.

No Brasil, o espetáculo chega com produção da Infinitus, do Grupo IN, liderado pelo produtor e gestor cultural Manuel Fernandes, figura central na internacionalização de projetos artísticos e no intercâmbio cultural entre Europa e Brasil. A produção reafirma o compromisso com projetos de grande escala, excelência artística e diálogo internacional.

Um dos diferenciais da montagem brasileira está também na integração com artistas brasileiros, que passam a ocupar o palco ao lado da concepção europeia da obra. O elenco nacional imprime novas camadas de identidade, potência física e sensibilidade à encenação, reforçando o caráter híbrido do espetáculo — ao mesmo tempo internacional em sua origem e profundamente conectado ao público brasileiro.

No Rio de Janeiro, “Carmina Burana Ballet” encontra um público historicamente atento às grandes experiências estéticas e propõe um encontro arrebatador entre tradição e contemporaneidade, música clássica e linguagem atual, rigor técnico e emoção visceral. Trata-se de um espetáculo que vai além do entretenimento e se afirma como evento cultural, capaz de mobilizar diferentes públicos e reafirmar a força da dança no cenário das grandes produções culturais contemporâneas.

Serviço

Carmina Burana Ballet

Local: Grande Sala – Complexo Cidade das Artes
Endereço: Av. das Américas, 5300 – Barra da Tijuca, Rio de Janeiro – RJ
Datas e horários:
• 20 e 21 de março de 2026 (sexta e sábado), às 20h30
• 22 de março de 2026 (domingo), às 19h
Ingressos: R$ 280 (inteira) | R$ 140 (meia)
Vendas: Site da Sympla e bilheteria física local
Duração: 1h10
Classificação etária: 16 anos

Sobre a Vortice Dance Company

Com direção artística dos coreógrafos Cláudia Martins e Rafael Carriço, a Vortice Dance Company é uma das companhias mais prestigiadas e internacionalmente reconhecidas de Portugal, conhecida pela fusão da dança, artes digitais e performance visual. Suas criações já foram apresentadas em mais de 30 países e distinguem-se pela intensidade física, sofisticação estética e uso inovador de tecnologia em palco.

Entre suas obras destacam-se A Sagração da Primavera, Drácula, Jouska, Soliloquy about Wonderland, Chroma, entre outras. Esta digressão latino-americana conta com o apoio à internacionalização da República Portuguesa – Cultura, Juventude e Desporto / Direção-Geral das Artes.

Sobre o Grupo IN

Essência infinita que incentiva a felicidade

O Grupo IN, liderado pelo produtor e gestor cultural Manuel Fernandes, nasceu em 2014 com o propósito de mover ideias, criar emoções e promover a felicidade por meio da arte.

Reunindo empresas voltadas à gestão cultural, produção e entretenimento, o grupo tem na Infinitus Brasil Entertainment sua principal frente, responsável pela administração do Teatro Liberdade, um dos maiores e mais modernos palcos de São Paulo, com 900 lugares.

Com trajetória iniciada em 2010, quando assumiu a gestão do Teatro Bradesco — modelo de sucesso replicado em nove outros teatros —, Manuel Fernandes fundou a Infinitus em 2015, consolidando sua expertise ao prestar consultoria para espaços como o Theatro Net São Paulo, Theatro Net Rio, Teatro Bangu, Terra da Garoa e Teatro Santander.

Hoje, o Grupo IN é referência nacional em gestão de empreendimentos culturais, unindo tradição, modernidade e responsabilidade social em projetos que valorizam a arte, o público e o diálogo entre a cultura brasileira e internacional.

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A partir de 5 de março, a Sala Multiuso do Sesc Copacabana recebe a temporada carioca de “Memórias para se Transformar em Flor”, espetáculo performático idealizado, dirigido e interpretado pelo artista colombiano Mauricio Flórez. Inédito no Rio de Janeiro, o solo convida o público a decidir, a cada noite, quais memórias e histórias serão reveladas em cena.

