A obra fotográfica de Edo gira em torno do sublime na natureza, retratado por meio de representações etéreas das florestas do norte do estado de Nova York – local onde o argentino mora atualmente. A série, captada entre 2013 e 2025, reflete sobre o ato de medir a própria existência dentro do fluxo sempre em transformação do tempo. Suas caminhadas diárias pelas paisagens serenas de Katonah–Bedford Hills tornam-se um portal para revelar o extraordinário no ordinário, para perceber o invisível e para moldar a partir dele imagens novas e instigantes.

Inspirada nesses percursos e em pesquisas sobre la floresta y plantas sagradas, a exposição contará com 20 fotografias em grande formato, uma instalação intitulada Opium Whispers em homenagem a Jean Cocteau, e a projeção em uma das paredes principais de Last Survivors, um filme de 30 minutos em um único canal, filmado no mesmo período.

Last Survivors é uma meditação celebratória sobre a resiliência da natureza e o despertar da humanidade. Filmado na solidão da pandemia e revelado cinco anos depois, o filme se apresenta tanto como tributo quanto como profecia, um lembrete urgente de que, enquanto a humanidade pode enfrentar dificuldades, a natureza persiste. Narrado pela atriz islandesa Hera Hilmar, com roteiro de Costantini e Martín Hadis — especialista em Jorge Luis Borges e literatura nórdica —, o filme conta uma história de perda, sobrevivência e transcendência. A trilha sonora evocativa, composta pelo próprio Costantini com sua banda The Orpheists, permeia a narrativa, criando uma atmosfera de luto e esperança.

Em diálogo com as fotografias, o coletivo de artistas formado por Delfina Braun, Edo Costantini e Delfina Muniz Barreto apresentará novas esculturas em bronze que habitam silenciosamente as galerias do museu. Combinando suas disciplinas — escultura, som e instalação —, o trio explora formas e ritmos da natureza, celebrando a beleza das flores e outros elementos vivos, ao mesmo tempo em que reflete sobre a relação entre dor e cura. “Cada um de nós contribuiu com seu conhecimento, e exploramos juntos diferentes dimensões, tempos e espaços”, afirmam.

As obras mais recentes exploram o que está além da visão, as forças ocultas essenciais para o nosso próprio ser. Duas esferas evocam a mágica silenciosa do micélio, a rede invisível através da qual o mundo natural se conecta e se restaura. Dessa teia subterrânea emergem duas esculturas em escalas diferentes, inspiradas pelo raro e fascinante cogumelo conhecido como “véu-de-noiva”. Conhecido por sua beleza exótica e há muito valorizado por suas propriedades medicinais e restauradoras, aqui ele se transforma tanto em forma natural quanto em metáfora de resiliência e renovação.

Além disso, como parte da exposição, será publicado um catálogo de capa dura revestido em tecido, com uma fotografia central na capa. Com 110 páginas, apresenta reproduções integrais das obras em exibição, acompanhadas de textos de Nicolas Martin Ferreira, Paulo Herkenhoff e Barbara Golubicki, oferecendo múltiplas perspectivas sobre a exploração de uma década de Costantini acerca da natureza, da luz e da conexão humana com o meio ambiente.

Sobre o artista

Eduardo Francisco Costantini (Edo) nasceu em Buenos Aires, em 1976, e atualmente vive em Nova York. Fotógrafo, cineasta, compositor e fundador do coletivo artístico KOLAPSE, Edo tem trabalhos exibidos em galerias e feiras internacionais como arteBA, Praxis Gallery (NY), Mario Cohen Fine Art Gallery (SP) e Silvia Cintra + Box 4 (RJ). Foi produtor de filmes premiados, como Tropa de Elite (Urso de Ouro em 2008).

Sobre as colaboradoras

Delfina Braun é uma artista argentina radicada em Nova York, com pesquisa voltada para a relação entre natureza, cura e psique humana.

Delfina Muniz Barreto é arquiteta e artista argentina, com trabalhos em escultura, instalação e design, explorando formas orgânicas e memórias ligadas à natureza.

