A sessão de abertura acontece no Grande Teatro do Cine Theatro Brasil e marca também a homenagem à autora, que recebe o Troféu Horizonte por sua trajetória na literatura e por sua chegada ao audiovisual. A 20ª edição da CineBH segue até 27 de setembro, com programação gratuita.

No filme, Conceição Evaristo interpreta Jacira, uma mulher aposentada que divide com o marido, Gilberto, a rotina da casa, os cuidados relacionados à saúde e os momentos cotidianos do casal. A narrativa acompanha os dois ao longo de cinco décadas, desde a juventude, até que uma mudança na condição de saúde de Jacira altera a dinâmica da família.

O longa chega à CineBH após conquistar o Troféu Candango de melhor longa-metragem pelo júri oficial da 59ª edição do Festival de Brasília do Cinema Brasileiro.

Homenagem aproxima literatura e cinema

A presença de Conceição Evaristo na programação reúne duas etapas de sua trajetória artística. Além de protagonizar o filme de abertura, a escritora será homenageada durante o festival.

Para Raquel Hallak, coordenadora-geral da CineBH, a homenagem reconhece a trajetória construída por Evaristo na literatura e sua entrada em uma nova área de atuação artística.

“É também mostrar a transversalidade do audiovisual e as suas conexões com o cinema e a música”, diz.

A programação da mostra foi organizada a partir do tema “Cinema latino-americano: o que será?”, que propõe uma discussão sobre as histórias produzidas no continente e os caminhos que o audiovisual latino-americano poderá seguir.

“A ideia é fazer a pergunta de forma aberta: que histórias estamos contando? Que histórias queremos contar? Qual o futuro do cinema na América Latina?” indaga Raquel Hallak.

A edição comemorativa reúne 102 filmes, sendo 49 longas e 53 curtas-metragens. As produções representam 18 estados brasileiros e diferentes cinematografias latino-americanas, com obras e coproduções de países como Argentina, Brasil, Chile, Colômbia, Cuba, México, Paraguai e Venezuela.

Paz Encina também é homenageada

A programação da 20ª CineBH presta homenagem ainda à cineasta paraguaia Paz Encina. Nascida em Assunção, em 1971, a diretora iniciou sua trajetória no audiovisual durante os anos 1990, em um contexto marcado por uma produção cinematográfica descontínua e por períodos autoritários no Paraguai.

Mesmo diante desse cenário, Encina construiu uma carreira com circulação internacional. A história do Paraguai aparece com frequência em seus trabalhos e ocupa espaço importante em sua filmografia.

A mostra dedica à cineasta a seção Homenagem e Diálogos Históricos, com a exibição de obras de diferentes momentos de sua carreira e encontros com o público. Entre os filmes selecionados estão Hamaca Paraguaya (2006), Ejercicios de Memoria (2016) e Carta a un Viejo Master (2024).

Festival ocupa diferentes espaços de Belo Horizonte

Ao longo dos seis dias de programação, a CineBH leva filmes, debates e atividades para diferentes espaços culturais da capital mineira. A programação presencial inclui locais como a Fundação Clóvis Salgado, o Cine Theatro Brasil, o Cine Belas Artes, o Cine Santa Tereza, o Teatro Sesiminas e a Praça da Liberdade.

A edição também conta com atividades on-line e integra o 17º Brasil CineMundi – Encontro Internacional de Coprodução, voltado ao mercado audiovisual.

Entre os destaques da programação estão as mostras competitivas Horizonte e Território, a retrospectiva dos 20 anos do evento, sessões especiais e atividades destinadas à formação de novos públicos.

Serviço

20ª CineBH – Mostra Internacional de Cinema de Belo Horizonte
17º Brasil CineMundi – Encontro Internacional de Coprodução

Data: 22 a 27 de setembro de 2026
Local: Belo Horizonte (MG)
Programação: gratuita

A programação ocupa diferentes espaços culturais da cidade e também conta com atividades on-line.