Selecionada pelo Edital de Cultura Sesc RJ Pulsar, a montagem propõe uma experiência sensorial que atravessa dança, teatro, luz, música, aromas e objetos espalhados pelo espaço. Livros, flores, sementes e imagens compõem um ambiente interativo no qual as escolhas da plateia definem o percurso dramatúrgico — sempre conduzido à metáfora central: a transformação do corpo em flor.

Corpo, natureza e inteligência vegetal

Radicado no Brasil desde 2012, Mauricio Flórez parte de suas próprias memórias para refletir sobre a relação entre o corpo humano e o universo vegetal. A obra articula mitologia, ciência, botânica e história da arte em 16 “memórias” possíveis, organizadas como núcleos narrativos ativados pelo público.

A estrutura dramatúrgica se divide em dois momentos: um mais narrativo, próximo de uma palestra performática, e outro centrado na dança e na fisicalidade. A proposta valoriza movimentos instintivos e sugere a desaceleração como prática urgente para os corpos do século XXI.

Indicado em 2024 ao Prêmio APCA nas categorias de Melhor Espetáculo e Melhor Interpretação, o trabalho estreou em São Paulo e agora chega ao Rio ampliando o debate sobre a inteligência vegetal e a capacidade de encantamento como ferramenta de conhecimento.

Oficina gratuita amplia a experiência

Além das apresentações, o artista ministra a oficina gratuita “Metamorfoses do Corpo”, nos dias 10 e 11 de março, das 19h às 21h. Voltada a artistas e estudantes de artes cênicas acima de 16 anos, a atividade reúne práticas corporais e referências bibliográficas que cruzam mitologia e pesquisas científicas recentes sobre botânica.

Com 20 vagas disponíveis, a oficina propõe a dança como instrumento pedagógico para cultivar curiosidade e admiração pelo comportamento silencioso e contínuo das plantas.

Sinopse

Espetáculo que entrelaça mitologia e ciência para falar da relação entre o corpo humano e o corpo vegetal. Em cena, 16 objetos iluminados — livros, plantas, imagens e sementes — guardam memórias que, a cada apresentação, são escolhidas pela plateia, conduzindo o performer por um percurso único até a transformação do corpo em flor.

Serviço

“Memórias para se Transformar em Flor”

Data: 05 a 15 de março de 2026
Horário: Quinta a domingo, às 19h
R$ 10 (associado Sesc) | R$ 15 (meia) | R$ 30 (inteira)
Local: Sesc Copacabana – Sala Multiuso
Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160 – Copacabana
Classificação: 12 anos

Oficina gratuita – “Metamorfoses do Corpo”

10 e 11 de março
19h às 21h
20 participantes
Inscrições: leticia@corporastreado.com

O espetáculo Humor do Bonfim é uma celebração do riso construída a partir dos fatos mais comentados da atualidade e das imitações que o público já aprendeu a esperar — e a aplaudir de pé. No palco, o ator e comediante Diogo Bonfim transforma relatos do cotidiano, histórias pessoais e “causos” que chegam até ele em um texto dinâmico, que dialoga diretamente com a plateia.

Entre os momentos mais aguardados estão as imitações do carnavalesco Milton Cunha, da socialite Narcisa Tamborindeguy e da irreverente Márcia Fernandes — que no universo do espetáculo ganha o apelido de “Morta Sensitiva”.

Como “Morta”, Bonfim faz previsões inusitadas para os próximos meses e ainda consulta pessoas da plateia, criando situações espontâneas que elevam o tom de improviso do show. É justamente nessa interação que o espetáculo ganha frescor: nenhuma apresentação é igual à outra.

O repertório de personagens atravessa gerações. O público também reencontra o saudoso Zacarias, revive a acidez de Dercy Gonçalves e acompanha entrevistas conduzidas no estilo refinado de Marília Gabriela — tudo interpretado por Bonfim com ritmo e precisão.

