Luquinhas apresenta, lançou hoje (16), seu novo single, “Coração Solteiro”, uma parceria com Suel, que reúne romantismo, identificação e aquele tipo de refrão feito para ser cantado junto. A faixa integra o projeto audiovisual “Diazão”, gravado em maio deste ano, e chega às plataformas digitais acompanhada de clipe com imagens da apresentação ao vivo.

Com uma sonoridade que passeia pelo pagode romântico, terreno no qual os dois artistas encontram forte sintonia, “Coração Solteiro” fala sobre uma história que terminou, mas deixou um dos lados emocionalmente preso ao que viveu. Entre saudade, recaídas e mensagens enviadas nos momentos de carência, a música retrata a dificuldade de aceitar que a outra pessoa já seguiu em frente, quando o próprio sentimento ainda permanece.

A participação de Suel torna o lançamento ainda mais especial para Luquinhas. Fã do cantor e de sua trajetória no pagode, o artista celebra a oportunidade de dividir uma música que conversa diretamente com a identidade musical dos dois.

“Sou fã do Suel e, ter ele comigo em ‘Coração Solteiro’, tornou essa música ainda mais especial. É um pagode romântico, com uma letra que fala de sentimento de um jeito muito verdadeiro. Desde a gravação do Diazão eu estava muito feliz com esse encontro e agora estou ansioso para o público ouvir e cantar com a gente”, conta Luquinhas.

A química entre os artistas também aparece no registro audiovisual. Gravado ao vivo durante o “Diazão”, em maio de 2026, o clipe leva para as telas a atmosfera do encontro e a energia da apresentação que reuniu Luquinhas e Suel no palco.

Composta por Gui Glória, Weslley Dias, Anderson Ovo, Jorginho Filho e o próprio Luquinhas, “Coração Solteiro” dá sequência aos lançamentos do projeto “Diazão” e reforça uma fase em que o artista aposta em novas músicas, grandes encontros e na essência do pagode que sempre esteve presente em sua trajetória.

“Coração Solteiro”, de Luquinhas, participação com Suel, estará disponível em todas as plataformas digitais a partir de 9 de outubro, com lançamento simultâneo do clipe.

Sos é cria de Campo Grande, na Zona Oeste do Rio, e muito do repertório que construiu por ali segue aparecendo em suas rimas. Basquete, futebol, filmes e as referências da rua dividem espaço nas letras de um rapper que completa 10 anos de trajetória em 2026 e acaba de iniciar um novo capítulo da carreira: o artista assinou contrato com a gravadora 1Kilo e lançou “Placebo”, sua estreia no projeto Studio Rec.

A relação com a música começou ainda em Campo Grande, onde Sos cresceu também apaixonado pelo basquete. Para ele, rap e esporte sempre fizeram parte de universos próximos, mas chegaram à sua vida de forma independente.

“Eu sempre amei basquete e sempre amei rap. São duas coisas que fazem parte da minha vida e que naturalmente acabam sendo abraçadas pela mesma galera, estão dentro de um universo muito próximo. Essa conexão entre os dois existe e é inegável, mas, no meu caso, não foi uma coisa que levou à outra. Eu realmente amo os dois”, conta.

É principalmente na ideia de superação que Sos enxerga o ponto de encontro entre os dois. Mais do que o jogo em si, o rapper se identifica com a dedicação de quem treina, se prepara e busca constantemente evoluir: “Para mim, eles se encontram muito na ideia de superação. Não necessariamente no esporte em si, mas na figura do atleta, de quem se dedica, treina e coloca todo o esforço em alguma coisa para vencer. Quando eu consigo transformar isso em palavras, quem está vivendo essa busca também consegue se identificar. Acho que essa vontade de evoluir e vencer aproxima muito os dois universos.”

Não por acaso, referências a Michael Jordan, NBA e All-Star já apareceram em diferentes músicas do artista. Mas Sos explica que elas não são colocadas de forma calculada. Fazem parte do mesmo repertório pessoal que inclui cinema, futebol e outras referências que acumulou ao longo da vida.

“Todo mundo tem o seu próprio repertório e é a partir dele que encontra a melhor forma de se expressar e se conectar com as pessoas. Nas minhas músicas tem muita referência de basquete, mas também de filmes, futebol e de várias outras coisas que fazem parte da minha vida. Está tudo comigo, então acaba aparecendo nas rimas sem precisar forçar.”

Do Botafogo para a música

Outra paixão que atravessa a trajetória de Sos é o Botafogo. Além de citar o clube em suas letras, o rapper participou de “Embalado”, faixa oficial do time, em um projeto no qual também esteve envolvido na direção criativa e na articulação entre os artistas.

“Acho que todo botafoguense fanático encontra uma forma de fazer esse amor ultrapassar o limite do esporte. No meu caso, foi através da música. O Botafogo faz parte de mim e naturalmente acaba aparecendo no meu trabalho”, conta.

A participação em “Embalado”, segundo ele, teve um peso ainda maior justamente por permitir que o torcedor e o profissional se encontrassem: “Meu lado torcedor ficou feliz demais, quase chorei. E não foi só por participar da música. Eu também fiz a direção criativa do projeto, ajudei a aproximar os artistas, fiz o primeiro contato com o Mãolee e apresentei a ideia para fazer aquilo acontecer junto ao Botafogo. Depois veio o processo de chamar os artistas, juntar todo mundo e ver outros projetos surgindo a partir daquela ideia. Foi muito maneiro viver tudo isso.”