A instalação utiliza um vinil adesivo de aproximadamente 530 metros quadrados, aplicado sobre os vidros do museu. A composição reproduz imagens de agulhas e bordados em ponto de cruz, alguns deles propositalmente inacabados.

A escolha do bordado não é apenas estética. Para Regina, a técnica carrega uma trajetória histórica relacionada à formação e à alfabetização das mulheres, além de fazer parte de seu próprio repertório artístico.

A artista, professora emérita da Universidade de São Paulo (USP) e com carreira internacional, trabalha há décadas com padrões gráficos e distorções de objetos cotidianos. Na instalação, os pontos incompletos também sugerem algo que ainda está em processo de construção.

Segundo Regina, os bordados presentes em seu trabalho dialogam com padrões gráficos que ela vem explorando desde o início dos anos 2000, inclusive utilizando recursos digitais e diferentes espaços arquitetônicos.

Memória que atravessa gerações

A obra também provocou uma reação pessoal em quem trabalha no museu. A agente de portaria e costureira Kaliane Martins, de 40 anos, reconheceu nas imagens algo familiar.

Nascida no Rio Grande do Norte, Kaliane se mudou ainda criança para Brasília com a mãe. Antes de trabalhar no Sesi Lab, atuou como faxineira. Há quatro anos, passou a trabalhar como agente de portaria no espaço cultural.

Ao observar as agulhas e os bordados representados na instalação, ela se lembrou do que aprendeu com a mãe e a avó.

“Aprendi a bordar com a minha mãe e com a minha avó. Vi as agulhas [da obra] e me fez recordar”, contou.

O bordado fez parte de diferentes momentos de sua vida. Kaliane relata que chegou a produzir roupas para si e para os três filhos adolescentes. A lembrança da atividade manual também aparece como contraponto à rotina contemporânea marcada pelo uso constante das telas.

A reação mostra como a obra pode assumir significados diferentes dependendo da experiência de quem a observa.

Uma obra com provocação feminista

Regina Silveira considera “Bordaduras” uma obra de caráter feminista. A artista relaciona a tradição dos bordados à história das mulheres e aos usos que a técnica recebeu ao longo dos séculos.

A instalação também mantém uma característica presente em parte de sua produção: provocar o público sem determinar uma única interpretação.

“Eu sempre respeito muito a liberdade de interpretação”, afirma a artista.

Agulhas aparecem espalhadas pela composição e são utilizadas também como elementos de ilusão. Para Regina, o público pode construir suas próprias leituras a partir das formas e dos símbolos presentes na obra.

Dentro do Sesi Lab, um painel de LED apresenta “Dígito”, trabalho criado pela artista ainda nos anos 1980. A presença simultânea de uma obra histórica e de uma instalação contemporânea reforça o diálogo entre técnicas, linguagens e tecnologias de diferentes períodos.

Quando a inteligência artificial entra na discussão

A instalação faz parte de um encontro que coloca justamente a relação entre arte e tecnologia no centro do debate. O 25º Encontro Internacional de Arte e Tecnologia reúne artistas e pesquisadores de diferentes regiões do país e ocorre até domingo (20), no Sesi Lab e no Museu Nacional de Brasília.

Um dos principais temas da programação é a influência da inteligência artificial nos processos de criação artística.

Para Regina Silveira, a IA pode ser utilizada como ferramenta, mas não deve ser confundida com a capacidade humana de criar e estabelecer conexões inesperadas.

A artista afirma que as tecnologias trabalham a partir de repertórios e memórias existentes e podem contribuir para ampliar possibilidades, mas considera que a invenção permanece ligada ao pensamento humano.

Ela também defende que os jovens sejam preparados não apenas para utilizar novas ferramentas, mas para compreender as linguagens que estão por trás delas.