Serviço

Exposição ATRAVÉS DO VÉU VERDE (THROUGH THE GREEN VEIL)

Edo Costantini

Local: Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC Niterói)
Data: 6 de setembro a 23 de novembro de 2025 – Terça à domingo
Horário: 10h à 18h (entrada ate 17h30)

Informações sobre ingressos no site oficial do MAC: Link

A exposição “Viva Mauricio – Mauricio de Sousa, a experiência imersiva”, em cartaz no Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro (CCBB RJ), tem atraído grande público e se consolidado também como referência em acessibilidade cultural. Além do sucesso de visitação, a mostra tem chamado atenção pelo conjunto de recursos inclusivos desenvolvidos para garantir que diferentes públicos possam vivenciar a experiência de forma completa.

Desde a fase de concepção, a acessibilidade foi incorporada como parte central do projeto. “Pensar acessibilidade desde o início é garantir que a inclusão não seja um adendo, mas parte da narrativa, da curadoria e da arquitetura da exposição”, destaca Ana Lucia Peçanha da Motta, CEO da All Dub Estúdio, empresa especializada em acessibilidade cultural responsável pelo desenvolvimento das ferramentas utilizadas na mostra.

Entre os recursos disponíveis estão audiodescrição em português, inglês e espanhol, interpretação em Libras e Língua Internacional de Sinais, legendas, guia de previsibilidade sensorial, mapas táteis, sinalização acessível e óculos 3D com tecnologia inclusiva. A exposição também conta com monitoria especializada e um espaço de descompressão voltado para pessoas neurodivergentes, oferecendo um ambiente acolhedor durante a visita.

Segundo Rafael Piccin, head de experiências da MSP Estúdios, iniciativas desse tipo beneficiam todos os visitantes. “Acessibilidade beneficia a todos. Recursos como legendas, organização sensorial e linguagem clara ampliam a compreensão, o conforto e o engajamento de qualquer visitante”.

Outro ponto destacado pelos organizadores é a autonomia proporcionada aos visitantes com deficiência. As soluções foram projetadas para permitir que cada pessoa explore o conteúdo da exposição com independência. “Acessibilidade só é efetiva quando garante independência. Autonomia é um princípio inegociável”, afirma Ana Lúcia.

Para a equipe responsável pelo projeto, iniciativas acessíveis também elevam o padrão do setor cultural. “Projetos acessíveis ampliam público, fortalecem o sentimento de pertencimento e conectam cultura, inovação e responsabilidade social. Acessibilidade não é custo, é valor. É compromisso ético, social e cultural”, avalia a executiva.

O Centro Cultural Banco do Brasil destaca que a inclusão faz parte da história da instituição. De acordo com Sueli Voltarelli, gerente geral do CCBB Rio, o espaço cultural foi pioneiro em iniciativas voltadas a pessoas com deficiência e mantém a acessibilidade como padrão em toda a programação. “Hoje o nosso padrão é termos acessibilidade em toda a nossa programação e permanecemos trabalhando diariamente a acessibilidade atitudinal com nossas equipes, que têm como princípio receber e acolher os diversos públicos em suas necessidades”, afirma.

Como parte das atividades ligadas à exposição, será realizada no dia 17 de março, das 15h às 17h, no Espaço Conceito Banco do Brasil, no térreo do CCBB RJ, a palestra “Acessibilidade em Grandes Eventos: Bastidores, Desafios e Histórias Reais”. O encontro contará com apresentação de humor do comediante Jeffinho Farias, conhecido por abordar temas ligados à inclusão, além de participações de Ana Motta e Leonardo Knittel, especialistas em acessibilidade com atuação em grandes eventos e projetos corporativos.

A programação especial inclui ainda outras atividades abertas ao público. No dia 14 de março, das 15h às 17h, os ilustradores Flávio Teixeira e Mauro Souza, da MSP Estúdios, participam de uma palestra seguida de atividade prática de ilustração. Já no dia 22 de março, no mesmo horário, o arquiteto e diretor de criação Marcelo Jackow apresenta o encontro “Como fazer De Um Limão, O Bairro do Limoeiro – da ideia à concepção da experiência Viva Mauricio”, abordando os bastidores da criação da mostra.

A exposição permanece em cartaz no CCBB Rio até 13 de abril de 2026. O projeto é apresentado pelo Ministério da Cultura e pela BB Asset, com patrocínio da BB Asset e da BB Consórcios por meio da Lei Rouanet – Incentivo a Projetos Culturais. A realização é da MSP Estúdios, do Centro Cultural Banco do Brasil e do Governo do Brasil. Após a temporada no Rio de Janeiro, a mostra seguirá para os Centros Culturais Banco do Brasil de Belo Horizonte, Brasília e Salvador.