Dez anos depois, uma nova fase

Aos 10 anos de carreira, Sos chega a 2026 com uma nova estrutura por trás do trabalho. O rapper acaba de entrar oficialmente para o time da gravadora 1Kilo, com quem mantém uma relação que começou muito antes da assinatura do contrato. Ao longo da trajetória, já dividiu faixas da gravadora como “Fluxo”, “Verdades”, “Acreditar de Novo” e “Fita de Milhão”.

“Não poderia ser melhor para mim, tanto pessoal quanto profissionalmente. Primeiro pela liberdade artística, que é plena, e também porque minha relação com a 1Kilo vem de muitos anos. A gente já era amigo muito antes da minha carreira ganhar atenção e das minhas músicas começarem a chegar a mais gente. Já existia esse carinho, essa relação de irmão”, declara o rapper.

Para Sos, oficializar a parceria agora é consequência de uma história construída em paralelo. “Eu acompanhei o crescimento da gravadora 1Kilo de fora, eles tambem possuem 10 anos de estrada, e agora vou poder viver isso de perto. Isso me deixa ainda mais confiante no que estou fazendo. Talvez já fosse para essa parceria ter acontecido antes, mas as coisas também precisam acontecer no tempo certo. E acho que esse é o nosso momento.”

A estreia dessa fase é “Placebo”, single já disponível nas plataformas digitais e no YouTube. Na música, Sos questiona uma indústria guiada por números, status, reconhecimento e repetição de fórmulas. Logo nos primeiros versos, avisa: “Sos é o Sos / Não tô pra ser Mano Brown / Não tô pra ser Marighella”.

A crítica passa principalmente pela perda de identidade que ele enxerga em parte da produção atual.

“Acho que o principal é a falta de identidade artística, e a falta de conteúdo acaba sendo uma consequência disso. É mais simples do que parece e também não acho que exista um único culpado. Isso passa pela gente como artista, pelo ouvinte e por uma série de coisas que vão se desencadeando dentro da indústria.”

“Placebo”, segundo Sos, nasceu justamente dessa percepção, mas sem a intenção de criar uma música a partir de uma fórmula ou de um discurso previamente definido. “Eu nunca busquei fórmula para fazer a minha música, então colocar isso no som aconteceu de uma maneira muito natural. Eu me deixei levar pelo que estava pensando e pela atmosfera que o beat me entregou.”

Depois de uma década, ele diz que a essência daquele artista que começou em 2016 continua a mesma. O que mudou foi o repertório e a maneira de transformar suas referências em música: “O que evoluiu foram as minhas formas de fazer música. Ao longo desses 10 anos, fui descobrindo outras maneiras de criar e hoje gosto de todas elas. Acho que esse é justamente o momento de mostrar essa versatilidade. O tempo também ajuda a filtrar melhor o que a gente quer falar, o que precisa falar e até o que não precisa. Mas é música da margem, então tem hora para fazer de tudo. Essa liberdade é justamente a graça”, finaliza.

Sos integra agora o Studio Rec, projeto da gravadora 1Kilo dedicado a lançamentos solo de artistas contratados. Além dele, fazem parte da iniciativa nomes como Novato, D6, Zekk, Harley MC, Frajadx, Guimacê, Madu, Dayle, Trem Caro, IGÊ, BLT e DK.

“Placebo” (Studio Rec #13) – Sos, 1Kilo

Ouça aqui: ADA.lnk.to/PlaceboStudioRec13
Assista aqui: https://www.youtube.com/watch?v=10GaR4AZfGc
Acompanhe o artista: https://www.instagram.com/sosprj?stkn=aHdyZTRnOTRkbTVi

Sobre a gravadora 1Kilo

Com 10 anos de trajetória, a gravadora 1Kilo é uma das precursoras do rap acústico no Brasil e acumula números expressivos: mais de 2,3 bilhões de visualizações no YouTube, 6,7 milhões de inscritos no canal e cerca de 10 milhões de ouvintes mensais nas plataformas de música, com alcance em 178 países.

Com turnês pela Europa e por todo o Brasil, a 1Kilo também coleciona marcos no streaming. Foi apontada como o terceiro grupo mais ouvido pela Billboard em 2018 e o hit “Deixe-Me Ir” aparece no Top10 músicas mais escutadas da década no Brasil no Spotify (2014-2024). A faixa também se tornou o primeiro single de rap do país a receber a certificação Triplo Diamante.

Atualmente, a gravadora soma 30 certificações, entre Diamante, Platina e Ouro, e segue como referência para uma nova geração do rap brasileiro.

Instagram: https://www.instagram.com/1kilorec/
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UC4MBNNxjyabOfYxKC1whveg
TikTok: https://www.tiktok.com/@1kilorecords
Facebook: https://www.facebook.com/1Kilorec
X: https://x.com/1KiloOficial

A SalDoce inicia uma nova etapa de sua trajetória com o lançamento de “Inofensiva Flor”, seu segundo álbum de estúdio, que chega ao público em 20 de agosto. O trabalho reúne dez músicas e amplia a proposta artística construída por Brenda Luce, Fernanda Francis e Marianna Eis, trio que tem como uma de suas principais características a combinação entre referências da MPB e do pop, além do destaque dado às harmonias vocais.