 

Ver esta publicação no Instagram

 

Uma publicação partilhada por 25º Encontro Arte e Tecnologia | Brasília #25.ART EMMEIO#18 (@25art_2026)

Criatividade humana no centro

A artista e professora Suzete Venturelli, uma das coordenadoras do encontro, também chama atenção para os limites do uso de tecnologias generativas.

Segundo ela, experiências com inteligência artificial podem trazer benefícios, mas é necessário preservar a capacidade humana de criação. A professora cita ainda preocupações relacionadas aos bancos de dados utilizados por sistemas de IA, que podem reproduzir vieses racistas e eurocêntricos.

Para Venturelli, a arte deve manter sua capacidade de questionar a sociedade e também as próprias tecnologias que fazem parte dela.

Nesse sentido, o encontro propõe uma discussão que vai além da ideia de aceitar ou rejeitar a inteligência artificial. A questão passa a ser como utilizar essas ferramentas sem abrir mão da criatividade, da diversidade de perspectivas e da autoria humana.

Arte, tecnologia e ancestralidade

A programação do #25.ART reúne 41 artistas e inclui exposições, palestras, experimentos e atividades presenciais e virtuais. Entre os temas estão ancestralidade, natureza, tecnologias sociais, música africana, tecnodiversidade e inteligência artificial.

Entre os convidados está o líder indígena Casé Angatu Xukuru Tupinambá, que participa de debate sobre as relações entre natureza, arte e tecnologia. O pesquisador Hauke Dorsh aborda tecnologias sociais e a disseminação da música africana, enquanto Ive Rubini apresenta reflexões sobre tecnodiversidade e a importância da multiplicidade de perspectivas.

A programação coloca em contato diferentes formas de conhecimento, aproximando tecnologias digitais de práticas manuais e saberes ancestrais.

Do bordado ao afastamento das telas

A instalação também provocou identificação em outras pessoas que passaram pelo Sesi Lab. O professor de circo tocantinense Gabriel Coelho, de 21 anos, que estava no local praticando malabares, contou que aprendeu com a mãe a costurar e fazer crochê.

Ao observar a imagem dos bordados, lembrou da relação entre o trabalho manual e momentos de afastamento do celular.

A associação resume uma das questões centrais propostas pelo encontro: em meio ao avanço acelerado das tecnologias digitais e da inteligência artificial, práticas aparentemente antigas, como bordar, costurar e criar manualmente, podem ganhar novos significados.

Em “Bordaduras”, Regina Silveira transforma agulhas e pontos de cruz em uma intervenção de grandes dimensões. A obra ocupa a arquitetura, recupera uma técnica tradicional e, ao mesmo tempo, participa de um debate contemporâneo sobre tecnologia, autoria e criatividade.

Mais do que oferecer uma resposta sobre o futuro da inteligência artificial na arte, a instalação deixa uma provocação para quem passa por ela: o que permanece essencialmente humano quando as ferramentas de criação se tornam cada vez mais sofisticadas?

A ação em diferentes pontos da zona sul carioca reforça a ideia de que a poesia pode surgir no caminho, durante um passeio em família, por exemplo. “Os adultos não têm as respostas. O que perdura são as perguntas”, escreve Rinaldi em um dos seus poemas, sintetizando a proposta de uma obra que enxerga a infância não apenas como uma fase, mas como uma forma de se colocar na vida que é aberta ao espanto, à descoberta e à escuta.

Os lançamentos publicados pela Contra Capa Editora nascem de um mesmo território: a experiência humana do cuidado e do afeto. Em Paternidade, Rinaldi percorre as transformações de se tornar pai e a construção cotidiana dos vínculos familiares. Já Poema para a criança convida cada criança e cada adulto a cultivar um olhar mais curioso e delicado sobre o mundo.