Mais do que um show de imitações, Humor do Bonfim se consolida como uma experiência coletiva. O palco deixa de ser fronteira e se transforma em extensão da plateia. É um encontro direto entre artista e público, onde o riso nasce do reconhecimento: das figuras públicas, das situações do dia a dia e, sobretudo, de nós mesmos.

Ficha Técnica:
Texto e atuação: Diogo Bonfim
Produção: Yago Donato
Classificação indicativa: 14 Anos
Gênero: Comédia
Duração: 60 minutos
Lotação: 177 lugares

Serviço

Humor do Bonfim

Dia: 28 de Fevereiro
Horário: 20h – Sábado
Local: Del’Art (BarraPoint Shopping
Endereço: Av. Armando Lombardi, nº 350, 3º Piso – Barra da Tijuca | Ao lado do metrô Jardim Oceânico

Vendas antecipadas no site: www.sympla.com.br

Pouco depois de um ano e meio, Othon Bastos volta a pisar no palco do Teatro Vannucci, no Rio de Janeiro, tablado que recebeu a primeira apresentação de seu solo “Não me entrego, não!”, patrocinado pela Transpetro, por meio da Lei Rouanet. A disputada peça, que estreou exatamente ali em 14 de junho de 2024, volta à cena em 02 de janeiro de 2026, às 18h, tendo ultrapassado as 200 apresentações e contabilizando 90 mil espectadores em cidades como São Paulo, Brasília, Recife, Fortaleza, Belo Horizonte, Porto Alegre, Salvador, Vitória, São José dos Campos, Nova Friburgo, Santo André, São Caetano, Guarulhos, Franca, Angra dos Reis, Bauru, Niterói, Taubaté… Recentemente, a montagem proporcionou ao veterano um retorno a Tucano (BA), sua cidade natal, onde Othon não pisava há mais de 80 anos. Com texto e direção de Flávio Marinho e produção da Gávea Filmes, o espetáculo poderá ser assistido às sextas-feiras e sábados às 18h e aos domingos às 16h até o dia 1º de fevereiro.

Perpassando situações memoráveis ao longo dos 74 anos de carreira do grande ator, dentre tantos méritos do espetáculo estão as láureas recebidas, como o Prêmio Inspira Rio 2025, que o honrou com a categoria Cultura; o Prêmio Arcanjo 2025, como Vencedor Especial; o Prêmio Shell, que reconheceu Othon como Melhor Ator de 2024. O mesmo aconteceu no 19º Prêmio APTR de Teatro, onde o veterano levou o prêmio de Melhor Ator Protagonista, enquanto Flávio Marinho ganhou como Melhor Autor e a Gávea Filmes como Melhor Produção de Teatro Não-Musical. Somam-se a eles o Prêmio FITA (Festa Internacional de Teatro de Angra), que laureou Flávio Marinho na categoria Melhor Autor e Othon Bastos com o Prêmio Oficial do Júri. A dupla foi ainda homenageada na 1ª edição do Prêmio Arte e Longevidade Rio 2024 e Othon levou também o prêmio Cariocas do Ano 2024 da revista Veja Rio na categoria Teatro. 

Desde a estreia da peça, Othon tem esbanjado entusiasmo, bom humor e uma incrível disposição em cena. Trabalhando sem parar aos 92 anos, é ele o primeiro a questionar quando o intervalo entre as apresentações fica mais espaçado. Para o ator, estar em cena é uma injeção de ânimo que estimula ainda mais a vitalidade – dele e da peça, que seguirá circulando ao longo de 2026, seguindo em busca de novos palcos para contar essa história de vida e arte que vem emocionando o público por onde quer que passe. 