O novo projeto também marca uma mudança na maneira de apresentar as canções. “Inofensiva Flor” foi concebido como um álbum audiovisual, com videoclipes produzidos especialmente para acompanhar as músicas e ampliar, por meio das imagens, os diferentes sentimentos e situações presentes na narrativa do disco.

O próprio nome do álbum ajuda a apresentar a ideia que conduz o trabalho. “Inofensiva Flor” vem da primeira faixa, “Fera Domesticada”, e estabelece desde o início a relação entre características que podem parecer opostas, mas que convivem na identidade proposta pela SalDoce.

“Inofensiva Flor representa justamente essa liberdade de ser muitas coisas ao mesmo tempo: sensível e forte, leve e intensa, romântica e visceral. ‘Inofensiva Flor’ é sobre não precisar escolher entre essas versões de nós mesmas.”

A partir dessa perspectiva, as dez faixas percorrem diferentes experiências e sentimentos. O álbum passa pelo romance, desejo, autoconhecimento, relacionamentos, liberdade e enfrentamento do preconceito, construindo uma sequência em que cada música apresenta uma faceta diferente dessa proposta.

Música e imagem caminham juntas

A dimensão visual é parte essencial do projeto. Os videoclipes foram desenvolvidos para acompanhar a identidade de cada faixa e utilizam elementos como cenários, figurinos, fotografia e movimento para criar uma extensão visual das músicas.

A direção é de Fernando Duarte, com direção artística de Renan Andrade, direção de arte de Camila Lavrado, direção de movimento de Clarissa Barbio e produção executiva de Paulo Moreira.

A abertura fica por conta de “Fera Domesticada”, faixa que apresenta o conceito do álbum a partir da imagem de uma mulher que reúne delicadeza, autonomia, coragem e força. A música estabelece a atmosfera que será desenvolvida ao longo do restante do trabalho.

“Ego Temperado” apresenta uma abordagem mais descontraída. A faixa explora, com leveza e humor, situações envolvendo vaidade, sedução e os excessos presentes em determinadas relações.

Em “Planos”, o trio se volta para o romantismo e para a disposição de acreditar novamente no amor. A canção aborda a possibilidade de construir uma trajetória ao lado de outra pessoa e a coragem necessária para se permitir viver esse sentimento.

“Dançar com a Vida” trabalha a relação com os acontecimentos inesperados. A música parte da ideia de que nem todos os caminhos podem ser previstos ou controlados e propõe uma maneira mais leve de lidar com as mudanças e continuar seguindo.

Já “O Que Sobra” fala sobre um relacionamento que se desenvolve sem impor limites à individualidade. A faixa valoriza os encontros capazes de transformar a vida sem exigir que uma pessoa deixe de ser quem é.

Relacionamentos, vulnerabilidade e desejo

“Invencíveis” apresenta uma visão mais madura sobre os relacionamentos. A música associa a força de um casal à capacidade de permanecer junto mesmo diante das dificuldades e das incertezas.

“A gente gosta muito dessa ideia de que somos invencíveis não porque nada pode nos atingir, mas porque existe uma força que permanece mesmo quando tudo ao redor parece estar um grande caos.”

Na sequência, “Visceral” mergulha em uma questão relacionada à cobrança que muitas mulheres enfrentam para demonstrar força continuamente. A faixa aborda a importância de reconhecer fragilidades e limites, colocando a vulnerabilidade também como uma forma de coragem.

“Cravo e Canela” muda novamente a atmosfera e recupera a sensação característica dos primeiros encontros. A música explora a descoberta de uma nova paixão, combinando desejo, delicadeza e aquela expectativa que acompanha o início de uma relação.

“Não Sento à Mesa” ocupa um lugar importante dentro da trajetória de divulgação do álbum. Apresentada anteriormente no primeiro ato do projeto, a música traz um posicionamento explícito da SalDoce contra o preconceito, com atenção especial à homofobia.

A produção utiliza diferentes elementos sonoros e vocais para reforçar a mensagem da composição. A faixa também retoma um aspecto presente na trajetória do trio: o amor como elemento central de sua expressão artística e como referência para o posicionamento diante de situações de intolerância.

O encerramento fica com “Na Pele”, canção que trata o amor como uma experiência que antecede muitas vezes a própria compreensão racional. A música fala de sentimentos que permanecem registrados nas lembranças, no corpo e nas experiências vividas.

Nova sonoridade para o trio

A produção musical de “Inofensiva Flor” ficou a cargo de Ricardo Rodrigues. O trabalho aposta em instrumentos acústicos, músicos em estúdio e arranjos desenvolvidos para destacar as particularidades de cada composição.

A escolha acompanha a intenção do trio de apresentar uma sonoridade que represente o momento atual da SalDoce, mantendo elementos já associados à identidade das artistas enquanto incorpora novas direções musicais.

“Buscamos uma sonoridade que representasse essa nova fase da SalDoce, com músicos de verdade tocando e uma presença forte de instrumentos acústicos. Os arranjos foram pensados para valorizar cada música, criando uma sonoridade viva, que tivesse a nossa identidade, mas que também mostrasse para onde estamos caminhando agora.”

Com dez faixas e uma proposta que integra música e audiovisual, “Inofensiva Flor” amplia o repertório da SalDoce e apresenta uma fase em que diferentes experiências femininas, afetivas e pessoais são exploradas por meio de canções que transitam entre a delicadeza e a intensidade.