Serviço

Palestras

14 de março, sábado

Assunto: Palestra com ilustradores da MSP Estúdios + atividade de ilustração

Palestrante: Flávio Teixeira e Mauro Souza

Hora: das 15h às 17h

Local: Espaço Conceito Banco do Brasil, no CCBB RJ

Participantes da atividade: 50 pessoas

Ingressos disponíveis na bilheteria física ou no site do CCBB (bb.com.br/cultura) 1h antes da atividade.

17 de março, terça-feira

Assunto: “Acessibilidade em Grandes Eventos: Bastidores, Desafios e Histórias Reais” – Show de humor com Jeffinho Farias e palestra sobre acessibilidade em eventos culturais

Palestrantes: Jeffinho Farias, Ana Motta e Leonardo Knittel

Hora: das 15h às17h

Local: Espaço Conceito Banco do Brasil, no CCBB RJ

Ingressos disponíveis apenas na bilheteria virtual do CCBB (bb.com.br/cultura) a partir das 9h do dia do evento

22 de março, domingo

Assunto: “Como fazer De Um Limão, O Bairro do Limoeiro – da ideia a concepção da experiência Viva Mauricio”

Palestrante: Marcelo Jackow

Hora: das 15h às17h

Local: Espaço Conceito Banco do Brasil, no CCBB RJ

Ingressos disponíveis na bilheteria física ou no site do CCBB (bb.com.br/cultura) 1h antes da atividade.

Exposição “Viva Mauricio – Mauricio de Sousa, a experiência imersiva”

De 17 de dezembro de 2025 a 13 de abril de 2026

Entrada gratuita

Ingressos disponíveis na bilheteria física e no site do CCBB – bb.com.br/cultura

Classificação indicativa: livre

Centro Cultural Banco do Brasil   

Rua Primeiro de Março, 66, Centro, Rio de Janeiro/RJ   

Contato: 21 3808-2020 | ccbbrio@bb.com.br   

Mais informações em bb.com.br/cultura 

Siga o CCBB nas redes sociais: 

x.com/ccbb_rj | facebook.com/ccbb.rj | instagram.com/ccbbrj |tiktok.com/@ccbbcultura  

Funcionamento: De quarta a segunda, das 9h* às 20h (fecha às terças).  

Funcionamento extra para PCD (mediante identificação, com até 3 acompanhantes): 3, 17 e 31 de março (terças-feiras), das 15h às 19h. Não é necessário retirar ingresso antecipadamente.

*ATENÇÃO Domingos, das 8h às 9h – horário de atendimento exclusivo para visitação de pessoas com deficiências intelectuais e/ou mentais e seus acompanhantes, conforme determinação legal (Lei Municipal nº 6.278/2017).

O Galpão das Artes Urbanas Hélio G. Pellegrino, na Gávea, zona sul do Rio de Janeiro, recebe a partir desta quinta-feira, 5 de março, a exposição Expo Gari – Arte e Limpeza Urbana: um Caminho para a Sustentabilidade. A mostra reúne produções artísticas criadas por garis e funcionários da Companhia Municipal de Limpeza Urbana e ficará aberta ao público até 20 de maio, com entrada gratuita.

A iniciativa apresenta obras de 17 artistas ligados à companhia e destaca diferentes linguagens artísticas, como poesia, literatura, pintura, escultura e artesanato. Grande parte dos trabalhos utiliza materiais recicláveis ou resíduos reaproveitados, reforçando a proposta de conscientização ambiental e valorização da sustentabilidade.

Inspirada no Ano Internacional dos Voluntários para a Sustentabilidade e um Mundo Melhor, celebrado pela Organização das Nações Unidas, a exposição também busca reconhecer o papel dos profissionais da limpeza urbana e ampliar a visibilidade de talentos artísticos presentes entre os trabalhadores da companhia.

Programação de abertura reúne arte, poesia e música

A abertura da mostra acontece das 11h às 16h e contará com apresentações especiais. Os garis e escritores Valdeci Boareto, Bruna Maria Gomes e Maria das Graças Pimenta Ribeiro apresentarão seus trabalhos literários e poemas.