“É com o maior orgulho e alegria que eu vejo o sucesso nacional da peça. Mais de um ano e meio em cartaz contando a história de vida de um ator que se confunde com a história do Brasil. Ver Othon fazendo o povo rir – e rindo de si mesmo – é um privilégio único”, observa Flávio Marinho, que vibra com o retorno da montagem. Aliás, quando ele recebeu um calhamaço de escritos que Othon deixou sob sua diligência, confiada pela amizade de décadas dos dois, nenhum deles imaginava que o solo elaborado sob minuciosa pesquisa, posteriormente escrito e dirigido por Marinho levando em conta os principais acontecimentos da existência de Othon, seria o celebrado sucesso de público e crítica que se transformou “Não me entrego, não!”. Com a experiência de quem criou muitos tipos e começou histórias diversas tantas vezes ao longo da vida, o ator Othon Bastos repete o gesto com frescor e números expressivos. 

Considerado o maior ator brasileiro vivo, Othon possui uma carreira de títulos marcantes no cinema (“Deus e o Diabo na Terra do Sol”, de Glauber Rocha) e no teatro (“Um grito parado no ar”, de Gianfrancesco Guarnieri) que são relembrados em cena, propondo uma reflexão sobre cada momento da sua trajetória. É o mural de uma vida dividido em blocos temáticos – trabalho, amor, teatro, cinema, política, etc – cujas reflexões envolvem citações e referências de alguns dos autores mais importantes do mundo. A peça é uma lição de vida e de resiliência, de como enfrentar os duros obstáculos que se apresentam em nossa existência – e como superá-los.

Com a missão de converter tantas lembranças e histórias, Flávio Marinho precisou condensar os anos de vivência do veterano ator em alguns minutos de espetáculo teatral. “À primeira vista, o que temos é o próprio Othon Bastos em cena contando histórias divertidas e dramáticas da sua vida pessoal e profissional. Isto seria, digamos, o esqueleto dramático da peça. Só que este esqueleto é recheado de diversas reflexões, frutos imediatos do tema abordado por Othon. Por exemplo, depois que ele encontra o amor da vida, com quem está casado há 60 anos, o texto passa a refletir o sentimento do amor através de diversas referências e citações”, adianta o autor e diretor.

“É um momento único, mesmo: meu primeiro monólogo e sobre a minha própria vida. É uma experiência muito forte eu ter que ser o meu próprio centro em cena. Mas não trazemos nenhuma lembrança amarga, apenas as alegres e divertidas, para levar curiosidades que vivi ao longo desses anos todos ao público, que saberá o que se passa com um ator – que é uma pessoa comum. Mas, quando se recebe um dom como esse, você tem a capacidade de doar o que recebeu. Então é isso que eu quero, me doar – e que as pessoas me leiam. Quero que elas vejam quem eu sou e como sou”, finaliza Othon Bastos.

Serviço

“Não me entrego, não!”

Temporada: 02 de janeiro a 1º de fevereiro de 2026
Horário: Sexta-feira e Sábado, às 18h; Domingo, às 16h
Local: Teatro Vannucci
Endereço: Rua Marquês de São Vicente, 52 / 3º andar – Shopping da Gávea
Tel.: (21) 2274-7246
Classificação Indicativa: 12 anos
Duração: 90 minutos

Ingressos Plateia: R$ 75 (meia-entrada) / R$ 150 (inteira)
Ingressos Balcão: R$ 25 (meia-entrada) / R$ 50 (inteira)
Link de Compra do Ingresso:  https://bileto.sympla.com.br/event/114039/d/353405 

Instagram: @othonbastosnoteatro

O musical Wicked – A História Não Contada das Bruxas de Oz desembarca no Rio de Janeiro no segundo semestre deste ano com oito marcas parceiras. O espetáculo é apresentado pelo Ministério da Cultura e realizado por meio da Lei Rouanet, lei de incentivo a projetos culturais. A produção é do Instituto Artium de Cultura, em coprodução com o Atelier de Cultura. O espetáculo conta com o patrocínio da Bradesco Seguros, Volkswagen, PRIO e Alelo, além do apoio da Eurofarma e Unisys, Sympla e Linha Bruna Tavares.

Em sua terceira montagem inédita no país, Wicked será exibido no Cidade das Artes Bibi Ferreira, na Barra da Tijuca, a partir de 15 de julho, após grande sucesso em São Paulo, no Teatro Renault, entre março e dezembro de 2025.