Faixas de “Inofensiva Flor”

1. Fera Domesticada
2. Ego Temperado
3. Planos
4. Dançar Com a Vida
5. O Que Sobra
6. Invencíveis
7. Visceral
8. Cravo e Canela
9. Não Sento à Mesa
10. Na Pele

O cantor, compositor e poeta Sylvio Fraga será a atração de encerramento da temporada da ocupação artística realizada por Sergio Krakowski e Bernardo Ramos no Recipiente Porongo, em Botafogo, na zona sul do Rio de Janeiro. A apresentação acontece no dia 21 de agosto e propõe um encontro baseado na improvisação, na criação coletiva e na exploração de novas possibilidades sonoras em tempo real.

Os ingressos custam R$ 35 e estão à venda pela Sympla. O show encerra uma série de encontros que reuniu, ao longo dos últimos meses, diferentes artistas ligados à Gravadora Rocinante, criando um espaço de experimentação entre a canção, a música instrumental e outras linguagens.

A proposta da ocupação é justamente abrir espaço para apresentações que não estejam limitadas por formatos pré-estabelecidos. Em cada noite, os convidados levam suas próprias referências e dialogam com Sergio Krakowski e Bernardo Ramos, fazendo com que cada apresentação tenha características próprias.

“A ideia é criar um espaço onde a música possa acontecer de maneira aberta, sem fórmulas pré-definidas, permitindo que improvisação, composição e diferentes linguagens convivam naturalmente”, explica Bernardo Ramos.

Sergio Krakowski destaca que a presença de cada convidado transforma a experiência do encontro. “Cada convidado traz um universo próprio e isso transforma completamente a experiência de cada apresentação”, afirma.

Trajetória marcada por experimentação

Carioca, Sylvio Fraga estreou em disco em 2012, com “Rosto”, trabalho marcado por amplas seções instrumentais, imprevisibilidade rítmica e uma abordagem próxima do jazz.

Três anos depois, lançou “Cigarra no Trovão”, álbum que aprofundou essa pesquisa sonora e levou o artista a percorrer cerca de 20 cidades dos estados do Rio de Janeiro, São Paulo e Minas Gerais. A turnê também contou com apresentações realizadas sobre um caminhão-palco.

Em 2019, Sylvio lançou “Canção da Cabra”, resultado de uma parceria com o maestro Letieres Leite. O trabalho se tornou um dos encontros de destaque da música instrumental brasileira recente, aproximando diferentes referências e caminhos de criação.

Já em “Robalo Nenhum”, de 2022, seu quarto álbum, a influência da percussão afro-baiana aparece incorporada à sua produção musical e à construção de suas canções.

A trajetória ganhou ainda um novo capítulo em 2024, quando Sylvio formou o trio Mocofaia, ao lado do percussionista Luizinho do Jêje e do pianista Marcelo Galter. O projeto aposta em uma sonoridade afro-brasileira atravessada por experimentações e novas possibilidades musicais.

Além do trabalho como artista, Sylvio Fraga também atua como coprodutor de discos de nomes como Marcelo Galter, Bernardo Ramos, Erika Ribeiro, Letieres Leite e Jards Macalé.

Canção e poesia no encerramento

No Recipiente Porongo, o artista pretende reunir diferentes aspectos de sua produção. A apresentação será construída a partir do diálogo entre canção e poesia, duas linguagens que fazem parte de sua trajetória.

O formato também está alinhado à proposta da ocupação, que busca aproximar artistas de diferentes vertentes da música brasileira contemporânea e criar situações em que composição, improvisação e experimentação possam se encontrar diante do público.

A apresentação de Sylvio Fraga será o último encontro da temporada, que começou em maio e recebeu artistas como Erika Ribeiro, Marcelo Galter, Reinaldo Boaventura, Bruno Aguilar, Ilessi, Rafael Macedo e Thiago Amud.

Ao longo da programação, a ocupação reuniu nomes ligados a diferentes campos da música brasileira, mantendo como fio condutor a liberdade criativa e o diálogo entre artistas.

Com a apresentação de Sylvio Fraga, a temporada chega ao fim reforçando justamente essa proposta: transformar o palco em um espaço de encontro e descoberta, no qual a música possa ser construída também a partir do improviso e da interação entre os artistas.

Serviço

Ocupação Recipiente Porongo — Sylvio Fraga

Data: 21 de agosto de 2026
Local: Recipiente Porongo — Botafogo, Rio de Janeiro (RJ)
Ingressos: R$ 35
Formato: apresentações em dois sets com participação de convidados
Vendas: Sympla

Até então focada no planejamento de carreiras, gestão de projetos e soluções voltadas ao mercado musical, a Atabaque passa a incorporar também a curadoria e o lançamento de obras fonográficas por meio de seu selo próprio, ampliando o escopo de atuação junto a artistas independentes.

A empresa é comandada por André Izidro, ex-diretor de marketing da KondZilla e ex-executivo da Som Livre, e por Odilon Borges, especialista em direitos autorais, contratos internacionais e licenciamento, com passagens pela TV Globo e pelo Airbnb. Desde sua criação, a Atabaque já participou do desenvolvimento de mais de 80 artistas e projetos, incluindo trabalhos com Ludmilla, Jota Quest, Felipe Amorim, Toquinho e Iuna Falcão, além de ações desenvolvidas para empresas como Globo, Meta e Google.