O ator e gari Jersiano Vieira participará com uma esquete voltada à conscientização ambiental, enquanto o artista Derlan Matos realizará uma pintura ao vivo durante o evento. A programação musical ficará por conta do sambista e compositor Jorginho da Flor, integrante da Império Serrano, acompanhado pelos músicos Magal Nascente e Diogo do Cavaco.

Obras destacam criatividade e reaproveitamento de materiais

Entre os artistas participantes está Murilo Lemos de Souza, que junto com Derlan Matos utiliza a arte para transformar ecopontos da cidade em espaços mais atrativos. O gari Leonardo dos Santos, conhecido como LSP, apresentará quadros produzidos com reaproveitamento de telas e sobras de tinta, técnica que também utiliza em grafites espalhados por diferentes pontos do Rio.

André Luís Moreira Henriques, auxiliar de laboratório no centro de pesquisas da companhia, exibirá esculturas e peças artesanais feitas com latinhas de alumínio, cascas de árvores e chapas de MDF descartadas. Já o gari Felipe Matias apresentará obras esculpidas em madeira proveniente de restos de poda urbana.

Outros destaques incluem as esculturas criadas por Jaime Santos Aramart, soldador da companhia, que utiliza materiais como pontas de eletrodos, barras metálicas e latas reaproveitadas. O artista Oséias Da Matta, que já possui obras permanentes no espaço, levará novos trabalhos produzidos a partir de telas descartadas, cápsulas de café e tintas reaproveitadas.

A mostra também contará com esculturas de Miguel Almeida feitas com troncos reaproveitados, murais de Reginaldo Alves e peças produzidas pelo motorista Douglas dos Santos Pinto, que apresenta mobiliário e luminárias criados com madeira reutilizada.

Serviço

Exposição: Expo Gari – Arte e Limpeza Urbana: um Caminho para a Sustentabilidade

Abertura: 5 de março, das 11h às 16h
Visitação: de 6 de março a 20 de maio, em dias úteis, das 9h às 16h
Local: Galpão das Artes Urbanas Hélio G. Pellegrino
Endereço: Avenida Padre Leonel Franca, s/nº, Gávea, sob o Viaduto Lagoa-Barra, em frente ao Planetário da Cidade

Entrada gratuita

Aberta ao público até 13 de março, com entrada gratuita, a mostra reúne 26 obras em óleo sobre tela que retratam o Brasil a partir de um olhar estrangeiro profundamente afetado pela literatura e pela arte nacional. Pescadores, canaviais, carnaval, religiosidade, culinária e música popular surgem nas telas como celebração da identidade brasileira.

Natural de Monselice, na província de Pádua, Ferri estudou na Academia de Belas Artes de Veneza e inicialmente se inspirava em mestres como Paul Gauguin e Vincent van Gogh. A virada estética ocorreu nos anos 1990, após mergulhar na obra de Jorge Amado. O encontro com Carybé, em Salvador, também foi decisivo. Desde 1999 vivendo entre Itália e Brasil, o artista afirma que foi aqui que consolidou sua linguagem pictórica.

Para a diretora de Cultura da Alerj, Fernanda Figueiredo, a exposição abre o calendário do centenário do Palácio Tiradentes, celebrado em 6 de maio. A proposta é ampliar o acesso da população ao prédio histórico e à diversidade cultural brasileira.

A visitação ocorre de segunda a sexta-feira, das 10h às 17h, na Rua Primeiro de Março, s/nº. O acesso para cadeirantes é pela Rua Dom Manuel.

Até o dia 30 de janeiro de 2026, a Kobbi Gallery celebra a obra e o olhar de um dos importantes nomes da fotografia modernista brasileira: Nelson Kojranski (1927–2015). A exposição “A Gênese Moderna na Fotografia de Nelson Kojranski” convida o público a revisitar um capítulo importante da história da fotografia no Brasil.

Membro do Foto Cine Clube Bandeirante, Kojranski foi um dos artistas que, entre luzes e sombras, ajudou a moldar a linguagem visual da Escola Paulista de Fotografia, movimento que redefiniu o modo de ver e pensar a imagem no país. Suas fotografias revelam um olhar curioso, poético e inquieto, sempre em busca de novas formas de enxergar o cotidiano.