“Nas duas primeiras temporadas, em 2016 e 2023, meio milhão de pessoas já tinham assistido a Wicked em São Paulo. No ano passado, foram mais 500 mil. Enfim, conseguimos unir forças e atender uma demanda, que já é antiga, do público carioca. Vai ser a realização de um sonho para nós e para os fãs de Wicked”, diz Carlos Cavalcanti, presidente do Instituto Artium de Cultura.

O patrocínio das marcas, segundo Cleto Baccic, coprodutor e presidente do Atelier de Cultura, é fundamental para a viabilização de grandes projetos culturais como Wicked. “Trazer o musical ao Rio de Janeiro é a realização de um sonho que só foi possível graças ao mecanismo de incentivo do Ministério da Cultura, a Lei Rouanet, e à confiança das marcas parceiras, que acreditaram no poder de transformação social e impacto midiático dessa superprodução nunca antes vista no Rio”, destaca Baccic.

Pedro Romani, diretor de operações do Instituto Artium de Cultura, destaca a importância da associação entre os patrocinadores e as grandes produções como estratégia eficaz de comunicação. “O teatro musical oferece às marcas a oportunidade única de se conectar com o público por meio de boas histórias contadas ao vivo. Wicked promove muito mais do que visibilidade: é uma plataforma poderosa de live marketing e relacionamento para seus patrocinadores.”

Estrelado por Myra Ruiz (Elphaba) e Fabi Bang (Glinda), Wicked conta a história de amizade, empoderamento e amor retratada no romance de Gregory Maguire. O musical revela a história não contada das bruxas de Oz, muito antes da Dorothy chegar ao mundo governado pelo poderoso Mágico, com texto de Winnie Holzman e músicas e letras de Stephen Schwartz.

A produção brasileira é reconhecida pela inovação técnica, com destaque para os sistemas de voo, os efeitos de ilusionismo e a projeção de conteúdo especialmente criado para o espetáculo. O “icônico” voo de Elphaba, no final do primeiro ato, é apontado como o ponto alto das inovações introduzidas pela produção local, segundo a Playbill, referência na cobertura da cena teatral da Broadway, em Nova York.

Os ingressos para a temporada de Wicked no Rio de Janeiro já estão à venda na Sympla e na bilheteria oficial da Cidade das Artes Bibi Ferreira.

Acompanhe o espetáculo

Site: wickedbrasil.com
Instagram: instagram.com/wickedbrasil
TikTok: tiktok.com/@wickedbrasiloficial

Serviço

WICKED – O MUSICAL

Apresentado por Ministério da Cultura

Patrocínio: Bradesco Seguros, Volkswagen, PRIO e Alelo
Apoio: Eurofarma e Unisys
Plataforma Oficial de Vendas: Sympla
Maquiagem Oficial: Linha Bruna Tavares
Coprodução: Atelier de Cultura
Realização: Instituto Artium de Cultura, Ministério da Cultura e Governo Federal

Sessões

Quarta-feira, 20h00
Quinta-feira, 20h00
Sexta-feira, 20h00
Sábado, 15h00
Sábado, 19h30
Domingo, 14h00
Domingo, 18h30

Ingressos: de R$ 50 a R$ 400
Local: Cidade das Artes Bibi Ferreira – Av. das Américas, 5300 – Barra da Tijuca, Rio de Janeiro – RJ, 22793-080
Classificação Indicativa Etária: Livre. Menores de 12 anos devem estar acompanhados dos pais e/ou responsáveis legais.
Duração: 180 minutos com 15 minutos de intervalo

CANAIS DE VENDA OFICIAIS

BILHETERIA ONLINE: https://bileto.sympla.com.br/event/114663/d/356563

BILHETERIA FÍSICA – SEM TAXA DE CONVENIÊNCIA

Bilheteria da Cidade das Artes Bibi Ferreira – Av. das Américas, 5300 – Barra da Tijuca, Rio de Janeiro – RJ, 22793-080. Horário de funcionamento: Terça-feira a domingo das 13h às 19h. Em dias de espetáculo das 13h até 30 min após o início da sessão.