Segundo Odilon Borges, a parceria com a The Orchard amplia as possibilidades de identificar e impulsionar novos talentos da música brasileira.

“A expertise da Atabaque se destaca pelo convite da The Orchard em curarmos artistas que estejam despontando no mercado nacional para focar em campanha estratégica de lançamentos.  O primeiro álbum é dessa artista do qual somos fãs número 1.  O segundo já traz uma pegada mais música urbana fora do eixo Rio-SP, o que também demonstra a veia da Atabaque de fugir da bolha e apostar no regionalismo musical.  A partir daí, já há diversos outros artistas nos procurando e sendo avaliados.  Estamos animados com o volume da procura!”, comenta Odilon.

A The Orchard Brasil será responsável pela distribuição digital e pelos serviços oferecidos ao selo. Presente em diversos mercados internacionais, a empresa integra a Sony Music Entertainment e atua no suporte a artistas, gravadoras e selos independentes em diferentes etapas da comercialização de lançamentos musicais.

O primeiro projeto da nova fase será o lançamento de “Disparada – Ao Vivo em Búzios”, álbum e registro audiovisual da cantora Mari Jasca. Gravado na cidade onde a artista nasceu, o trabalho apresenta versões acústicas das músicas de seu primeiro disco solo, lançado em 2024.

Com 14 faixas, o repertório reúne composições autorais e releituras de artistas brasileiros, incorporando referências da música popular brasileira e de sonoridades latino-americanas. O projeto foi registrado ao pôr do sol e teve direção criativa de Natasha Jascalevich.

A gravação também conta com a participação de músicos da nova geração da cena brasileira, entre eles Michael Pipoquinha, Luiz Otávio, Maju Nunes, Lucas Videla e Gabriel Quinto.

Responsável pelo gerenciamento da carreira de Mari Jasca, Eric Vecchione destacou o alinhamento entre a artista e o novo momento vivido pela Atabaque.

“Feliz pela parceria, nas primeiras conversas que tivemos senti uma pulsão, um frescor da novidade, da vontade de estaremos juntos. Ter a Mari como primeira artista desse projeto, nos da uma importância que nos anima. Alinha os dois momentos, o de Mari e da Atabaque, e assim potencializam-se o que pode vir por ai”, diz Eric Vecchione, empresário da artista.

Com a ampliação de seu selo e a parceria com a The Orchard Brasil, a Atabaque passa a atuar de forma mais abrangente no mercado fonográfico, reunindo desenvolvimento artístico, planejamento estratégico, distribuição e lançamento de novos projetos musicais em uma única estrutura.

Sobre a Atabaque

A Atabaque é uma musictech e agência de marketing musical que acelera artistas e projetos na indústria da música.

A empresa é liderada por André Izidro, ex-CMO da KondZilla e ex-executivo da Som Livre, e Odilon Borges, ex-advogado da TV Globo e do Airbnb, com especialização em direitos autorais, contratos internacionais e licenciamento. Desde a sua fundação, já acelerou mais de 80 artistas e projetos musicais, incluindo Ludmilla, Jota Quest, Felipe Amorim, Toquinho e Iuna Falcão, além de atuar com empresas como Globo, Meta e Google.

A Atabaque customiza tecnologia, conecta processos e infraestrutura, realiza análises de performance e desenvolve estratégias de promoção e narrativa, tendo alcançado mais de 5 bilhões de streams nas DSPs e movimentado mais de R$ 40 milhões na negociação de ativos musicais. Protege, promove e rentabiliza carreiras, atuando como um hub de relacionamento e tecnologia, que conecta stakeholders e desenvolve soluções para desburocratizar, integrar processos e gerar mais transparência na indústria musical.

Site: https://www.atabaque.biz/
Instagram: @atabaque.biz

Sobre a Orchard Brasil

A Orchard Brasil integra a The Orchard, uma das maiores empresas de distribuição de música digital e serviços para artistas e selos independentes do mundo. A companhia pertence à Sony Music Entertainment e oferece soluções de distribuição, marketing e
inteligência de mercado para o setor fonográfico.

Site: https://www.theorchard.com/pt/
Instagram: @theorchardbr

Sobre Mari Jasca

Nascida e criada em Búzios, Mari Jasca é cantora, compositora, instrumentista, atriz, circense e produtora cultural. Sua trajetória reúne mais de duas décadas de atuação artística. Reconhecida por sua força cênica, musicalidade e versatilidade, já dividiu palco com artistas como Mônica Salmaso, Marina Sena, Chitãozinho & Xororó, além de colaborar com Carlinhos Brown, Geraldo Azevedo, Mestrinho e Ivan Lins. Suas canções já foram gravadas por Marisa Monte e outros intérpretes da música brasileira.

O trabalho autoral da artista já passou por espaços como Circo Voador (RJ) e Sesc Pompéia (SP); e eventos como Rock the Mountain, Doce Maravilha e Prêmio da Música Brasileira (RJ), Festival International de Folklore (França) e Medio y Medio (Uruguai).