Entre contrastes fortes, linhas diagonais e composições geométricas, Nelson traduz em suas imagens a pulsação de um Brasil que se modernizava. A mostra reúne ampliações vintage, obras originais e documentos inéditos do acervo da família do artista, revelando tanto o trabalho experimental quanto a personalidade que se encantava pela vida e pela arte. Trabalhos como Composição com Figura e Melancolia Marítima mostram sua busca pela harmonia entre forma e emoção, um olhar que, mesmo técnico, é profundamente humano.

Além de reconstituir a trajetória de Kojranski no contexto do fotoclubismo paulista, a mostra também revisita o papel fundamental do FCCB na consolidação da fotografia moderna no Brasil, uma escola que colocou o país em destaque em instituições internacionais, como o MoMA (Nova York), o MASP, o Festival de Arles e o Centro Cultural São Paulo.

Sobre Kobbi Gallery

Fundada com a missão de explorar a fotografia e sua história, a Kobbi Gallery se estabeleceu como uma referência essencial no cenário da fotografia artística paulistana. Localizada na Vila Madalena, em São Paulo, a galeria dedica-se tanto à pesquisa quanto à realização de exposições que valorizem a potência e a singularidade de diferentes fotógrafos, posicionando-os tanto no mercado nacional quanto internacional. Trabalhando com uma variedade de artistas contemporâneos e reconhecidos, a Kobbi Gallery oferece um espaço dinâmico para a exploração de diferentes perspectivas e narrativas fotográficas.

Dirigida por Eduardo e Cristina Kobbi, conta com um grupo de profissionais apaixonados e experientes, comprometidos em criar uma programação inovadora e relevante. Com um espaço expositivo cuidadosamente projetado, o local proporciona uma experiência imersiva e enriquecedora para os visitantes, sejam eles brasileiros ou estrangeiros, incentivando o diálogo entre a arte e o ambiente urbano.

A expansão recente de sua proposta expositiva reforça seu compromisso com a promoção tanto da fotografia quanto da arte contemporânea, uma vez que destaca seu empenho com uma abordagem curatorial que se estende desde a fotografia tradicional até as novas mídias. Com o compromisso de promover a pluralidade a partir de iniciativas baseadas na criatividade e no rigor acadêmico, celebramos a rica história da fotografia, ao mesmo tempo em que exploramos as infinitas possibilidades oferecidas por esse meio artístico.

O projeto, criado em celebração aos 50 anos da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, nasceu como uma espécie de jam session: cada artista levaria suas obras e, juntos, construiriam o espaço da mostra. O improviso, no entanto, ganhou forma em torno de um elo comum — a paisagem, entendida aqui como conceito expandido. Natureza, história, provocação, selfie, liberdade, educação, piscina, biblioteca, macaco, café, mas restaurante não.

A ideia foi pensar o espectador como visitante de um parque. Um passeio que pode ser contemplativo, provocador, educativo ou lúdico. Um lugar de encontros, silêncios e descobertas. Ao mesmo tempo em que a natureza se impõe, surgem também as marcas do tempo, o palacete, as cavalariças, os restauros, os cafés e os gestos cotidianos que transformam o Parque Lage em território de vida e arte.

Nas obras, o público encontra pintura, desenho, colagem e escultura. Mas, acima de tudo, encontra transgressão: linhas, cores e espaços que se recusam a respostas prontas. Bernardo, Bruno e Pedro apostaram na subjetividade, deixando lacunas que só podem ser preenchidas pela imaginação de quem percorre a mostra.

“Parque” é também um exercício de memória. Professores que já foram alunos retornam à origem de sua formação artística para propor novas narrativas. A Galeria de Arte IBEU torna-se extensão do Parque Lage, um espaço de experimentação que se constrói a muitas mãos.

Bernardo Magina, Bruno Miguel e Pedro Varela são artistas e professores com trajetórias distintas, mas conectadas pelo Parque Lage, espaço que marcou suas formações e práticas. Juntos, reúnem pesquisa, experiência e diversidade de linguagens para propor na exposição um olhar expandido sobre a paisagem, onde natureza, história e imaginação se encontram.