SOBRE OS PRODUTORES

O Instituto Artium de Cultura e o coprodutor Atelier de Cultura são referência no mercado de entretenimento ao vivo tanto entre espectadores quanto para as marcas pela qualidade técnica e artística de suas produções de padrão internacional. Desde 2013, os produtores trouxeram ao Brasil importantes títulos do teatro musical internacional, como “A Madrinha Embriagada”, “O Homem de La Mancha”, “A Noviça Rebelde”, “Annie”, “Billy Elliot”, “Escola do Rock” e “Charlie e a Fantástica Fábrica de Chocolate”. Em 2022, o Atelier de Cultura realizou o “Evita Open Air”, com a maior estrutura já construída para teatro musical no Brasil, a céu aberto, no Parque Villa-Lobos. Suas últimas coproduções foram “Wicked – A História Não Contada das Bruxas de OZ”, com temporadas completamente esgotadas, no Teatro Santander (2023) e no Teatro Renault (2025), “Cantando na Chuva”, no Teatro Sérgio Cardoso, “Legalmente Loira”, no Teatro Claro MAIS SP, e “Shakespeare Apaixonado”, no 033 Rooftop, todos em São Paulo.

Em janeiro, o Centro Cultural do Banco do Brasil Rio de Janeiro (CCBB Rio), realiza o espetáculo “Las Choronas”, com elenco formado por artistas de importantes coletivos teatrais de Belo Horizonte – Pigmalião Escultura que Mexe, Cia 5 Cabeças e Mulher que Bufa. A peça possui dramaturgia crítica instigante, pensada para provocar o público transitando entre o teatro do absurdo e o surrealismo, tratando de temas bem contemporâneos. A temporada em palcos cariocas, após sucesso na capital mineira no ano de 2025, será de 08 de janeiro a 8 de fevereiro de 2026, de quinta a domingo – de quinta a sábado às 19h, e aos domingos às 18h . A peça é apresentada pelo Ministério da Cultura e conta com investimento do Banco do Brasil por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura (Lei Rouanet).

Com dramaturgia assinada e dirigida por Byron O’Neill, nome de destaque da cena mineira contemporânea, criada para ser construída de maneira colaborativa, a partir de improvisações dirigidas, partituras gestuais, fragmentos poéticos, fábulas e notícias de jornal, a montagem possui  referências fortíssimas em trabalhos com temática surrealista, como os do cineasta norte-americano David Lynch (Mulholland Drive), e no teatro do absurdo, presente em obras do dramaturgo Samuel Beckett (Esperando Godot). No palco, o elenco manipula bonecos e também é manipulado por eles, em um jogo visual desafiador, chamando a atenção do público para as fronteiras entre humano e objeto, entre som e gesto, entre ouvir e ver.

Segundo O’Neill, “não é uma peça linear, com princípio, meio e fim, é uma peça que traz provocações necessárias para a nossa contemporaneidade, tratando de assuntos como amor, identidade, abandono, marginalidade e é também uma crítica política, diante do atual cenário nacional e mundial e a busca por sentido em tudo isso”, afirma o dramaturgo e diretor do espetáculo.

A montagem conta com o intérprete de Libras e Libras musical e bailarino Uziel Ferreira, o que proporciona uma linguagem dramatúrgica central para além do recurso de tradução e propõe, ainda, uma experiência sensorial e acessível, que integra teatro de bonecos, dança, música, concebida aqui como linguagem dramatúrgica central. Juntos eles transformaram a cena vencedora e mais votada do Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto 2022 em um espetáculo teatral de aproximadamente 60 minutos.

Ainda segundo Byron, “incluir Libras no espetáculo, foi pensado para ser também uma expressão do que acontece em cena para pessoas não ouvintes. O intérprete está integrado à cena, e os demais artistas dançam em diálogo com sua expressão corporal e linguística, transformando a Libras em matéria coreográfica e poética, também”.