Sobre Zé Luiz Rinaldi

Poeta, compositor, diretor e filósofo, Zé Luiz Rinaldi é doutor em Filosofia pela UFRJ, com pesquisa sobre a Questão da Arte apoiada pelo CNPq, e realizou pós-doutorado em Artes Cênicas pela UNIRIO. Autor de oito livros, sua trajetória é marcada pelo diálogo entre literatura, música e cena, investigando as relações humanas e a potência poética do cotidiano. Entre seus principais trabalhos estão a ópera Deslimites da Palavra, contemplada pela Bolsa Vitae de Artes, a premiada série radiofônica Palavra que eu uso me inclui nela, vencedora do 1º Prêmio Roquete Pinto, e a série poética audiovisual O ar que falta. Também dirige o projeto musical MEB_Música Extemporânea Brasileira e integra o coletivo Estudos em Companhia: Investigação e Residência Artísticas.

Serviço

Carrinho de Poesias – Zé Luiz Rinaldi

Data: 16 de agosto (domingo)
Local: Parque Guinle, Laranjeiras, às 10h; Aterro do Flamengo, a partir das 13h

Atividade gratuita

Além da apresentação da cena, Fabiano ministrou uma oficina baseada nos processos de criação de Axé, compartilhando metodologias desenvolvidas durante a pesquisa do espetáculo e propondo reflexões sobre a presença da cultura afro-brasileira nas artes cênicas contemporâneas. O artista também participou de mesas de debate sobre arte, cultura e políticas públicas ao lado de representantes de diversos países da América Latina. Também em dupla jornada, a atriz Taty Aleixo além de atuar no espetáculo, assina a direção vocal da peça.

“Retorno ao Brasil com a “mala”cheia de conhecimento. Foi uma troca maravilhosa e ter participado do Festival Internacional ‘Voces y Visiones de Las Artes Escénicas’, é uma experiência que jamais irei esquecer. Este foi o meu primeiro Festival de Teatro Internacional. Espero que seja o primeiro de muitos”, ressalta Taty.

Espetáculo inspirado em histórias reais

Inspirado em um caso ocorrido em Araçatuba (São Paulo), Axé acompanha Patrícia, uma mãe que enfrenta uma batalha judicial após iniciar sua filha no candomblé. O espetáculo utiliza essa narrativa para discutir intolerância religiosa, racismo estrutural e maternidade, colocando mulheres negras no centro da cena.

Com passagens pelas cidades do Rio de Janeiro e Belo Horizonte, “Axé” participou de diversos festivais, sendo premiado ‘As Lucianans’ e ‘Ajodun – Artes Negras’. Em 2025 . No ano anterior integrou o elenco do 14º FESTU, sendo premiado na categoria “melhor texto original”.

“Quando escrevi este texto, eu lembrei muito da minha mãe. Uma vez, em uma das brigas dela com meu pai, ouvi ele dizendo que ‘se um dia ela levasse a gente pra macumba, ele levaria a gente para morar com ele’. Na época aquilo não surtiu efeito, porém no processo de construção da dramaturgia, essa fala voltou com tudo e me ajudou a colocar esta inquietação para a cena. Todo esforço que minha mãe fez pra criar a gente de forma digna, está presente no texto, na direção e na interpretação do elenco. Eu ainda não sei se este texto é para ela, mas se por exemplo ela fosse cristã, e eu nunca tivesse ouvido esta frase, talvez este texto nem existisse”, conclui Fabiano.

Taty Aleixo

Atriz, cantora e compositora, nascida no Rio de Janeiro e cria do Jacarezinho. Formada em Artes Cênicas pela UNIRIO, iniciou sua trajetória profissional em 2012 no grupo Manguinhos em Cena.

No teatro, integrou montagens de destaque como Furacão, indicada ao Prêmio APTR 2023, Incondicionais,Vozes Negras: A força do Canto Feminino, Os Griôs e As Comadres, além de participar de festivais nacionais e de uma turnê internacional pela Europa. Na televisão, atuou na novela Um Lugar ao Sol (TV Globo). Também desenvolve carreira na música, com participações em álbuns da Sony Music e da Amok Teatro, transitando por gêneros como MPB, samba, rap, blues e funk. Atualmente integra o coletivo Agô.