Serviço

PARQUE – Uma exposição de: Bernardo Magina, Bruno Miguel e Pedro Varela

Visitação: até 05 de dezembro de 2025
Local: Galeria de Arte IBEU – Rua Maria Angélica, 168 – Jardim Botânico, Rio de Janeiro
Dias e horários: segunda a quinta, das 13h às 19h, sextas das 12h às 18h

Entrada gratuita

Instagram: https://www.instagram.com/galeriaibeu

A exibição é um desdobramento do livro Rever Debret (Editora 34, 2023), do pesquisador Jacques Leenhardt, que assina a curadoria ao lado de Gabriela Longman. Organizada em duas partes, a mostra apresenta inicialmente 35 pranchas litográficas do clássico Voyage pittoresque et historique au Brésil, publicado em Paris entre 1834 e 1839. O conjunto, rejeitado pelo governo brasileiro à época, retratava com crueza a violência da sociedade escravocrata e desmontava a visão idílica de um país harmonioso.

Debret e a construção do Brasil escravocrata

Chegado ao Rio de Janeiro em 1816 como integrante da Missão Artística Francesa, Debret registrou, durante 15 anos, transformações políticas e sociais profundas: da colônia ao império, da chegada da corte portuguesa à consolidação de uma elite urbana dependente do trabalho escravizado.

Para os curadores, seu olhar é quase antropológico. Debret não suaviza a brutalidade da escravidão nem minimiza o protagonismo das pessoas escravizadas na formação do país. Em vez de figuras secundárias perdidas na paisagem — padrão comum em representações estrangeiras — seus desenhos revelam trabalhadores centrais nas engrenagens econômicas e domésticas do período: barbeiros, artesãos, caçadores, serventes, moedores de açúcar, sapateiros.

Ao lado dessas cenas do cotidiano, o artista mostra também a violência explícita: castigos físicos, controle policial e a profunda distância social que marcava a sociedade brasileira. Sua obra, mais tarde amplamente reproduzida em livros didáticos e produtos culturais, acabou, muitas vezes, descontextualizada, perdendo o caráter crítico original e induzindo à leitura nostálgica de uma época marcada por opressão.

Releituras que tensionam o passado e o presente

A segunda parte da mostra apresenta releituras contemporâneas que revisitam Debret para expor permanências da violência e do racismo estrutural. Para a curadora Gabriela Longman, a diversidade de suportes — fotografia, vídeo, instalação, pintura, colagem digital, gravura — reflete a variedade da produção artística atual e a multiplicidade de vozes que disputam a narrativa histórica.

Entre os destaques, a artista Rosana Paulino apresenta Paraíso Tropical, obra inédita que subverte a imagem do Brasil como um território idílico. Ao contrário das representações idealizadas, Paulino revela um país marcado pelo extrativismo e pela exploração intensa de sua fauna, flora e população.

Também inédito, Brasil através do espelho, de Jaime Lauriano, aborda temas como etnocídio, apropriação cultural e o mito da democracia racial. O artista exibe ainda a série Justiça e Barbárie, formada por fotografias de cenas de violência — sobretudo linchamentos de homens negros — extraídas dos meios de comunicação. Ao nomear cada imagem com títulos de obras de Debret, Lauriano cria uma ponte direta entre passado escravocrata e o presente, ressaltando as continuidades que insistem em atravessar o país. Segundo Longman, episódios recentes, como a operação policial no Complexo do Alemão que deixou mais de 120 mortos, conferem à obra uma atualidade ainda mais contundente.

A mostra reúne, ainda, trabalhos de Gê Viana, Dalton Paula, Isabel Löfgren & Patricia Goùvea, Anna Bella Geiger, Denilson Baniwa, Claudia Hersz, Tiago Sant’Ana, Sandra Gamarra, Heberth Sobral, entre outros. Uma sala especial exibe fotografias de Marcel Gautherot que registram o desfile da Acadêmicos do Salgueiro em 1959, quando a escola levou Debret ao carnaval.

História, crítica e permanência

O diretor do Museu do Ipiranga, Paulo Garcez Marins, destaca que as exposições recentes da instituição buscam interpretar o passado a partir das perguntas do presente — um exercício essencial para entender como formas de violência e resistência moldaram o país.

A mostra convida o público a revisitar um artista que, apesar da difusão massiva de suas imagens, foi muitas vezes lido sem o contexto que lhes dava profundidade crítica. Ao aproximar o olhar de Debret das reflexões contemporâneas, a exposição questiona o que mudou — e o que permanece — na estrutura social brasileira.