Após lançar, em 2024, seu primeiro álbum solo, “Disparada”, Mari vive um dos momentos mais produtivos de sua carreira. Com apresentações em mais de dez países, soma mais de 153 mil seguidores nas redes sociais, cerca de 20 milhões de visualizações e mais de 2 milhões de reproduções nas plataformas digitais, consolidando uma trajetória marcada por sensibilidade, identidade, liberdade e protagonismo feminino.

Instagram: @marijasca

O grupo Sorriso Maroto transformou o Galpão do Engenhão, na Zona Norte do Rio de Janeiro, em uma grande roda de samba nesta quarta-feira (20) durante a gravação do novo projeto audiovisual “Sorriso Eu Gosto no Pagode Lado B”. A apresentação, realizada apenas para convidados, marcou mais um capítulo da série musical que se tornou um dos maiores sucessos da carreira da banda.

Depois de quatro edições anteriores, o novo trabalho chega com a proposta de revisitar músicas consideradas “lado B” do repertório do grupo, reunindo canções menos exploradas comercialmente, mas que ganharam status de favoritas entre os fãs ao longo dos anos.

O projeto dá sequência a uma trajetória de sucesso iniciada com o “Sorriso Eu Gosto no Pagode”, formato que já ultrapassou a marca de 1 bilhão de reproduções nas plataformas digitais. A edição mais recente, dedicada ao grupo Fundo de Quintal e gravada no estúdio Abbey Road, em Londres, rendeu ao Sorriso Maroto um Grammy Latino.

A gravação no Rio contou com uma sequência de participações especiais de artistas importantes do pagode e da música brasileira. Subiram ao palco nomes como Ferrugem, Belo, Thiaguinho, Ludmilla, Péricles, Dilsinho, Mumuzinho, Turma do Pagode e Xande de Pilares.

Durante a gravação, o público acompanhou releituras e medleys de músicas marcantes da trajetória do grupo, incluindo “Limite”, “Perdas e Danos”, “Amar Você”, “Meu Plano”, “Não Mereço Ser Amante” e “Pronto Pra Guerra”. A plateia acompanhou em coro boa parte das apresentações, transformando o espaço em um clima semelhante aos tradicionais encontros de pagode do Rio.

Entre os destaques do repertório estiveram os duetos de Belo em “Amar Você” e “Diz Que Quer Ficar”, além da participação de Thiaguinho em “Me Arrependi”, “E Agora?” e “O Que É, O Que É?”. Ludmilla também participou em momentos marcantes do show, dividindo os vocais em “Meu Plano” e “Não Mereço Ser Amante”.

A proposta do “Lado B” é justamente valorizar músicas que ficaram fora do circuito dos maiores hits radiofônicos, mas que mantiveram forte conexão emocional com o público do grupo ao longo dos anos. O repertório também trouxe encontros entre artistas da nova geração do pagode e nomes consagrados do gênero.

O evento reuniu ainda artistas como Marvvila, Kamisa 10, Grupo Benzadeus, Samba de Dom, Akatu, Revelação, Lucas Morato, Yan, Davi Quaresma, Manda Lynn e Som de Faculdade. Até o momento, o grupo não divulgou a data oficial de lançamento do DVD nem das plataformas em que o projeto será disponibilizado.

Celebrando seus 10 anos de trajetória em 2026, a 1Kilo lança “De Love”, faixa que encerra o projeto Luau 1Kilo. Protagonizado por Pelé MilFlows e Junior Lord, o especial revisita em versões acústicas alguns dos maiores sucessos da história da gravadora e da trajetória dos artistas, celebrando o legado construído pela 1Kilo no rap nacional ao longo da última década.

Mais do que um projeto musical, o Luau 1Kilo funciona como um retrato da importância que a gravadora teve na popularização do rap acústico no Brasil ao longo da última década. Em um período em que o gênero ainda enfrentava resistência fora da cena, a 1Kilo ajudou a abrir caminhos ao mostrar que o rap também podia falar de amor, vulnerabilidade e relações afetivas, aproximando voz, violão e poesia de milhões de ouvintes pelo país.

Gravado ao vivo na nova sede da gravadora, em Niterói, o projeto também marca uma nova fase da 1Kilo, que se prepara para inaugurar oficialmente o espaço nos próximos meses. A estrutura foi pensada como um hub criativo de música e conteúdo, reunindo estúdios à disposição de artistas e convidados, além de áreas de convivência, lazer e criação colaborativa.

“Foi muito especial estar nesse projeto porque essas músicas fazem parte da nossa vida de verdade. Reviver tudo isso hoje, depois de tantos anos, é olhar pra nossa própria caminhada e perceber o quanto essas canções marcaram as outras pessoas também”, comenta Pelé MilFlows.

Com banda ao vivo e Felipe Rasta no violão, Pelé MilFlows e Junior Lord conduzem um repertório de cinco faixas que revisita sucessos como “De Love”, “Melanina”, “Relação” e “Deixe-me Ir”, esta última também com participação de DoisP, além da inédita “Você Sabe”, colaboração com Caslu lançada especialmente para o projeto. Juntas, as versões originais ultrapassam 1,6 bilhão de plays nas plataformas digitais e agora ganham nova vida nas interpretações intimistas do Luau 1Kilo.