Fabiano de Paula

Ator, diretor, dramaturgo, produtor cultural e artista visual, nascido no Rio de Janeiro, cria da comunidade Asa Branca.. É formado pela Escola Técnica Estadual de Teatro Martins Penna e estudante de Artes Visuais da UERJ.

Ao longo de 14 anos de carreira recebeu 11 prêmios e mais de 20 indicações em festivais. É fundador do Coletivo Agô e integra a Ao Quadrado Produções, ao lado de Ândrea Cordeiro e Alex Martins.

Realizada na Sala Multiuso da Casa de Cultura, a sessão reuniu um grande público, formado por moradores, apreciadores da cultura valenciana, amigos e integrantes da Banda Progresso, que completa 98 anos em 2026. Após a exibição do documentário, os presentes acompanharam uma apresentação especial da Sociedade Musical Progresso de Valença, que executou diferentes composições sob a regência do maestro Antonio Carlos Santa’nna da Rocha, sendo calorosamente aplaudida pelo público.

O evento contou com a presença da coordenadora da Casa de Cultura JUCERJA Valença, Ângela Canal, do secretário municipal de Cultura e Turismo, Antonio Carlos da Silva, e do secretário municipal de Desenvolvimento Econômico, Indústria, Comércio e Serviços, Rodrigo de Souza.

A criação do Cine Clube amplia as atividades culturais desenvolvidas na Casa de Cultura JUCERJA Valença, oferecendo mais um espaço dedicado à difusão do audiovisual, à valorização da história local e ao fortalecimento das manifestações culturais do município.

A norma tem caráter exclusivamente simbólico e está relacionada às cerimônias oficiais realizadas durante as comemorações da Independência da Bahia. A medida não altera o status de Brasília como capital federal nem modifica o funcionamento dos órgãos públicos ou a estrutura administrativa da União.

A escolha da data faz referência aos acontecimentos de 2 de julho de 1823, quando as tropas portuguesas foram definitivamente expulsas da Bahia. O episódio é considerado um marco decisivo para a consolidação da Independência do Brasil, iniciada com a proclamação de 7 de setembro de 1822.

O projeto que deu origem à lei foi apresentado pelo deputado federal Leo Prates. Após aprovação na Câmara dos Deputados e no Senado, o texto recebeu a sanção presidencial e entrou em vigor. A legislação também prevê que os Poderes da República possam realizar atos oficiais em Salvador durante as celebrações, cabendo ao Poder Executivo organizar a logística necessária para esses eventos.

Nos últimos anos, o governo federal tem ampliado o reconhecimento da importância histórica do 2 de Julho. Além da sanção da nova lei, também foi encaminhada ao Congresso Nacional uma proposta para instituir a data como o Dia Nacional da Consolidação da Independência do Brasil.

Com a nova legislação, Salvador passa a receber, todos os anos, o título simbólico de capital do país durante as comemorações do 2 de Julho, reforçando o papel da Bahia na construção da história da independência brasileira.

As obras tiveram como objetivo recuperar a estrutura física do teatro, preservar características históricas do edifício e adequar suas instalações aos padrões atuais de acessibilidade, segurança e conforto. O projeto contemplou melhorias nos sistemas elétrico, hidráulico, de climatização e prevenção contra incêndios, além da modernização dos recursos de iluminação, sonorização e infraestrutura de palco.

A reforma também incluiu intervenções voltadas à acessibilidade, permitindo melhores condições de circulação para pessoas com deficiência e mobilidade reduzida. Os espaços destinados ao público, artistas e equipes técnicas passaram por revitalização, ampliando as condições de uso do complexo cultural.