Debret em questão – olhares contemporâneos fica em cartaz até 17 de maio de 2026, de terça a domingo, das 10h às 17h, no Museu do Ipiranga.

Com mais de mil metros quadrados, a mostra foi cuidadosamente concebida para oferecer uma experiência profundamente imersiva e interativa na vida e obra de um dos maiores artistas de todos os tempos. A exibição conta com 15 salas temáticas que exploram os mistérios de obras icônicas como a “Criação de Adão” e a emoção da “Pietà”.

Entre os destaques, o público encontrará a Sala de Projeção da Pietà, uma experiência inovadora com projeções interativas e conteúdo audiovisual exclusivo que revela detalhes e emoções da obra-prima. Complementarmente, uma sala imersiva e exclusiva, dedicada aos afrescos da Capela Sistina, oferecerá uma perspectiva única e aprofundada, com projeções grandiosas que desvendam os segredos da criação e os profundos significados por trás de cada detalhe, incluindo a icônica “A Criação de Adão” no teto.

“Estamos trazendo para o Rio de Janeiro uma exposição que não apenas celebra a genialidade de Michelangelo, mas que redefine a forma como o público interage com a arte clássica. É a maior mostra imersiva do artista já realizada no Brasil, um marco que une tecnologia e história para proporcionar uma vivência inesquecível,” afirma Felipe Pinheiro, Produtor Executivo da Exposição.

MICHELANGELO – Michelangelo Buonarroti (1475-1564) nasceu em Caprese, na região da Toscana, Itália, e faleceu em Roma. Renomado por suas contribuições à escultura, pintura e arquitetura durante o Renascimento, suas obras mais famosas incluem a estátua de “David”, “Moisés”, “Pietà” e os afrescos da Capela Sistina, com destaque para “A Criação de Adão” e o “Juízo Final.” Como gostava de retratar o corpo humano em suas obras, também estudou anatomia e até dissecou cadáveres. Além de pintor e escultor, Michelangelo escrevia poemas. Foram mais de 300 ao longo da vida.  Seu acervo, que abrange diversas disciplinas artísticas, está distribuído em importantes museus pelo mundo, como a Galleria dell’Accademia em Florença e no Vaticano.

CAPELA SISTINA – Uma das principais obras de Michelangelo foi a pintura dos afrescos do teto da Capela Sistina, no Vaticano, entre 1508 e 1512, trabalho encomendado pelo Papa Júlio II. Antes de iniciar o que se tornaria um dos grandes projetos de sua vida, o artista se debruçou por pelo menos um ano em estudos. Michelangelo fez inúmeros esboços para retratar com a fidelidade da sua visão e imaginação figuras divinas e humanas. Na abóbada (teto curvilíneo) da Capela Sistina, pintou as passagens da Bíblia a partir de nove histórias de Gênesis sobre a criação do Universo e do homem. A pintura é considerada uma das grandes obras da humanidade, não apenas pela complexidade, mas pela mistura humana, cultural, política e religiosa da época a partir do olhar de um dos mais renomados artistas do Renascimento.

A exposição “Michelangelo: O Mestre da Capela Sistina” é apresentada pelo Ministério da Cultura, do Governo do Estado do Rio de Janeiro, da Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa, por meio da Lei Rouanet e da Lei Estadual de Incentivo à Cultura, pela bGO,  Deeplab e SulAmérica. Com correalização do MIS Experience, CULTSP e do Governo de São Paulo, por meio da Secretaria de Cultura, Economia e Indústria Criativas, a mostra tem patrocínio máster da TotalEnergies e Enel Brasil, patrocínio ouro da Brasilcap e da JCPM, por meio do Shopping RioMar Fortaleza, e conta com o patrocínio do Centro Cultural Correios e da Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Governo do Estado do Rio de Janeiro. A exposição possui apoio do UOL, OCCAM BRASIL e do Consulado Geral da Itália em São Paulo. Os direitos de imagem são da SEE e da Bridgeman Images.