“Hoje o rap nacional ocupa o mainstream, domina números, festivais e plataformas, mostrando a força que a cultura conquistou no Brasil. O mais legal é ver a diversidade da cena, com novos artistas misturando referências, sonoridades e estéticas, ampliando cada vez mais o alcance do rap. E mesmo com esse crescimento, o movimento continua conectado às ruas, às batalhas e às vivências reais. Ao mesmo tempo, ainda há espaço para evolução, principalmente na estrutura da cena como indústria e na valorização consistente de mais artistas”, analisa Junior Lord.

Para ele, o projeto também carrega um significado pessoal importante. “Muitas dessas músicas atravessaram momentos importantes da minha vida e agora poder cantar tudo isso dentro da 1Kilo, oficialmente fazendo parte do time, tem um peso muito forte pra mim. O Luau trouxe essa sensação de proximidade, como se fosse a gente cantando junto com quem acompanhou nossa história desde o começo”, completa.

O encerramento desta primeira edição do Luau 1Kilo faz parte das ações de comemorações da gravadora em 2026. Segundo os artistas, novos lançamentos, projetos especiais e conteúdos inéditos estão sendo preparados para serem anunciados ao longo do ano.

“Isso é só o começo. Os 10 anos da 1Kilo representam muita história, mas também um novo momento. Tem muita coisa acontecendo, muito artista chegando pra somar no time e a ideia é continuar fazendo música e criando projetos que conectem as pessoas da forma que a música sempre conectou a gente”, declara Pelé MilFlows.

A cantora Anitta apresentou detalhes sobre o processo criativo do álbum EQUILIBRIVM durante participação no programa Som Brasil, exibido pela TV Globo. Ao comentar as músicas do projeto, a artista falou sobre amor, espiritualidade, saúde emocional e os efeitos do ambiente digital sobre o comportamento das pessoas.

Durante a entrevista, Anitta afirmou que considera contraditório o fato de o amor ser tema central da maior parte das músicas consumidas no mundo enquanto, segundo ela, as relações humanas vivem um cenário de distanciamento emocional.

“A maioria das músicas que a gente escuta no universo, no planeta, falam de amor, mas a gente não vive amor.”

Ao longo do programa, a cantora apresentou trechos de faixas inéditas e comentou inspirações ligadas a experiências pessoais e reflexões sobre equilíbrio emocional. Em uma das partes da conversa, Anitta disse enxergar o futuro com preocupação diante do ambiente de polarização e desgaste provocado pelas redes sociais.

“Eu acho que a gente tá indo para um caminho péssimo.”

Na sequência, a artista relatou ter escrito um texto sobre equilíbrio como forma de incentivar as pessoas a desacelerarem e direcionarem mais atenção à própria vida em vez de conflitos constantes na internet.

“Esse negócio de internet tá acabando com a gente, corroendo o nosso cérebro, deixando a gente tudo burro e a gente não consegue mais debater de nada.”

Segundo Anitta, a proposta do álbum envolve justamente a busca por reconexão emocional, esperança e convivência menos agressiva.

“Mas a gente não pode desistir.”

Outro ponto destacado pela cantora foi a presença de elementos ligados à espiritualidade e ao sagrado feminino no repertório do disco. Ao comentar uma das músicas inspiradas em Nanã, orixá das religiões de matriz africana, Anitta afirmou que queria incluir no projeto uma reflexão sobre a figura feminina dentro da espiritualidade.

“A gente fala muito de Deus, o Pai. Deus pai todo-poderoso, o Pai. Então é nome do Pai, do Filho e do Espírito Santo. Cadê a mulher, né?”

Ela explicou ainda que escolheu trabalhar referências ligadas a Nanã por enxergar na entidade símbolos de criação, ancestralidade e conexão com a terra.

“Nanã, que é esse orixá feminino, que vem e molda, moldou o mundo.”

A artista também destacou mensagens de desaceleração presentes na música, incluindo versos interpretados pelos convidados Rincón Sapiência e KING Saints, que participam da faixa.

“Desacelera, desacelera. Sai dessa tela. Foco na meta. Não desespera.”

Ao longo da apresentação, Anitta alternou momentos de conversa com performances ao vivo de músicas em português, espanhol e inglês, reforçando a diversidade sonora do álbum. O projeto mistura pop, funk, ritmos afro-brasileiros e influências latinas, mantendo a proposta de explorar diferentes dimensões emocionais e espirituais.

O álbum EQUILIBRIVM faz parte da nova fase artística da cantora e amplia temas que já vinham sendo abordados por ela nos últimos anos, incluindo saúde mental, autoconhecimento e espiritualidade.

A música “Meu Nome é Maalum”, interpretada por Yayá do Cavaco e Ifatoki Mayra Freitas, ganha um clipe gravado no barracão da Acadêmicos do Grande Rio, com elenco formado integralmente por crianças dos Pimpolhos da Grande Rio.

A canção carrega um significado especial: “Meu Nome é Maalum” foi a música original do premiado curta-metragem de mesmo nome, que amplia agora sua trajetória artística ao ganhar versão audiovisual própria no universo do samba. O curta foi exibido em mais de 200 festivais ao redor do mundo, entre eles: 61º Festival Internacional de Cinema de Cartagena de Indias – FICCI 2022 (Colômbia); 25º Festival Internacional de Cinema Infantil de Nova York – NYICFF 2022 (EUA); 18º Animayo 2023, secção AFRO (Espanha); 18º Festival de Cinema de Monterrey 2022 (México); 18º Festival Internacional de Cinema Negro de Montreal 2022 (Canadá); 17º Festival Internacional de Cinema Infantil e Juvenil de Busan – BIKY (Coreia do Sul); 10º Festival Internacional de Cinema Infantil de Seul Guro – GUKIFF (Coreia do Sul); 45º Festival de Cinema de Mill Valley (EUA). Conquistou todos os principais prêmios de animação do Brasil em 2022: FICI 2022 – Melhor filme infantil; Festival de Cinema Infantil de Florianópolis – Prêmio de Melhor Filme Infantil do Júri Infantil; FAM – Prêmio do Júri de Melhor Filme Infantil; Prêmio de melhor filme infantil da Associação Brasileira de Animação – ABCA.