Sinopse

Nothing to be done.Nada a fazer. Esto es una grabación. Não há banda! E assim mesmo escutamos o nada. Se quiserem ouvir um alfinete, ouçam! Um choro de bebê tocando cuíca… Ouçam, ouçam o som da cuíca tocada pelo bebê que chora. No hay nene! There is no baby! Apenas lágrimas e Las Choronas. Don’t worry, this too shall pass. Mañana vai ser outro dia.

Sobre Las Choronas

O nome Las Choronas Companheiras Teatrais vem do encontro de pessoas que fazem teatro há muito tempo, mas não haviam trabalhado juntas. Essa é a primeira vez que as companhias Pigmalião Escultura que Mexe, Cia 5 Cabeças e Mulher que Bufa se unem para um espetáculo inédito. Outra explicação para o nome  Las Choronas vem da cena curta, no qual o espetáculo é baseado. Ela é referenciada numa cena do filme Mulholland Drive, onde a atriz Rebeca Del Rio aparece cantando a música “Llorando”

O espetáculo também conta com uma cena em que as duas meninas, Liz e  Carol, são manipuladas pela Aurora, “aí eu brinco que elas são as choronas, que são as bonecas manipuladas”, brinca Byron O’Neill, diretor e dramaturgo.

Ainda de acordo com O’Neill, a mistura de idiomas durante o espetáculo se dá devido à quantidade de atores que se apresentam fora do Brasil, além de atores estrangeiros que fazem parte das companhias, como, por exemplo, Aurora, que é italiana, fala português e francês, além do seu idioma nativo.

“Essa mistura de idiomas foi uma coisa natural, não foi de propósito, mas ela foi tomando conta da dramaturgia e eu não tive como escrever apenas em português e também tem uma mistura com a Libras. É uma peça em que, às vezes, a pessoa que é ouvinte não entende absolutamente tudo o que está sendo dito, por isso tem momentos em que ela é dita que a peça acontece apenas em Libras, em outros momentos que a peça está sendo dita em italiano e temos tradução para Libras mas que não temos tradução para o português, por exemplo”, explica O’Neill.

Realização: Governo do Brasil e Centro Cultural Banco do Brasil

Agradecimentos: Galpão Cine Horto, Márcio Miranda, Matheus Carvalho, Paula Ribas, Marlene Imaculada Cota, O’Neill Byron, Clarissa Amorim Hortélio, Gustavo Djalva, Márcio Gouvea, Carô Rennó, João Corgozinho, Iara, Lira e Lucca.

SERVIÇO

“Las Choronas”

Teatro II

Temporada: 08 de janeiro a 08 de fevereiro de 2026
Quinta-feira a sábado às 19h e domingos às 18h

Classificação Indicativa: 12 anos
Duração:60 minutos

Ingressos à venda na bilheteria física e site do CCBB
Inteira: R$ 30 | Meia-entrada: R$ 15
Estudantes, maiores de 65 anos, demais beneficiários de leis de acesso e usuários de cartões Banco do Brasil pagam meia-entrada.

Centro Cultural Banco do Brasil

Rua Primeiro de Março, 66 – Centro – Rio de Janeiro – RJ
Tel. (21) 3808-2020 | ccbbrio@bb.com.br
Informações sobre programação, acessibilidade, estacionamento e outros serviços:  bb.com.br/cultura

Confira a programação completa também nas redes sociais: x.com/ccbb_rj | facebook.com/ccbb.rj | instagram.com/ccbbrj | tiktok.com/ccbbcultura

Funcionamento: De quarta a segunda-feira, das 9h às 20h (fecha às terças-feiras).

Atenção: Domingos, das 8h às 9h – horário de atendimento exclusivo para visitação de pessoas com deficiências intelectuais e/ou mentais e seus acompanhantes, conforme determinação legal (Lei Municipal nº 6.278/2017)