Serviço

Michelangelo: O Mestre da Capela Sistina

Local: Centro Cultural Correios – R. Visc. de Itaboraí, 20 – Centro – Rio de Janeiro, RJ
Abertura ao Público: 28 de novembro de 2025
Funcionamento: Terça a Sábado, das 12h às 18h (última entrada às 18h, encerramento às 19h)
Ingressos: R$50 (inteira) / R$25 (meia-entrada)

Mais informações: www.michelangelocapelasistina.com.br

A exposição, com curadoria compartilhada entre instituições do Brasil, Estados Unidos, África do Sul, Senegal, Inglaterra e Bélgica, reúne cerca de 100 objetos, 250 imagens e dez filmes, divididos em seis seções. A visitação é gratuita e ficará aberta até 1º de março de 2026.

Segundo a historiadora e curadora Keila Grinberg, da Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (Unirio), o objetivo é mostrar que a escravidão não foi apenas um fenômeno histórico, mas um sistema cujas consequências permanecem. “A exposição é dura, mas o visitante sai empoderado ao perceber as diversas formas de resistência e luta contra o racismo”, afirma.

Entre as peças expostas estão objetos religiosos, instrumentos musicais — como um atabaque do Haiti — e documentos que revelam as conexões entre as resistências negras ao longo da história. A mostra também aborda temas contemporâneos, como reparação, justiça ambiental e violência policial.

Após a estreia em Washington (EUA), em 2024, o Brasil é o primeiro país a receber a mostra itinerante, que seguirá depois para Cidade do Cabo, Dacar e Liverpool. Para Keila, é simbólico que o Brasil seja o primeiro destino, já que o país recebeu cerca de 45% dos africanos escravizados no tráfico transatlântico.

Atividades paralelas

Em parceria com o Arquivo Nacional, será realizado o seminário “Para além da escravidão: memória, justiça e reparação”, nos dias 13 e 14 de dezembro, na Praça da República.

O Arquivo também abriga a mostra “Senhora Liberdade: mulheres desafiam a escravidão”, com documentos de dez mulheres escravizadas que acionaram a Justiça no século XIX em busca da liberdade. A visitação vai até 30 de abril de 2026, com entrada gratuita.

O Instituto Pretos Novos, por sua vez, apresenta “Conversas inacabadas”, parte da pesquisa da exposição principal, que reúne entrevistas sobre racismo e consciência racial. A visita será aberta entre 14 e 15 de dezembro.

Keila resume o propósito da mostra com uma reflexão: “Não dá para entender o Brasil sem entender a escravidão — e, tão importante quanto isso, é entender que ela acabou. Só assim o racismo também poderá acabar”.

Idealizado por Humberto Salgueiro, ex-aluno da PUCPR, o projeto foi criado em parceria com os músicos e irmãos Darlison e Lucas Meireles, descendentes do povo Mura que vivem no norte do Paraná. A realização é da produtora Click Arte Cultura e Educativos e do coletivo Puxirum — palavra que, na língua Mura, significa “mutirão” ou “trabalho coletivo”.

“A gente uniu esse intercâmbio cultural de trazer do norte do estado a história do povo Mura para Curitiba. É uma herança passada de geração em geração”, explica Salgueiro.

A mostra fica aberta ao público até 11 de novembro, com sessões diárias das 9h às 21h. As visitas devem ser agendadas no site oficial do evento, e a classificação é livre.

Floresta em 360º

O espaço convida o público a mergulhar na floresta por meio de projeções em 360º, iluminação interativa e até cheiros da mata, que completam a imersão. A cenografia reproduz o ciclo do dia na floresta — sons de pássaros e animais diurnos cedem lugar a grilos e criaturas noturnas conforme a luz muda do dia para a noite.

“A gente trouxe essa experiência sensorial de várias formas. As pessoas veem, ouvem e sentem o ambiente. É uma forma diferente de conhecer o Brasil e suas culturas originárias”, destaca Salgueiro.

Além da vivência sensorial, a exposição também aborda a chegada dos europeus à Amazônia e as transformações enfrentadas pelos Mura ao longo do tempo.

Os idealizadores planejam levar o projeto a outras cidades do Paraná e, futuramente, para diferentes regiões do país. “A tecnologia pode ser uma aliada poderosa na valorização das culturas indígenas. Uma experiência imersiva desperta curiosidade e respeito pelas nossas origens”, afirma o criador.

O povo Mura vive atualmente na região de Autazes, no Amazonas, às margens do Rio Madeira, e é reconhecido por sua profunda conexão com a natureza. A exposição busca não apenas preservar essa memória, mas também promover a educação ambiental e o respeito à diversidade cultural do Brasil.