A cerimônia de reabertura reuniu autoridades, representantes do setor cultural e artistas, celebrando o retorno das atividades em um dos principais símbolos da cultura baiana. A programação de reinauguração contou com apresentações artísticas que destacaram a diversidade musical e cultural do estado, marcando o início de uma nova fase para o teatro.

Fundado em 1967 e batizado em homenagem ao poeta baiano Castro Alves, o equipamento consolidou-se ao longo das décadas como referência nacional na realização de concertos, espetáculos de dança, teatro, óperas e grandes eventos culturais. O espaço também abriga corpos artísticos permanentes e projetos de formação voltados ao desenvolvimento da produção cultural baiana.

Com a conclusão das obras, o Teatro Castro Alves retoma sua programação regular preparado para receber produções nacionais e internacionais, fortalecendo o cenário artístico de Salvador e ampliando sua contribuição para a difusão da cultura no estado e no país. A expectativa é de que a nova infraestrutura proporcione melhores condições para artistas, técnicos e espectadores, preservando a relevância histórica do teatro e garantindo sua utilização pelas próximas décadas.

Entre as iniciativas programadas está uma vivência conduzida pela médica e ativista Jurema Werneck, voltada à reflexão sobre o autocuidado e os impactos das desigualdades raciais na saúde das mulheres negras. A atividade busca estimular práticas de bem-estar, fortalecer redes de apoio e ampliar o debate sobre o acesso a políticas públicas de saúde.

A programação do festival também inclui rodas de conversa, oficinas, apresentações artísticas, exposições, feira de empreendedorismo e encontros com pesquisadoras, lideranças comunitárias e profissionais de diferentes áreas. A proposta é destacar a contribuição das mulheres negras para a sociedade e reforçar o papel da arte e da cultura na promoção da equidade de gênero e raça. Todas as atividades são gratuitas, mediante retirada prévia de ingressos.

Além das ações voltadas ao cuidado com a saúde, o Latinidades promove debates sobre saúde mental, racismo, direitos humanos, economia criativa, educação e fortalecimento de redes de mulheres negras. A programação reúne nomes como Karol Conká, Linn e a escritora Ana Maria Gonçalves, entre outras artistas, intelectuais e representantes da sociedade civil.

Com o tema “Saúde Mental Importa”, a edição de 2026 amplia a discussão sobre as condições de vida e trabalho das mulheres negras, especialmente das profissionais da cultura, propondo reflexões sobre bem-estar, valorização de saberes ancestrais e enfrentamento das desigualdades estruturais.

Criado pelo Instituto Afrolatinas, o Festival Latinidades chega à sua 19ª edição consolidado como um dos principais espaços de valorização da produção intelectual, artística e política das mulheres negras na América Latina. Ao longo de sua trajetória, o evento tem reunido milhares de participantes em atividades que fortalecem o protagonismo feminino negro e ampliam o debate sobre igualdade racial, justiça social e direitos humanos.

Os trabalhos começaram somente após a melhora das condições climáticas. Sobre o asfalto da Avenida Chile, em frente à Catedral Metropolitana de São Sebastião, os participantes utilizaram materiais como serragem, borra de café, arroz e sal grosso colorido para criar imagens e símbolos ligados à fé cristã. Os desenhos formaram um grande corredor artístico preparado para a programação religiosa do dia.

Neste ano, a organização registrou a participação de 100 tapetes distribuídos ao longo de aproximadamente 300 metros da avenida. O número foi escolhido em referência ao centenário da Obra de Adoração Perpétua. A edição de 2026 teve como tema a 100ª Semana Eucarística, com reflexões voltadas à unidade da Igreja e à missão dos fiéis.

Entre os participantes da celebração esteve o Instituto Marielle Franco, que integrou pela primeira vez a confecção dos tapetes. A obra apresentada pelo grupo retratou um girassol surgindo da silhueta da vereadora Marielle Franco, assassinada em 2018 juntamente com o motorista Anderson Gomes. A participação ocorreu após convite feito pelo cardeal do Rio de Janeiro, dom Orani Tempesta.