O clipe transforma o espaço simbólico do barracão, onde nasce o Carnaval, numa grande roda de samba das crianças. Entre fantasias, adereços e a energia contagiante do samba, “Meu Nome é Maalum” exalta a infância como potência criativa e cultural. Ao trazer as crianças da Pimpolhos como protagonistas, o clipe destaca a força das novas gerações no samba – sintonia que teve duas vias, já que Maalum também foi enredo da escola este ano, no desfile das escolas mirins, com um desfile que exaltou justamente a importância das escolas mirins e dessa infância no samba.

Mais do que um videoclipe, este lançamento marca a expansão da personagem MAALUM, que nasceu na literatura, conquistou reconhecimento em festivais de cinema e agora ecoa no samba, conectando audiovisual independente, infância e tradição carnavalesca.

A produção do videoclipe é assinada pela Pé de Moleque Filmes, de Marcela Baptista e Eduardo Lurnel, com direção de Victor Hugo Fiuza e Magna Domingues.

Ficha técnica

Empresa Produtora: Pé de Moleque Filmes
Direção: Magna Domingues e Victor Hugo Fiuza
Compositoras: Ifatoki Maíra Freitas e Yaya do Cavaco
Produtores: Marcela Baptista e Eduardo Lurnel
Direção de Fotografia: João Carlos
Direção de Arte: Mariana Teixeira
Figurino: Carla Ferraz

O Rio de Janeiro será palco de um dos maiores encontros da indústria da música eletrônica na América Latina com a realização da Hot Beats Music Conference 2026. Marcado para acontecer entre os dias 21 e 24 de maio, o evento consolida a cidade como um dos principais polos globais de negócios criativos e inovação no setor musical.

A programação principal será realizada no Hotel Nacional, reunindo mais de 100 palestrantes de diferentes partes do mundo. O encontro se divide entre dois dias de conferência, com painéis e workshops, e uma agenda paralela de eventos, ativações e experiências espalhadas por pontos estratégicos da cidade.

Entre os nomes já confirmados estão executivos e profissionais de destaque na indústria, como Gary Smith, Raphael Pujol, Roland Leesker, Lisa Sant, Mario Sergio Albuquerque, Felippe Senne, Monique Dardenne e Claudio R. Miranda, além de artistas e agentes relevantes da cena nacional. A conferência também contará com a participação institucional do Amsterdam Dance Event, reforçando a conexão internacional do encontro.

A edição de 2026 reforça o momento de destaque vivido pelo Rio de Janeiro no cenário global. A cidade tem atraído cada vez mais profissionais, marcas e investidores interessados no potencial criativo local, impulsionado por sua identidade cultural e pelo ambiente favorável à realização de negócios. A proposta do evento é justamente integrar conteúdo técnico com experiências culturais, ampliando o networking em ambientes que vão além das salas de conferência.

Criada em 2019 dentro da AIMEC RJ e estruturada como conferência independente a partir de 2024, a Hot Beats se consolidou como o principal encontro anual da música eletrônica no Brasil. O evento reúne artistas, produtores, selos, plataformas, empresários e novos talentos, funcionando como uma ponte entre o mercado nacional e o ecossistema internacional.

A estrutura desta edição foi ampliada para oferecer mais conforto e melhor organização do conteúdo. O espaço contará com duas salas simultâneas para painéis e workshops, evitando conflitos de agenda e permitindo maior aproveitamento da programação. Entre as atividades previstas estão debates sobre tecnologia, inteligência artificial e mercado musical, além de workshops práticos, sessões de estúdio, mentorias rápidas, apresentações de novos projetos e experiências imersivas com marcas.

Os participantes poderão escolher entre diferentes modalidades de ingresso, com opções que vão desde acesso completo à programação até pacotes mais básicos, além de upgrades que incluem benefícios como acesso prioritário, assentos reservados e áreas exclusivas.

Com uma proposta que une conhecimento, entretenimento e conexões estratégicas, a Hot Beats Music Conference 2026 reforça o protagonismo do Brasil no cenário internacional da música eletrônica e posiciona o Rio de Janeiro como um dos principais destinos globais para negócios criativos e inovação cultural.

Serviço

Hot Beats Music Conference 2026

Local: Hotel Nacional
Endereço: Av. Niemeyer, 769 – São Conrado, Rio de Janeiro – RJ
Datas: De 21 a 24 de maio de 2026 (quinta-feira a domingo)
Horários: Das 09h às 23h

Atrações: Roland Leesker, Raphael Pujol, Lisa Sant, Gary Smith, Monique Dardenne, Felippe Senne, Isabela Souza, GIU, Duda Croce e muito mais

Ingressos: Via Zig

Instagram: Hot Beats Music Conference 2026