A advogada Marinete da Silva, mãe de Marielle Franco, acompanhou a produção e destacou a importância do momento. Segundo ela, a ligação da família com a tradição católica motivou a participação na celebração.

“Vendo este Cristo vivo dentro da gente e mostrar para o mundo essa produção maior”, afirmou.

Ela também ressaltou o envolvimento da família na atividade religiosa e acrescentou:

“O tapete é uma tradição deste dia, e a gente traz o Instituto Marielle Franco com muita honra e a família, porque Antônio [o marido] está aqui com os jovens da Paróquia de Santa Rita”.

Marinete ainda destacou o significado espiritual da data para os católicos.

“É muito importante para a gente e dizer que a nossa fé nos mantém. Celebrar Corpus Christi é uma das celebrações mais bonitas e importantes da Igreja Católica. É o Cristo vivo nas ruas.”

O marido de Marinete e pai de Marielle, Antônio Francisco da Silva Neto, também participou da montagem. A presença da família foi acompanhada por integrantes da paróquia e por jovens voluntários que ajudaram na elaboração dos desenhos.

Para o cônego Claudio dos Santos, pároco da Catedral Metropolitana e vigário episcopal para o Vicariato de Pastoral, a festa representa uma oportunidade de manifestação pública da fé. Segundo ele, a tradição dos tapetes reforça o sentido comunitário da celebração e permite que os fiéis expressem sua devoção por meio da arte produzida coletivamente.

Além da confecção dos tapetes, a programação de Corpus Christi contou com missas, procissão e outras atividades religiosas realizadas ao longo do dia no centro da capital fluminense. A expectativa da Arquidiocese era reunir milhares de pessoas em uma das celebrações mais tradicionais do calendário católico brasileiro.

Instalado aos pés do monumento no alto do Corcovado, o tapete foi produzido com a técnica do patchwork, que consiste na união de diferentes pedaços de tecido para formar desenhos e composições coloridas. A proposta substituiu materiais tradicionalmente utilizados nesse tipo de ornamentação e reforçou o compromisso ambiental da celebração.

A confecção mobilizou dezenas de participantes ao longo de aproximadamente dois meses. Foram realizadas 25 oficinas colaborativas, que resultaram em um tapete com mais de 30 metros de extensão. Mais de 300 quilos de tecidos foram arrecadados por meio de campanhas e parcerias para dar forma ao projeto.

Além do caráter artístico e religioso, a iniciativa teve forte impacto social. A produção contou com a participação de mulheres atendidas por programas do Consórcio Cristo Sustentável, oriundas de diferentes regiões da capital fluminense e da Região Metropolitana. As oficinas funcionaram como espaços de acolhimento, convivência, capacitação e fortalecimento da autoestima das participantes.

A celebração de Corpus Christi foi conduzida pelo cardeal Orani João Tempesta e integrou uma programação que destacou a relação entre fé e responsabilidade ambiental. O projeto também segue princípios da economia circular e está alinhado aos Objetivos de Desenvolvimento Sustentável da Organização das Nações Unidas, incentivando o reaproveitamento de materiais e a redução de resíduos.

A iniciativa dá continuidade a uma série de ações sustentáveis desenvolvidas nos últimos anos no monumento. Em 2025, o tapete de Corpus Christi foi produzido com cerca de 460 quilos de tampinhas plásticas recicladas. Já em 2024, a montagem utilizou materiais como borra de café, serragem, cascas de ovo e sal, sempre com foco na conscientização ambiental.

De acordo com os organizadores, o trabalho realizado neste ano é considerado pioneiro por utilizar integralmente a técnica do patchwork na criação de um tapete de Corpus Christi, unindo tradição religiosa, valorização do artesanato e compromisso socioambiental em uma única iniciativa. Após a celebração, as peças produzidas deverão integrar exposições em diferentes locais, ampliando o alcance cultural e educativo do projeto.